Bonobo feat. Arooj Aftab – Fire on the Water
“Fire on the Water” is a hushed, atmospheric collaboration between Bonobo and Arooj Aftab, taken from Bonobo’s forthcoming Distance In Static. Produced, engineered and mixed by Bonobo (Simon Green), the song was composed by Green and Aftab, with Urdu lyrics by Pakistani poet Yasra Rizvi. It began almost accidentally from an acoustic-guitar loop Green recorded while testing inputs at Neil Young’s Broken Arrow Ranch studio. Plucked guitar, cello, violin, bass, piano and blurred synths create a delicate meeting point between ambient electronica, chamber folk and Aftab’s South Asian-rooted style. Her restrained vocal meditates on passing time, fading youth, distance and desire that stubbornly remains.
BonoboとArooj Aftabによる「Fire on the Water」は、Bonoboの新作『Distance In Static』に収録される静謐で幻想的なコラボレーションです。プロデュース、録音、ミックスはBonoboことSimon Greenが担当し、作曲にはGreenとAftab、ウルドゥー語の歌詞にはパキスタンの詩人Yasra Rizviがクレジットされています。Neil YoungのBroken Arrow RanchでGreenが機材チェックのために弾いた即興的なアコースティック・ギターのループから偶然生まれた曲で、爪弾かれるギター、チェロ、ヴァイオリン、霞んだシンセが重なるアンビエント・エレクトロニカ／チェンバー・フォーク的な音像が特徴です。Aftabの低く抑制された歌声は、過ぎていく時間や衰えていく若さ、離れた相手への視線、そして時間が流れても消えない欲望と憧憬を描き、「水の上にもなお火は燃える」という印象的なイメージへと結びつけています。
Carly Rae Jepsen – After All
“After All” is a glowing, softly psychedelic pop song from the Day half of Carly Rae Jepsen’s forthcoming double album Day and Night. Written by Jepsen, Kyle Shearer and Nate Cyphert, and produced by Shearer, it pairs warm synths, guitar, bass and keyboards with Caleb Crosby’s drums and percussion, gradually opening into a brighter, piano-driven release. Its hazy chillwave-adjacent production gives Carly’s melodic pop an unusually settled, domestic warmth. Written while she was considering how motherhood might reshape identity and perception, the lyrics imagine apartments, flowers, marriage and private celebrations, presenting lasting love not as dramatic fantasy but as the desire to build an everyday life together.
「After All」は、Carly Rae Jepsenが9月18日に発表する2枚組アルバム『Day and Night』の“Day”側を代表する、柔らかく煌めくポップ・ソングです。Carly、Kyle Shearer、Nate Cyphertの共作で、プロデュースは長年のコラボレーターShearerが担当。ギター、シンセ、ベース、キーボードにCaleb Crosbyのドラム／パーカッションを重ね、淡いチルウェイヴ的な揺らぎから、次第にピアノが高揚感を生み出していきます。母親になることで自分のアイデンティティや選択、世界の見え方がどう変化するのかを考えながら書かれた曲で、海の見える部屋、花、指輪、二人だけの夜といった日常的な情景を通して、恋愛の刺激よりも「誰かと生活を築き続けること」の幸福を描いています。Carlyらしいロマンティシズムが、より成熟した家庭的な愛へと変化した一曲です。
Kenshi Yonezu – Yodaka
“Yodaka” is Kenshi Yonezu’s theme song for the 2026 film Kingdom: The Clash of Souls, written, arranged and produced entirely by Yonezu. Yu Suto plays bass and Masaki Hori drums. Initially conceived as indie rock, the track evolved into a muscular hybrid of rock and breakbeats, with live drums, distorted guitars, shinobue flute and processed vocals evoking East Asian traditional instrumentation. Yonezu’s unusually raw, growling delivery intensifies its battlefield atmosphere. Inspired primarily by protagonist Xin, the lyrics portray people fighting upward from deprivation and isolation, turning the nightjar into a symbol of stubborn ambition, survival and faith that one can escape imposed circumstances.
「夜鷹」は、映画『キングダム 魂の決戦』のために書き下ろされた米津玄師のロック・ナンバーです。作詞・作曲・編曲・プロデュースは米津自身が担当し、ベースに須藤優、ドラムに堀正輝が参加。当初はIceageなどを意識したインディーロックを目指していましたが、制作過程でブレイクビーツ、生ドラム、歪んだギター、篠笛、さらに声を加工して篳篥のように響かせる音色が加わり、東アジア的な響きと荒々しいロックが融合した独特のサウンドへ発展しました。 米津自身が近年好んでいるという“がなり”を多用したボーカルも、戦場の混沌と闘争心を強調しています。歌詞は『キングダム』全体、とりわけ下僕から天下の大将軍を目指す信に焦点を当て、貧しさや孤独、痛みの中から「強くなってここを脱出する」という野心を描きます。“夜鷹”は、暗闇の中でも飛び続ける者たちの象徴であり、米津自身の原点や創作への欲望とも重なる一曲です。
kurayamisaka – hikari
“hikari” is kurayamisaka’s self-cover of a song guitarist/vocalist Shotaro Shimizu originally wrote for Yuka Nagase in 2025. In the band’s version, Shimizu’s composition is transformed into their characteristic blend of shoegaze, indie rock and alternative rock: dense, roaring guitars surround Sachi Naito’s languid, weightless vocal, creating a striking tension between noise and tenderness. No separate producer is credited; Tomoaki Shimada handled recording and mixing, with Kentaro Kimura mastering. The lyrics assemble impressionistic images of rain, seaside light, waves and the end of summer, treating memory as something fleeting and difficult to articulate—a nostalgic feeling continually resurfacing through ordinary sensory details.
「hikari」は、kurayamisakaの清水正太郎が2025年に長瀬有花へ提供した楽曲を、バンド自身で再構築したセルフカバーです。作詞・作曲は清水。公式クレジットでは独立したプロデューサー名は記載されておらず、録音／ミックスを島田智朗、マスタリングを木村健太郎が担当しています。長瀬版の繊細なドリームポップ感に対し、こちらでは幾重にも重なる轟音ギターを前面に押し出し、シューゲイズ／インディーロック的な厚い音像と、内藤さちのアンニュイで浮遊する歌声を対比させています。歌詞には雨上がりの光、海辺、波、夏の終わりといった断片的な情景が現れ、明確な物語よりも、過ぎ去った時間をふとした感覚から思い出す心の動きを描写。「前髪がうっとおしい」という日常的な一節も含め、言葉にしきれない記憶やノスタルジーを抽象的に掬い上げた一曲です。
L’Rain – borderline
“borderline” is a standout from L’Rain’s fourth album fata morgana, written by Taja Cheek and produced with longtime collaborators Ben Chapoteau-Katz and Andrew Lappin. Cheek handles vocals, bass, guitar and synths, while Timothy Angulo provides live drums. The song begins as hazy, intimate art-pop before steadily expanding: sinuous guitars and restless percussion are overtaken by modular synths and increasingly abrasive psychedelic textures. Lyrically, repeated images of “borderlines” and reshaping shared territory suggest an unstable relationship where intimacy, possession and conflict blur together. Physical desire feels simultaneously nurturing and threatening, fitting an album preoccupied with belonging, alienation and uncertain boundaries.
「borderline」は、L’RainことTaja Cheekの4作目『fata morgana』に収録された、幻想的でありながら次第に荒々しさを増していく一曲です。作詞・作曲はCheek、プロデュースはCheekと長年の共同制作者Ben Chapoteau-Katz、Andrew Lappinが担当。Cheek自身が歌、ベース、ギター、シンセを演奏し、Timothy Anguloの生ドラムも加わっています。 序盤は霞んだアンビエント・ポップ／オルタナティブR&Bの親密な音像ですが、蛇行するギターと躍動的なドラム、モジュラーシンセが徐々に密度を増し、終盤にはネオ・サイケデリア的な轟音へ発展します。 歌詞では「境界」と二人で形作る土地というイメージを反復し、恋人同士の親密さと支配、欲望と警戒心が入り混じる曖昧な関係を描写。「獣なのか、糧なのか」と問いかける感覚にも象徴されるように、愛することが安心と脅威の両方になり得る不安定さを表現しています。
Madonna – Danceteria
“Danceteria,” from Madonna’s CONFESSIONS II, turns her early-1980s New York club history into sleek dance-pop autobiography. Produced by Madonna, Andrew Watt, Cirkut and Stuart Price, and written by the same team with Lou Reed, it features Watt on guitar and bass, Cirkut on programming, and additional keyboards/programming from Price. The track blends disco, French house and electroclash textures around an interpolation of Reed’s “Walk on the Wild Side.” Lyrically, Madonna revisits the Danceteria nightclub where DJ Mark Kamins helped launch her career, namechecking figures from the downtown scene and celebrating the dancefloor as a place where outsiders, artists and ambition could converge.
「Danceteria」は、Madonnaが1980年代初頭のニューヨークで過ごした下積み時代を、現在のダンス・ポップへと再構築した自伝的な一曲です。プロデュースはMadonna、Andrew Watt、Cirkut、Stuart Price。Wattのギター／ベース、Cirkutのプログラミング、Priceの追加キーボードなどを軸に、ディスコ、フレンチ・ハウス、エレクトロクラッシュを融合し、Lou Reed「Walk on the Wild Side」をインターポレートしています。 歌詞では、MadonnaがデモをDJのMark Kaminsに渡し、キャリアの突破口を得た伝説的クラブDanceteriaを回想。Haoui MontaugやDebi Mazar、Basquiat、Keith Haringら当時のニューヨーク・ダウンタウン文化を彩った人物たちを次々と呼び起こし、単なる懐古ではなく、クラブを「誰もが芸術作品になれる場所」として讃えています。自身の原点と、ダンスフロアが人生を変える力を重ね合わせた、キャリア総括的なアンセムです。
Open Mike Eagle & Kenny Segal – Watching a Movie Called Freedom by Myself
“Watching a Movie Called Freedom by Myself” closes Open Mike Eagle and Kenny Segal’s DOOMED!, their breakup album built from the collapse of Eagle’s five-year relationship. Segal supplies the music and production, while Eagle writes and performs the lyrics. The track is unusually spacious and funereal: soft keys, tape-like hiss, languid drums and slowly eroding drones create a ghostly strain of abstract hip-hop. Eagle treats the relationship like a film whose credits have already rolled—there is no hidden epilogue or miraculous restart. Instead, the song confronts exhaustion, separation and the uneasy freedom of accepting that some stories simply end.
「Watching a Movie Called Freedom by Myself」は、Open Mike EagleとKenny Segalによるコラボ作『DOOMED!』のラストを飾る約6分の楽曲です。5年間の恋愛関係の崩壊を題材としたアルバムの中で、音楽／プロデュースをSegal、歌詞とパフォーマンスをEagleが担当しています。 柔らかな鍵盤、テープヒスのようなノイズ、気怠いドラム、徐々に腐食していくドローンが広い空間を作り、抽象ヒップホップを葬送曲のような静けさへ導きます。 歌詞では終わった恋愛を一本の映画になぞらえ、「エンドロール後の特別な場面」を期待する発想そのものを拒絶。言い争いや未練を何度も振り返った末に、もう二人には語ることが残っておらず、別れるしかないという疲弊と最終性を描きます。 タイトルの“Freedom”も単純な解放感ではなく、関係が終わったことで一人になった寂しさと、不完全な結末をそのまま受け入れる自由が重なる、苦いニュアンスを帯びています。
Queens of the Stone Age – Easy Street
“Easy Street” is Queens of the Stone Age’s first new studio song since 2023, featuring guest vocals from Nikki Lane. Produced by Josh Homme and Michael Shuman and written by all five QOTSA members, it deliberately trades the band’s usual muscular attack for loose acoustic guitar, handclaps and woozy psychedelic synths. Homme recorded it like a demo—without a click track and with timing fluctuations and mistakes left intact—giving the track an unusually relaxed, human feel. Its bitterly funny lyrics address heartbreak, drinking, anger and self-sabotage, while the ironic “Easy Street” becomes a place of mental confusion rather than comfort. Homme describes the song as embracing life’s unavoidable imperfections.
「Easy Street」は、Queens of the Stone Ageにとって2023年以来となる新曲で、Nikki Laneがゲスト・ヴォーカルで参加しています。プロデュースはJosh HommeとMichael Shuman、作詞・作曲には現メンバー5人全員がクレジット。アコースティック・ギター、ハンドクラップ、霞んだサイケデリック・シンセを中心に、従来の重厚なデザート／ハードロックとは異なる、気怠くゆるいサウンドを展開します。クリックを使わず、テンポの揺れや演奏ミスまで残して「デモのように」録音したことが特徴で、意図的な不完全さが独特の人間味を生んでいます。 歌詞は失恋、酒、怒り、自己破壊をブラックユーモア混じりに描き、“Easy Street”という題名とは裏腹に、自分自身が作り出した迷路から抜け出せない精神状態を表現。Homme自身も「人生は間違いの中にある」と説明しており、不完全な人生をそのまま受け入れることが曲の核になっています。
Ryan Beatty – White Lightning
“White Lightning,” from Ryan Beatty’s fourth album Sweet Fortune, is a tender, slow-burning pop/R&B song produced by Beatty and longtime collaborator Ethan Gruska, with Beatty handling the songwriting. Its warm, sauntering groove and understated arrangement contrast with the lush Americana surrounding much of the album, while Clairo contributes backing vocals. Lyrically, Beatty explores new love complicated by fear, emotional self-protection and lingering religious shame from his Mormon upbringing. Rather than returning to the heartbreak of Calico, he writes from inside a loving relationship, admitting how instinctively he pulls away even as he desperately hopes the other person stays.
「White Lightning」は、Ryan Beattyの4作目『Sweet Fortune』に収録された、温かくゆったりとしたポップ／R&Bナンバーです。作詞はBeatty、プロデュースはBeattyと前作『Calico』でも組んだEthan Gruskaが担当。控えめに揺れるグルーヴと柔らかな鍵盤やギターを中心とした音像で、アルバム全体にあるアメリカーナ志向の中でも特にR&B色が濃く、Clairoもバックヴォーカルで参加しています。 歌詞では、新しい恋に幸福を感じながらも、親密になることへの恐怖から無意識に距離を取ってしまう心理を描写。特に自身のモルモン教徒としての過去に由来する「宗教的な恥」が今も警戒心を生むことを率直に認めています。失恋を歌った『Calico』とは対照的に、「愛されているのに、それを受け入れることが怖い」という新たな葛藤を描いた一曲です。
Sonsi – OYJ
“OYJ,” Sonsi’s official debut single, was first performed during the RAPSTAR 2025 finals and released on February 18, 2026. Produced and composed by Koshy, with lyrics by Sonsi, it rides one of Koshy’s characteristically “junkie” hip-hop beats while Sonsi delivers loose, funny and highly conversational flows. “OYJ” means oyaji—his father—and the lyrics turn an unstable family history into dark comedy: school refusal, violence at home, a house fire, strange LINE messages and his father’s involvement with questionable business schemes all appear. Yet underneath the jokes is genuine affection; Sonsi repeatedly admits that he somehow loves the father he also resents, making family trauma part of his musical identity.
「OYJ」は、『RAPSTAR 2025』ファイナルでも披露されたSonsiの正式デビュー・シングルです。2026年2月18日リリース。作詞はSonsi、作曲／プロデュースは千葉雄喜やWatsonも手掛けるKoshyが担当し、Koshyらしいジャンキーでミニマルなヒップホップ・ビートの上で、Sonsiが脱力したユーモアとキャッチーなフロウを展開します。 タイトルの「OYJ」は“親父”のことで、歌詞では不登校だった中学時代、父親との衝突、突然の引っ越しと火事、LINEで送られてくる怪しいマルチ商法の話、外構屋として働いた経験など、かなり過酷で奇妙な家族史をあっけらかんとラップしています。 しかし核心にあるのは単純な父親批判ではなく、「嫌いなのに好き」という矛盾した感情。父親から受けた痛みや罵声さえ音楽へ変換し、家族のトラウマを自分自身のキャラクターと表現へ昇華するところに、Sonsiの最大の個性があります。
SUNMI – Forever July
“Forever July” is SUNMI’s 2026 summer single, co-written, composed and arranged by SUNMI, JUKJAE, EASTBEAM and Leedohee, with SUNMI also credited as a co-producer. Built around a UK garage rhythm, warm guitar lines, atmospheric synths and understated electronic textures, it avoids the bright tropical-pop clichés of a typical K-pop summer song in favor of something humid, wistful and slightly unsettled. The lyrics compare sudden love to Korea’s monsoon season: it arrives unexpectedly, disrupting an otherwise clear summer and bringing excitement and unease together. That mixture of longing, vulnerability and instability gives “Forever July” its distinctly bittersweet romantic atmosphere.
「Forever July」は、SUNMIが2026年7月に発表したサマー・シングルです。作詞・作曲・編曲にはSUNMI、JUKJAE、EASTBEAM、Leedoheeがクレジットされ、SUNMI自身も共同プロデュースに参加しています。 サウンドはUKガラージの跳ねるリズムを軸に、温かなギター、霞んだシンセ、繊細な電子音を重ねたもの。一般的なK-POPの爽快な夏曲とは異なり、真夏の湿気や雨の気配を感じさせる、メランコリックで少し不安定な空気が特徴です。 歌詞では、突然始まる恋を韓国の梅雨にたとえ、晴れていた日常へ予告なく入り込んでくる相手へのときめきと戸惑いを描写。恋の高揚感だけでなく、いつ終わるかわからない不安や切なさまで同時に捉えた、SUNMIらしい陰影のあるラブソングです。
Syd feat. James Fauntleroy – Any Time
“Any Time,” from Syd’s third solo album Beard, is a slow, intimate R&B duet with James Fauntleroy. Syd and Raphael Saadiq produced the track, while Syd, Fauntleroy, Saadiq and Nicholas Bennett share writing credits. Warm piano and keyboards, airy synths and widely spaced drums give it a spacious blend of contemporary R&B, soft rock and lightly psychedelic soul. Syd and Fauntleroy portray attraction as a cycle they knowingly keep repeating: attempts to pull away repeatedly collapse into desire, familiarity and physical intimacy. Rather than idealizing romance, the song embraces a relationship’s contradictions—frustration, vulnerability and pleasure coexisting with the knowledge that they may be making the same choices again.
「Any Time」は、Sydの3作目『Beard』に収録されたJames Fauntleroyとのデュエットです。プロデュースはSydとRaphael Saadiq、作詞・作曲にはSyd、Fauntleroy、Saadiq、Nicholas Bennettがクレジット。温かなピアノ／キーボード、霞んだシンセ、間を大きく取ったドラムを軸に、コンテンポラリーR&Bへソフトロックやネオ・サイケデリック・ソウルの質感を溶け込ませた、ゆったりと親密なサウンドです。 歌詞では、相手から離れようとしても結局また戻ってしまう恋愛の循環を、SydとFauntleroyが異なる視点から描写。自分たちのパターンを理解しているのに、欲望や心地よさには抗えないという、大人の恋愛の矛盾が中心です。幸福一辺倒ではなく、苛立ちや警戒心、肉体的な親密さまで同居する関係を受け入れるところに、この曲の成熟したロマンティシズムがあります。
The Linda Lindas & Hayley Williams – Closer
“Closer” is The Linda Lindas’ full-on emo turn, featuring Hayley Williams and previewing their third album Gotta Get Out. Produced and mixed by Carlos de la Garza, the track is officially credited to all four Linda Lindas as songwriters, while Williams joined them in the studio and helped shape the bridge. Originally a bilingual demo by Bela Salazar and Lucia de la Garza, it grew into a maximalist wall of heavy guitars, layered vocals and dramatic, mid-tempo dynamics reminiscent of early Paramore. The lyrics confront time moving too quickly and the uncanny sensation of watching yourself grow older, ultimately arguing for remaining present even when life feels impossible to slow down.
「Closer」は、The Linda LindasがHayley Williamsを迎え、これまで以上にエモへ踏み込んだ新曲です。プロデュース／ミックスはCarlos de la Garza。正式な作詞・作曲クレジットにはバンド4人が名を連ねていますが、Williamsも実際にスタジオへ入り、ブリッジの制作に参加しました。 もともとはBela SalazarとLucia de la Garzaが制作していたバイリンガルのデモで、そこから重いギター、幾重にも重なるヴォーカル、起伏の大きなミドルテンポの展開を備えたマキシマリストなオルタナティブ／エモへ発展。Williamsの力強い歌声も加わり、初期Paramoreを思わせる切迫感があります。 歌詞の中心にあるのは、時間をコントロールできず、遠くから自分が成長していく姿を眺めているような感覚。忙しく変化し続ける人生の中で、老いや成長への不安を抱えながらも「今」に留まろうとする、若さゆえの焦燥を描いた一曲です。
xaviersobased, Skrillex & Dylan Brady – Party At My Place
“Party At My Place” is a chaotic meeting point between xaviersobased’s internet-rap aesthetic and the maximal electronic instincts of Skrillex and 100 gecs’ Dylan Brady. The released credits list Skrillex and Brady as producers, with all three credited as writers; Brady says they built the track together in one night at Skrillex’s studio. Explosive synths, huge low end, abrupt switches and heavily chopped, “buffering” vocals turn jerk/plugg-derived rap into distorted dance music without cleaning up Xavier’s underground weirdness. Lyrically, the repetitive party hook surrounds playful boasts about status, confrontation and moving at his own pace, capturing carefree confidence and deliberately unserious excess.
「Party At My Place」は、xaviersobasedのネット発アンダーグラウンド・ラップと、Skrillex／100 gecsのDylan Bradyによる過剰な電子音響が交差した一曲です。正式クレジットではSkrillexとBradyがプロデューサー、3人が作曲者として記載され、BradyによればSkrillexのスタジオで一晩のうちに制作。まず二人がビートの骨格を作り、Xavierの録音後にヴォーカルを切り刻みながら完成させました。 巨大な低音、爆発的なシンセ、急激な展開、通信が途切れるように加工された声によって、jerk／plugg系ラップをクラブ向けのデジタルなダンス・ラップへ拡張しています。 歌詞は「俺の家でパーティー」という反復を軸に、Sasukeへの言及、車、対立相手への強がり、自分のペースで生きる姿勢などを並べた奔放なフレックス。深い物語よりも、若さ、勢い、遊び半分の自信そのものをサウンド化した楽曲です。
YAO feat. Awich, CHICO CARLITO, ONE OK ROCK & Paledusk – 777
“777” is the debut single from YAO, a cross-genre project uniting Awich, CHICO CARLITO, ONE OK ROCK and Paledusk. Produced by Paledusk guitarist DAIDAI, it credits Awich, DAIDAI and Taka as composers, with lyrics by Awich, CHICO CARLITO and KAITO. The track aggressively merges hip-hop, arena rock and metalcore: CHICO’s rapid-fire flow and Awich’s commanding rap collide with Taka’s soaring hooks, KAITO’s screams and massive distorted riffs. Using jackpots, odds and gambling as metaphors, the lyrics celebrate risking failure, refusing complacency and continuing to pursue something bigger even when success is never guaranteed.
「777」は、Awich、CHICO CARLITO、ONE OK ROCK、Paleduskという異なるシーンの4組が結成したプロジェクトYAOのデビュー曲です。プロデュースはPaleduskのギタリストDAIDAI。作曲はAwich、DAIDAI、Taka、作詞はAwich、CHICO CARLITO、KAITOが担当しています。 ラウドなギターと強烈なビートを軸に、CHICOの畳み掛けるラップ、Awichの堂々としたフロウ、Takaの巨大なロック・コーラス、KAITOのメタルコア的シャウトを次々と衝突させる、ヒップホップ×オルタナティブ／ラウドロックのクロスオーバーです。 歌詞では「777」「jackpot」「odds」といったギャンブルの比喩を用い、成功が保証されていなくても勝負し続ける姿勢を表現。勝敗を重ねながらも現状に安住せず、もっと大きなものへ賭け続ける野心と連帯を描いています。YAOという異ジャンル共存の理念そのものを、攻撃的なアンセムへ変換した一曲です。