Anitta & KBrum – Sal Grosso
“Sal Grosso,” from Anitta’s EQUILIBRIVM II, reconnects her baile-funk roots with the Brazil–Jamaica continuum explored by Duque de Caxias artist KBrum. Produced by Maffalda, Enzo DiCarlo and Pedro Lucas, the track builds on Brazilian funk while folding in dancehall and ragga, with a heavy sound-system kick and a sample of DJ O Mandrake’s “Treinamento do Bumbum.” Its lyrics turn everyday Afro-Brazilian spiritual practices—coarse salt, prayers, candles, protective herbs and amulets—into a ritual of cleansing and protection. References to Madureira, baile funk and baile charme ground that spirituality in Rio’s street culture, while dancing itself becomes a form of purification, healing and bodily empowerment.
「Sal Grosso」は、Anittaが自身の原点であるブラジリアン・ファンクへ立ち返りながら、Duque de Caxias出身のKBrumを迎えて、リオの音楽とジャマイカ由来のダンスホール／ラガを結びつけた一曲です。プロデュースはMaffalda、Enzo DiCarlo、Pedro Lucas。DJ O Mandrake「Treinamento do Bumbum」のサンプル、サウンドシステムを意識した強烈なキック、重い低音が、肉体的なダンス・トラックを作り上げています。 歌詞では粗塩、祈り、ろうそく、ギニアハーブ、護符といったアフロ・ブラジル系の信仰や民間の浄化儀式を描写。Madureira、baile funk、baile charmeなどリオ郊外の文化も織り込みながら、悪意から身を守り、踊ることで身体と魂を浄化するというテーマを表現しています。Anitta自身も、身体の動きや官能性には「癒やしと高揚」の力があると説明しており、クラブの熱量と精神的な儀式を一体化させた楽曲です。
Ariana Grande – petal
The title track of Ariana Grande’s eighth album petal is produced and co-written by Grande, ILYA and Max Martin, turning her polished pop/R&B language into something unusually tense and theatrical. Beginning as a slow, oppressive waltz, the song eventually fractures into stuttering hip-hop rhythms, mirroring the anger beneath Grande’s controlled vocals. Lyrically, “petal” confronts the expectation that artists must repeatedly convert heartbreak and trauma into entertainment. Its central image—a delicate petal surviving through pavement—represents resilience amid fame, scrutiny and emotional exploitation. Grande ultimately rejects both the victim role and the fantasy of needing someone else to save her, placing faith instead in herself and her music.
アルバムのタイトル曲「petal」は、Ariana Grande、ILYA、Max Martinが制作・作曲に携わった、彼女としてはかなり緊張感の強いポップ／R&Bです。重苦しくゆっくりとしたワルツとして始まり、途中から細かく途切れるヒップホップ的ビートへ変化。優雅な歌声の裏に潜む怒りを、曲そのものの崩れ方で表現しています。 歌詞では、失恋や苦痛さえ作品として消費され、ステージ上で何度も再演し続けるポップスターの矛盾を描写。「舗道から伸びる花びら」というイメージは、冷たく過酷な環境でも生き続ける繊細さと強さの象徴です。誰かに救われる物語も拒み、自分自身と音楽を拠り所にする、名声との関係を問い直す自己解放の曲になっています。
ARTMS – Born Stunner
“Born Stunner,” the pre-release single from ARTMS’s 2026 EP Hyper-Ego, pushes the group toward a harsher, more maximalist strain of K-pop. Composed by Arjen Thonen, YELO, Kwon Ae-jin (MonoTree), and LUA, with KLIPTO handling the arrangement, it is built around crushing bass drops, glitchy synth textures, rapid rhythmic shifts, forceful rap passages, and a deliberately repetitive hook. The lyrics present ARTMS as figures “born in the glitch”: outsiders who turn difference, rumors, and attention into confidence. References to simulations, light, flashes, and glitches extend the group’s recurring digital/virtual imagery, while the swaggering “stunner” persona celebrates individuality and refusing conventional rules.
「Born Stunner」は、ARTMSの2026年EP『Hyper-Ego』から先行公開された、従来以上に攻撃的でマキシマルなK-POPトラックです。作曲はArjen Thonen、YELO、MonoTreeのKwon Ae-jin、LUA、アレンジはKLIPTO。重いベースドロップ、グリッチしたシンセ、目まぐるしいリズム変化、力強いラップと反復的なフックを次々にぶつけ、整然とした「Virtual Angel」などとは対照的に、意図的にルールを壊すサウンドを作っています。 歌詞では自分たちを「glitchから生まれた新種」と位置づけ、噂や周囲の視線すら自信へ変換。「simulation」「light」「flash」といったデジタルな言葉を通して、既存の枠に収まらない異端性と自己肯定を誇示する、強烈な“私は特別”宣言になっています。
Blood Orange feat. Eva Tolkin & Liam Benzvi – Westerberg
Produced by Devonté Hynes, “Westerberg” is one of the gentlest, most nostalgic moments on Blood Orange’s Essex Honey. Its hazy indie pop/alternative R&B arrangement and softly interwoven vocals from Hynes, Eva Tolkin and Liam Benzvi give the song the feeling of an old musical memory resurfacing. The title honors The Replacements’ Paul Westerberg, while the chorus interpolates their 1987 song “Alex Chilton”—itself a tribute to another musician. That recursion fits the lyrics’ central theme: returning to forgotten records and childhood memories while realizing that youth has irretrievably passed. Nostalgia becomes both comforting and painful, closely connecting the song to Essex Honey’s broader meditation on grief, home and memory.
「Westerberg」は、Devonté Hynes自身がプロデュースした『Essex Honey』収録曲で、Eva TolkinとLiam Benzviが柔らかなボーカルで参加しています。霞がかったインディー・ポップ／オルタナティブR&Bを軸に、穏やかなリズムと重なり合う歌声によって、昔聴いていた音楽がふと記憶の底から蘇るような感触を作っています。 タイトルはThe ReplacementsのPaul Westerbergへの敬意で、コーラスでは彼らの「Alex Chilton」を引用。ミュージシャンへの賛歌をさらに引用するという入れ子構造になっています。 歌詞では、忘れていたレコードを聴き返すことで過去へ戻ろうとしながらも、「もう若くはない」という現実に直面します。懐かしさを単なる幸福な回想ではなく、喪失や成長の痛みと共存するものとして描き、アルバム全体の「記憶、故郷、悲嘆」というテーマにも深く結びついた一曲です。
FLO – Remedied
“Remedied,” from FLO’s second album THERAPY AT THE CLUB, is an exuberant R&B/pop track produced by Oak Felder, Oscar Linnander and Jayme Silverstein; Jorja Douglas co-wrote it with Amy Allen, Felder, Linnander and Silverstein. Its punchy drums, brass-heavy production and theatrical energy recall the maximalist 2000s pop-R&B of Christina Aguilera’s Back to Basics. Lyrically, FLO move from crying alone in bed to being dragged out by friends for a chaotic night of drinking and dancing. The “remedy” is music, friendship and the dance floor: not necessarily a permanent solution, but an immediate way to escape a rut and rediscover confidence.
「Remedied」は、FLOの2ndアルバム『THERAPY AT THE CLUB』収録の高揚感あふれるR&B／ポップ。プロデュースはOak Felder、Oscar Linnander、Jayme Silversteinで、Jorja DouglasがAmy Allenらと作曲しています。 強く弾むドラムと派手なブラス、芝居がかった勢いのあるアレンジは、Christina Aguilera『Back to Basics』期を思わせる2000年代的なマキシマル・ポップR&Bです。 歌詞では、ベッドで泣き沈んでいた主人公が友人からの電話をきっかけに外へ出て、酒と音楽、ダンスに身を任せていく夜を描写。FLO自身が「行き詰まりから抜け出し、自分が誰なのかを思い出すための特効薬」と説明する通り、恋愛ではなく女友達との連帯と音楽そのものを“治療薬”にする曲です。アルバムの「クラブ＝癒やしと自己回復の場」というコンセプトを最も直接的に体現しています。
James Blake, Travis Scott & Ludwig Göransson – When I’m Home
“When I’m Home” is the closing-credits song from Christopher Nolan’s The Odyssey, produced by James Blake and Ludwig Göransson and co-written with Travis Scott and Nolan. Its dark, ghostly blend of alternative hip-hop, experimental pop and cinematic score pairs Blake’s siren-like falsetto and distorted vocal layers with Scott’s spacious, meditative rap. The lyrics directly inhabit Odysseus’ journey, invoking Troy, fleets, war, sirens and the sea. Rather than celebrating homecoming, the song treats “home” as something psychologically uncertain: after years of violence and wandering, returning becomes a moment of reckoning with what has been lost, done and changed.
「When I’m Home」はChristopher Nolan監督『The Odyssey』のエンドクレジット曲で、James BlakeとLudwig Göranssonがプロデュース、Travis ScottとNolanも作曲に参加しています。 サウンドはオルタナティブ・ヒップホップ、実験的ポップ、映画音楽の境界を行き来する暗く幽玄なもの。歪んだ声のレイヤーとJames Blakeの“セイレーン”のようなファルセットに、Scottの余白を生かしたラップが重なり、悪夢めいた緊張感を作ります。 歌詞ではトロイ、艦隊、戦争、海、セイレーンなど『オデュッセイア』のイメージを直接引用。故郷への帰還を単純な救済として描かず、長い放浪の果てに「帰るとは何か」「自分は何を失い、何をしてきたのか」を振り返る、内省的で不安定なホームカミングの歌になっています。
Kyary Pamyu Pamyu – KURU KURU HARAJUKU
“KURU KURU HARAJUKU,” Kyary Pamyu Pamyu’s first new song after becoming a mother, reunites her with longtime producer Yasutaka Nakata, who wrote, composed, arranged, and produced the track. Musically, it is a brightly maximalist electropop/dance-pop track driven by an exotic melodic palette and an insistent, highly danceable beat. The lyrics reimagine Harajuku through dreamy sensory fragments—matcha, ramune bubbles, pastel colors, old love letters, and kaleidoscopic views—turning the neighborhood into a space where memory and fantasy continuously spin together. Kyary has described the song as part of her desire to energize Harajuku again and reconnect with the place central to her identity.
「KURU KURU HARAJUKU」は、母になったきゃりーぱみゅぱみゅの復帰作で、長年のパートナーである中田ヤスタカが作詞・作曲・編曲・プロデュースをすべて担当しています。 エキゾチックな旋律と中毒性の高いビートを軸にした、カラフルでマキシマルなエレクトロポップ／ダンス・ポップ。 歌詞では、抹茶の香り、ラムネの泡、淡いミント色、古い恋文、万華鏡のような景色といった断片を並べ、原宿を現実の街というより、記憶と夢がくるくる回り続ける幻想空間として描いています。きゃりー自身も、今作には「もう一度原宿を盛り上げたい」という思いがあると語っており、「もしもし原宿」「原宿いやほい」から続く自身の原点を、32歳となった現在の視点で更新した楽曲です。
Ninajirachi & Porter Robinson – WannaCry
“WannaCry” is a euphoric electronic collaboration written and produced by Ninajirachi and Porter Robinson, with Wave Racer mixing the track. Robinson brought the bright lead-synth riff into their studio session, while Ninajirachi reshaped the bass, added glitches and helped build its explosive contrasts between airy passages and distorted, synth-heavy drops. Drawing on electropop, hyperpop and festival-ready EDM, it channels both artists’ fascination with computer culture. Cleverly, the lyrics are written from the perspective of the infamous 2017 WannaCry ransomware: a digital organism desperate to spread and “multiply.” Its destructive behavior is reframed almost sympathetically as an instinct for survival, turning malware into a strangely emotional character.
「WannaCry」は、NinajirachiとPorter Robinsonが共同で作詞・作曲／プロデュースした、眩しい高揚感とデジタルなノイズが交錯するエレクトロニック・ポップです。Porterが持ち込んだ鮮やかなシンセ・リフを土台に、Ninajirachiがベースを大胆に作り替え、細かなグリッチや展開を追加。浮遊感のあるボーカル・パートから歪んだシンセが爆発するドロップまで、エレクトロポップ、ハイパーポップ、EDMを横断するサウンドになっています。 歌詞の主人公はなんと2017年に世界的被害を起こしたランサムウェア「WannaCry」そのもの。「multiply＝増殖したい」という言葉から発想し、感染を繰り返すウイルスを、ただ生き延びて広がりたい存在として描いています。破壊的なマルウェアに寂しさや生命欲を与えることで、両者が共有するインターネット文化へのノスタルジーと、人間とテクノロジーの奇妙な感情的関係をポップに表現した一曲です。
pinponpanpon – kuru kuru sushi
hyperpop-inflected electronic J-pop produced by French Cries, with P.O.O.P, lileffort, crescentceo and Jack Yuuki Engelbrekt serving as co-producers. French Cries and P.O.O.P composed the track, while pinponpanpon and French Cries wrote the lyrics. Its frantic electronic energy, repetitive hook and intentionally absurd presentation turn conveyor-belt sushi into pure internet-age pop spectacle. The lyrics pile up hamachi, tuna, salmon, wasabi, BeReal, money and romance through puns and non-sequiturs, treating a chaotic sushi outing as both comedy and surreal fantasy rather than pursuing a conventional narrative.
「kuru kuru sushi」は2026年5月29日リリース。French Criesがプロデュースし、P.O.O.P、lileffort、crescentceo、Jack Yuuki Engelbrektが共同プロデュース、作曲はFrench CriesとP.O.O.P、作詞はpinponpanponとFrench Criesが担当しています。 サウンドはpinponpanponらしいハイパーポップ／デジコア寄りの高速エレクトロニックJ-POPで、反復する「くるくる回転寿司」のフックと過剰なテンションが、回転寿司そのものをサイケでネット的なポップ世界へ変換します。 歌詞も、はまちが襲来する導入から、マグロ、サーモン、ワサビ、マヨコーン、BeReal、給料、恋愛までを猛烈な言葉遊びで接続。明確な物語を語るというより、日本的な寿司文化とSNS世代の語彙をナンセンスに衝突させ、その混沌自体を楽しむ楽曲です。
Quadeca – Hell of a time
“Hell of a time,” the third single from Quadeca’s upcoming album Life 1, was written, produced, mixed and mastered entirely by Quadeca (Benjamin Lasky). It is one of his most pop-forward songs yet, blending dance-pop and experimental electronic pop through chopped, bouncing drums, playful synth chords, layered harmonies and deliberately artificial digital instrumentation. Lyrically, Quadeca looks back on a relationship that may have ended badly, but insists on preserving the joy that once existed. As the production gradually darkens, the repeated phrase “we had a hell of a time” shifts from carefree celebration into something more bittersweet: an attempt to accept change without rewriting the past.
「Hell of a time」は、Quadecaの次作『Life 1』からの第3弾シングルで、Benjamin Lasky＝Quadeca自身が作詞・作曲、プロデュース、ミックス、マスタリングまで担当しています。 サウンドは彼の近作でも特にポップ志向が強く、跳ねるように細かく刻まれたドラム、明るいシンセ・コード、幾重にも重なるハーモニー、あえて人工的なデジタル音色を組み合わせたダンス・ポップ／エクスペリメンタル・ポップです。 歌詞では、すでに壊れつつある関係を振り返りながら、それでも「自分たちは最高の時間を過ごした」と肯定しようとします。曲が進むにつれて音像は徐々に暗くなり、同じフレーズが無邪気な祝福から切なさを帯びた回想へ変化。過去を否定せず、変化を受け入れようとする複雑な別れの感情を描いています。
Rapsody – Apple Juice
“Apple Juice,” from Rapsody’s God Gotta Afro & Gold Hoops, is produced by Groove and Mr. Porter, with additional vocals from Nomsa Mazwai. Built around the warm neo-soul language of D’Angelo’s “One Mo’ Gin,” it blends hip-hop, soul and jazz through Rhodes piano, organ, live-feeling drums and a relaxed 69 BPM groove, while Rapsody spends much of the song singing rather than rapping. Lyrically, she portrays the nervous sweetness of falling for someone and wondering whether the attraction is mutual. The “sugar in my apple juice” metaphor captures that intoxicating desire, balancing sensuality with hesitation, vulnerability and the hope of experiencing a deeper kind of love.
「Apple Juice」はRapsodyの『God Gotta Afro & Gold Hoops』収録曲で、GrooveとMr. Porterがプロデュース、Nomsa Mazwaiが追加ボーカルで参加しています。 D’Angelo「One Mo’ Gin」を下敷きにした温かなネオソウル感覚を持ち、Rhodesピアノ、オルガン、生演奏感のあるドラムによるゆったりしたグルーヴが特徴。普段の鋭いラップよりも、Rapsody自身の柔らかな歌声を前面に出したヒップホップ／ソウル／ジャズ寄りのラブソングです。 歌詞では、惹かれ合っている相手に本心を伝えられず、「相手も本気なのか」とためらう恋心を描写。「私のアップルジュースに入った砂糖」という甘い比喩で欲望と高揚を表しながら、単なる官能性だけでなく、もっと深い愛を経験したいという素直な脆さも込めています。
Remi Wolf – Twiggy
“Twiggy,” the lead single from Remi Wolf’s upcoming third album Mud, is produced by Wolf, Jack DeMeo and Solomonophonic (Jared Solomon), with additional production from Paul Cherry. Beginning with warm finger-picked guitar and an upbeat indie-folk/pop-rock feel, the track gradually expands into a louder, emotionally charged finale, allowing Wolf’s elastic, increasingly raw vocals to drive the tension. Lyrically, she describes attraction to emotionally unavailable partners through funny, sharply observed details before the relationship’s instability becomes harder to ignore. Wolf jokingly describes it as being about people lacking “butts and emotional availability,” while also suggesting it could concern the messiness of addiction, giving the playful song a darker undertow.
「Twiggy」は、Remi Wolfの3rdアルバム『Mud』からの先行曲で、**Wolf、Jack DeMeo、Solomonophonic（Jared Solomon）**がプロデュースし、Paul Cherryが追加プロデュースを担当しています。 温かなフィンガーピッキングのギターから始まるインディー・フォーク／ポップ・ロックを基調に、次第に演奏とボーカルの熱量が増し、終盤では荒々しい感情が噴き出すように展開します。 歌詞では、夜にしか会えない相手や無謀な行動など、感情的に距離のある恋人への奇妙な執着をユーモラスな細部から描写。Wolf自身は「お尻も感情的な余裕もない人を好きになる歌」と冗談めかしつつ、「依存症の混沌についてかもしれない」とも説明しています。軽快な恋愛ソングの表面から、共依存や自己破壊的な関係の不安が徐々に浮かび上がる一曲です。
Rico Nasty – Frenzy
“Frenzy,” from Rico Nasty’s 2026 album RX, reunites her with longtime collaborator Kenneth Blume (formerly Kenny Beats), who produces the entire project and co-wrote the track with Rico. Musically, it is an abrasive, maximalist trap/rage rap cut built from crushing bass, warped glitches and blown-out electronic textures; Pitchfork notes its resemblance to the contemporary UK underground sound around fakemink and “LV Sandals.” Rico responds with constant flow changes, punchlines and manic ad-libs. Lyrically, it is pure swagger: she mocks rivals and broke men, flaunts money, sex appeal and status, and turns her chaotic “frenzy” lifestyle into a statement of glamorous self-confidence.
「Frenzy」は、Rico Nastyの2026年作『RX』収録曲で、長年の盟友Kenneth Blume（旧名Kenny Beats）がプロデュース。作曲もRicoとBlumeが手掛けています。 サウンドは潰れそうな極太ベース、歪んだグリッチ、過剰に膨張した電子音が暴れるトラップ／レイジ・ラップで、近年のfakemink周辺のUKアンダーグラウンドにも接近。Ricoは次々とフロウを切り替え、鋭いパンチラインとアドリブでビートに対抗します。 歌詞は徹底したブラガドシオで、ライバルを「自分の子供」と挑発し、貧しい男を切り捨て、金、性的魅力、トレンドセッターとしての地位を誇示。「Frenzy＝狂騒」そのものを華やかな生き方として肯定する、Ricoらしい攻撃性とユーモアに満ちた曲です。
Slayyyter – brand new chanel$
“brand new chanel$” is produced by Wyatt Bernard and Austin Corona, who also co-wrote it with Slayyyter. Mixed by pop veteran Serban Ghenea, the track leaves much of WOR$T GIRL IN AMERICA’s abrasive electroclash behind for glossy 2010s-style pop, slowly building through washed-out synths and a driving kick/hi-hat pulse before erupting into huge drums and synth wails. Lyrically, it documents the real infidelity Slayyyter discovered around her Coachella breakthrough, moving through suspicion, gaslighting, late-night calls and betrayal before reaching defiant release. As a sequel to “BEAT UP CHANEL$,” designer luxury becomes a bitter symbol of superficial desire versus genuine emotional connection.
「brand new chanel$」は、Wyatt BernardとAustin Coronaがプロデュースし、Slayyyterと3人で作曲。ミックスはSerban Gheneaが担当しています。『WOR$T GIRL IN AMERICA』の荒々しいエレクトロクラッシュから離れ、霞んだシンセ、キックとハイハットの反復から、巨大なドラムとシンセが開ける2010年代メインストリーム・ポップへ接近した一曲です。 歌詞は、Coachellaでの飛躍期に実際に経験した恋人の浮気をもとに、疑念、嘘、深夜の電話、裏切られた痛みを描写。最終的には相手を切り捨て、自分を取り戻していきます。「BEAT UP CHANEL$」への続編でもあり、そこでは“使い込まれたChanel＝本物”を求めていたのに対し、今回は“brand new Chanel$”が、表面的な欲望や虚飾の象徴へ反転。失恋の絶望を巨大なポップ・アンセムへ変えた曲です。
Trooper Salute – 友達がいました
“友達がいました,” the eight-minute title track of Trooper Salute’s debut album, was written and composed by keyboardist Hayato Komiya, the band’s central figure in songwriting and arrangement; public credits list Yuji Kamijo as recording engineer but do not specify a separate producer. The song expands their self-described symphonic indie-rock into a sweeping, progressive finale, balancing delicate passages with increasingly grand ensemble dynamics. Its lyrics remember a flawed but irreplaceable friend—someone dishonest, unpopular and difficult, yet deeply admired. Repeated images of words overflowing from the narrator’s chest and dissolving into water capture regret over things that could never properly be communicated, turning friendship, separation and imperfect human connection into something both mournful and forgiving.
「友達がいました」は、Trooper Saluteの1stアルバムを象徴する8分超のタイトル曲。Keyの小宮颯斗が作詞・作曲を担当し、バンドの制作／アレンジ面でも中心を担っています。公開クレジットでは上條雄次が録音エンジニアとして記載されており、本曲単独の別プロデューサーは明記されていません。 サウンドは彼らが掲げるシンフォニック・インディーロックを壮大に拡張したもので、繊細な歌と鍵盤、ギターを起点に、長い尺を使って徐々にスケールを広げていくプログレッシブな構成が特徴です。 歌詞では、嘘をつき、嫌われ者でもあった「友達」を、欠点ごと愛おしく回想します。「胸から溢れ出した言葉が水に溶けた」という反復が、伝えきれなかった思いや後悔を象徴。自分だけが正しかったわけではないと振り返りながら、友情の喪失と、それでも相手を肯定したい気持ちを描いた、人間臭く切ない一曲です。