daine – PQC
Released in June 2026, “PQC” introduces the emotional and sonic world of daine’s forthcoming debut album. Co-written and co-produced with Art Doherty, Curtis Everett Pawley, and Darcy Baylis, the track shifts daine’s hyperpop roots toward a more organic, emotionally exposed strain of indie pop. Sparkling, galloping instrumentation, distorted guitar-like textures, and forceful electronic percussion recall Florence + the Machine, Grimes, and Charli xcx while retaining daine’s diaristic intimacy. Beneath its euphoric, instantly catchy chorus, “PQC” explores oversensitivity, failure, damaged boundaries, and the courage required to remain open to love even after being hurt or misunderstood.
2026年6月に発表された「PQC」は、daineのデビュー・アルバムへ向けた出発点となるシングルです。Art Doherty、Curtis Everett Pawley、Darcy Baylisと共同で作詞・プロデュースされ、これまでのハイパーポップ的なデジタル加工をやや抑え、より生々しく開放的なインディーポップへと接近しています。駆け抜けるような煌びやかなリズム、変調されたギター風の響き、力強い電子ビートにはFlorence + the Machine、Grimes、Charli xcxなどの影響も感じられます。明るく高揚感のあるサウンドとは対照的に、歌詞では傷つくことや失敗、他者から誤解されることを受け入れながら、それでも感情を閉ざさず愛そうとする姿勢を描写。「繊細すぎること」を弱さではなく、世界に自分をさらけ出すための勇気として肯定する曲です。
Ella Mai – Might Just
“Might Just,” from Ella Mai’s 2026 album Do You Still Love Me?, is a sleek, simmering R&B track produced by longtime collaborator Mustard and written by Mai, Mustard, Prince Charlez, and Varren Wade. Mustard strips his production back to tense keys, restrained percussion, snaps, and atmospheric textures, giving Mai’s voice room to shift from controlled disbelief to near-menacing anger. The song turns a dream about her partner cheating into an increasingly vivid retaliation fantasy: the betrayal never actually happened, yet it feels real enough for jealousy, humiliation, and possessiveness to erupt. Mai plays the absurd premise completely straight, making “Might Just” one of the album’s darkest and most dramatically performed moments.
2026年のアルバム『Do You Still Love Me?』収録の「Might Just」は、長年の盟友Mustardがプロデュースし、Ella Mai、Mustard、Prince Charlez、Varren Wadeが作詞したR&Bナンバーです。 控えめなキー、スナップ、軽いパーカッションと不穏な空間処理を中心にしたMustardのミニマルなビートが、Maiの感情的な歌唱を前面に押し出します。 歌詞の発端は「恋人が浮気する夢を見る」という少し滑稽なものですが、彼女はそれを現実の裏切りのように受け止め、嫉妬、屈辱、怒りを徐々に爆発させていきます。家を焼き払うほどの報復まで想像する極端さを真顔で演じ切ることで、幸福な恋愛を中心にしたアルバムに潜む不安や執着を露出させた、特にドラマティックな一曲です。
Interpol – This Mirror Weighs a Ton
Released in June 2026 as the title track from Interpol’s upcoming eighth album, “This Mirror Weighs a Ton” is produced by Andrew Wyatt and mixed by Dave Fridmann, with songwriting credited to Paul Banks, Daniel Kessler, Sam Fogarino, and bassist Brad Truax. The song stretches Interpol’s post-punk language into something more atmospheric and experimental: warped bass, huge processed crashes, pedal steel, keyboards, and Juliet Seger-Banks’ wordless backing vocals create a strange, tidal sense of space. Lyrically, Banks uses the heavy mirror as an image for difficult self-reflection, confronting isolation, inner instability, and the persistence of the “maniac” inside one’s mind.
「This Mirror Weighs a Ton」は、2026年6月に発表されたInterpolの新作アルバムのタイトル曲です。Andrew Wyattがプロデュース、Dave Fridmannがミックスを担当し、作曲はPaul Banks、Daniel Kessler、Sam Fogarino、Brad Truaxの4人。 従来の硬質なポストパンクを基盤にしながら、歪んだベース、巨大なクラッシュ音、ペダルスティール、鍵盤、Juliet Seger-Banksの無言のコーラスを重ね、潮の満ち引きのように膨張する実験的でドリーミーな音像へ広げています。 「重すぎる鏡」という言葉は自己を直視することの負担を象徴し、孤独や内面の混乱、それでも消えずに残る衝動を描写。Interpolらしい陰鬱さを保ちながら、より抽象的で開放的な方向へ進んだ一曲です。
Ichiko Aoba – SAYONARA PENGUIN
Released on July 3, 2026, “SAYONARA PENGUIN” turns Ichiko Aoba’s long-performed live favorite into an intimate studio recording. Aoba wrote and composed the song, while Toshihiko Kasai handled recording, mixing, and mastering. Musically, it is warm, delicate chamber-folk built around Aoba’s feather-light voice and acoustic sensibility, with Aoba herself performing the playful “penguin” chorus. Inspired by her imaginary friend Penguin, the lyrics frame farewell not simply as loss but as movement: two companions are scattered by the wind, carrying affection into separate futures. Its childlike imagery gives separation an unusually gentle, hopeful emotional weight.
2026年7月3日リリースの「SAYONARA PENGUIN」は、以前から国内外のライブで披露されてきた人気曲を正式に音源化した作品です。作詞・作曲は青葉市子自身、録音・ミックス・マスタリングは葛西敏彦が担当しています。 アコースティックを基調とした温かく繊細なフォーク／チェンバー・ポップで、青葉自身が担当する愛らしい「ペンギン」のコーラスも印象的です。 モチーフは彼女の想像上の友達「ペンギン」。風に運ばれる綿毛のように、それぞれ別の場所へ向かう二者を描き、「さよなら」を喪失だけでなく、新しい世界へ進むための優しい旅立ちとして捉えています。水明かり、新芽、朝といった素朴で童話的なイメージの中に、別れの寂しさと相手の未来を願う愛情が共存する一曲です。
Jain – Kill It With The Beat
Released on July 1, 2026, “Kill It With The Beat” opens a self-described “new era” for Jain. Written by Jain (Jeanne Galice) and Igor Ramonatxo, who also co-produced the track, it is a punchy electro-pop/dance song driven by a muscular beat, repetitive vocal hooks, and chant-like rhythmic phrases. Its deliberately physical production makes dancing itself the song’s subject. Lyrically, Jain presents a newly empowered persona, invoking Athena, Shakira and Akira while reclaiming her “tiara.” Images of sweating, trance and breaking through walls turn the dance floor into a space for confidence, liberation and refusing attempts to restrain her.
2026年7月1日リリースの「Kill It With The Beat」は、Jain自身が「new era」と表現する新章を告げるシングルです。JainことJeanne GaliceとIgor Ramonatxoが作曲し、2人でプロデュース。 強烈なビート、反復するヴォーカル・フック、掛け声のようなフレーズを軸にしたエレクトロポップ／ダンス・トラックで、身体を直接動かすようなリズムの推進力が中心にあります。歌詞ではAthena、Shakira、『AKIRA』などを引用しながら、自らの「tiara」を取り戻す強気な人格を提示。トランス状態になるほど踊り、壁やルールを壊していくイメージを通して、音楽とダンスを自己解放や自信回復の手段として描いています。
JYOCHO – We Know Everything from the Beginning
Originally released in November 2025 and later included on JYOCHO’s 2026 album Unforgettable Memories, “We Know Everything from the Beginning” was written, composed, and arranged by guitarist Daijiro Nakagawa; no separate record-producer credit is listed in the official materials. The song expands JYOCHO’s progressive/math-rock language into something unusually grand, beginning with melancholy piano before intricate guitar, flute, muscular drums, and bass gradually intertwine. Lyrically, it addresses information overload and the way constant scrolling can flatten independent thought. Nakagawa describes it as a song about returning to one’s own capacity to “feel” when overwhelmed by information.
2025年11月にシングルとして発表され、2026年のアルバム『忘れたくないこと』にも収録された「はじめからすべて知っている」。作詞・作曲・編曲はギターの中川大二郎で、公式資料では独立した音楽プロデューサーは表記されていません。 物憂げなピアノから始まり、繊細で複雑なギター、フルート、骨太でテクニカルなドラムとベースが絡み合い、JYOCHOらしいマスロック／プログレッシブ・ロックを壮大なスケールへ展開します。 歌詞では、ニュースやSNSをスクロールし続けることで「正しさ」や思考そのものまでコピーされていく現代の情報環境を描写。膨大な情報に飲み込まれる前に、自分自身の「感じる力」へ戻ることを訴えています。映画『WITH』の「共生」というテーマとも響き合う一曲です。
La Roux – Babyline
Released on June 26, 2026, “Babyline” is the second single from La Roux’s forthcoming fourth album Old Flames. Written and produced by La Roux herself, it pairs her signature synth-pop with a warmer, mid-tempo strain of futuristic R&B, drawing explicitly on All Saints and Mariah Carey. Layered keyboards, bright synth figures, tropical-tinged percussion, and a gradually intensifying beat give the song a summery but slightly wistful glow. Lyrically, Elly Jackson describes emerging from a difficult period and finding the way back to herself: “Babyline” represents redemption, release, renewal, and the courage to begin again, arriving at a state she describes as “happier, lighter, braver.”
2026年6月26日リリースの「Babyline」は、La Rouxの4作目『Old Flames』からの第2弾シングルです。作詞・作曲・プロデュースはElly Jackson自身。彼女らしいシンセポップを軸に、未来的なR&Bの滑らかさを加え、All SaintsやMariah Careyを明確な参照点としています。明るいシンセ、層を重ねるキーボード、トロピカルな響きを持つパーカッション、徐々に力を増すミッドテンポのビートが、夏らしい開放感とほのかな哀愁を両立させます。歌詞は、長い混乱や苦しい時期を抜けて「自分自身へ戻る」過程を描いたもの。Jackson自身が「森から抜け出して自分へ戻る曲」と説明しており、過去を手放し、再出発する勇気や解放、再生を歌っています。『Cabin Fever』で始まった物語の先にある「より幸せで、軽やかで、勇敢な」自分を提示する一曲です。
Navy Blue – Commencement
Opening Navy Blue’s 2026 album Sir Render, “Commencement” is produced by Jason Wool, with Sage Elsesser credited for composition and lyrics. Its abstract hip-hop production fits the album’s spacious, luminous palette: understated drums, resonant piano, soft melodic loops, and hazy soul textures leave ample room for Navy Blue’s measured, introspective flow. The lyrics examine abandonment, self-perception, shadows, fear, and the difficult process of finding peace, making the title “Commencement” suggest a psychological beginning rather than simple graduation. As the entrance to Sir Render, it establishes an album concerned with confronting one’s darker self and learning to accept personal contradictions.
「Commencement」は、2026年6月5日に発表されたNavy Blueのアルバム『Sir Render』のオープニング曲です。プロデュースはJason Wool、作詞・作曲はNavy BlueことSage Elsesserが担当しています。 控えめなドラム、余韻の長いピアノ、霞んだソウル的ループを中心とした、ゆったりと空間を取るアブストラクト・ヒップホップで、Navy Blueの内省的なラップを静かに浮かび上がらせます。 歌詞では、見捨てられた感覚や自分自身の影、恐れ、そこから平穏を見つけようとする心理を辿ります。「Commencement＝始まり」という題名通り、自分の暗い側面を否定せず受け入れることで変化を始める瞬間を描き、『Sir Render』全体の「弱さと強さ、光と影の共存」というテーマへの入口になっています。
Olivia Rodrigo – maggots for brains
Released on June 12, 2026 as part of Olivia Rodrigo’s third album you seem pretty sad for a girl so in love, “maggots for brains” was written by Rodrigo, Daniel Nigro, and Amy Allen, with Nigro producing. Sonically, it marks one of Rodrigo’s clearest moves into ’80s post-punk/new wave, pairing a springy Factory Records-style bassline with breezy acoustic guitars and live drums, recalling Joy Division, Section 25, and poppier moments of The Cure. The lyrics depict separation as grotesque physical decay: without her partner, she feels bored, rotten, colorless, and mentally consumed. Rodrigo has said the longing was partly inspired by Miranda and Steve’s relationship in Sex and the City.
2026年6月12日発売の3作目『you seem pretty sad for a girl so in love』収録曲。Olivia Rodrigo、Daniel Nigro、Amy Allenが作詞・作曲し、Nigroがプロデュースしています。 サウンドはこれまで以上に80年代ポストパンク／ニューウェーブへ接近し、Factory Recordsを思わせる跳ねるベース、軽やかなアコースティック・ギター、生ドラムが絡む構成。Joy DivisionやSection 25、The Cureのポップな側面を想起させます。 歌詞では、恋人が不在になるだけで日常が退屈になり、自分を「ゾンビ」「腐っている」「脳に蛆が湧いた」ように感じるほど依存的な恋心を、ボディホラー的な比喩とユーモアで描写します。Rodrigo自身によれば、『Sex and the City』のMirandaとSteveの関係も着想源。恋愛によって思考まで侵食されていく感覚を、陰鬱なのに弾む音像へ変えた一曲です。
Ravyn Lenae – Saturday Night
Released June 26, 2026 and later included on Ravyn Lenae’s third album Blue Island, “Saturday Night” was produced by Dahi, Alissia, and Ely Rise, with songwriting credits also including Eric Leva, Daniel McKinnon, and Tayla Parx. Musically, it is sleek electro-funk/pop built from programmed drums, bright synths, and an ’80s electronic sensibility, with Lenae citing experimental pioneer Martin Rev among the album’s influences. The lyrics follow her encountering an on-and-off fling at a party, fighting renewed attraction while ultimately choosing to leave alone. Its cool confidence masks lingering desire, turning a messy situationship into a stylish self-preservation anthem.
2026年6月26日に発表され、3作目『Blue Island』に収録された「Saturday Night」。Dahi、Alissia、Ely Riseがプロデュースし、Ravyn Lenaeに加えてEric Leva、Daniel McKinnon、Tayla Parxらがソングライティングに参加しています。 プログラムされたドラム、鮮やかなシンセ、跳ねるベース感覚を軸にした80年代風エレクトロファンク／ポップで、Martin Rev的な実験的電子音楽の感触も取り込んだ軽快な一曲です。 歌詞では、パーティーで過去の曖昧な関係の相手と再会し、まだ惹かれている自分を認めながらも、同じ関係へ戻ることを拒んで一人で帰ろうとする姿を描写。華やかな夜遊びの高揚と翌朝の虚しさを重ねながら、欲望より自己防衛を選ぶ複雑な決意を歌っています。
Rocket Rese feat. Sematary – BLACK ON BLACK
Released on June 19, 2026, “BLACK ON BLACK” brings Rocket Rese together with Sematary for a particularly abrasive collision of rap and hard dance. Sematary is credited as producer, while songwriting is credited to Rocket Rese and Grave Man. The track combines experimental hip-hop with hardstyle/techno, using hammering four-on-the-floor kicks, distorted low end, repetitive rave momentum, and heavily processed vocals. Lyrically, it is deliberately blunt and image-driven: black clothes, jewelry, weapons, drugs, and rave culture become symbols of an exaggerated nocturnal persona. The obsessive repetition of “black on black” turns the phrase itself into a percussive hook.
2026年6月19日リリースの「BLACK ON BLACK」は、Rocket ReseとHaunted MoundのSemataryによるコラボレーションです。Semataryがプロデュースを担当し、作詞・作曲はRocket ReseとGrave Man名義でクレジットされています。 サウンドは実験的ヒップホップとハードスタイル／テクノを強引に接続したもので、巨大な四つ打ちキック、歪んだ低音、レイヴ的な反復、荒く加工されたラップが2分間ほぼ休みなく突進します。 歌詞は黒いTシャツやジーンズ、ジュエリー、武器、ドラッグ、レイヴなどを並べ、夜の退廃性と攻撃的な自己演出を極端に増幅。「black on black」という言葉を執拗に連呼することで、意味そのものよりも声をリズム／音響として機能させています。
The Garden – Eve Of Nothing
Released on June 16, 2026 and later included on The Garden’s sixth album Bootleg, “Eve Of Nothing” was written, produced, and recorded by twin brothers Fletcher and Wyatt Shears, with Samur Khouja handling mixing and mastering. Musically, it is restless post-punk built around a grimy, Motörhead-like bass riff, sharp guitar interruptions, raw drums, and the duo’s characteristically unstable shifts in texture. The lyrics are unusually introspective, with the narrator recognizing that his anxiety and self-sabotage are partly self-created. Rather than surrendering to that dread, he imagines breaking through it and finally becoming “full in bloom,” making the song a compact statement about confronting destructive patterns and choosing renewal.
2026年6月16日にシングルとして発表され、7月の6作目『Bootleg』に収録された「Eve Of Nothing」。FletcherとWyatt Shearsの双子兄弟が作詞・作曲、プロデュース、録音をすべて担当し、Samur Khoujaがミックス／マスタリングを手掛けています。 サウンドはポストパンクを軸に、Motörheadを思わせる荒く歪んだベース、鋭く割り込むギター、乾いたドラムを組み合わせた不穏でせわしないもの。 歌詞では、長く抱えてきた問題や不安を「自分自身が作り出したもの」と認識し、自滅的な思考から抜け出そうとします。「何もない状態の前夜」という終末的なタイトルとは対照的に、最後には“full in bloom”＝完全に花開く自分を望み、自己破壊を乗り越えて再生しようとする意志を描いた、The Gardenとしてはかなり内省的な一曲です。
The Strokes – Going Shopping
First released in April 2026 and later included on The Strokes’ seventh album Reality Awaits, “Going Shopping” reunites the band with producer Rick Rubin. The track settles into a breezy, mid-tempo indie-rock/new-wave groove, built from clean interlocking guitars, light percussion, and one conspicuous disruption: Julian Casablancas’ heavily Auto-Tuned, almost synthetic vocal. Beneath its deliberately casual surface, the lyrics satirize consumerism and contemporary alienation. Casablancas moves between malls, fantasies of escaping to the country, aging, political power, and “cool stuff” that makes solidarity difficult, ultimately finding himself drawn back toward shopping. The absurdity captures the contradiction of recognizing capitalism’s emptiness while remaining seduced by its comforts.
2026年4月に先行シングルとして発表され、7作目『Reality Awaits』に収録された「Going Shopping」は、前作に続きRick Rubinがプロデュース。 軽快なミッドテンポのインディーロック／ニューウェーブを軸に、絡み合うクリーンなギターと簡潔なリズム、そしてJulian Casablancasの極端にAuto-Tune加工された人工的な歌声が奇妙なコントラストを作ります。 歌詞では、悪化する現実から目を逸らし、都会や消費社会から逃げようとしながら、結局はモールや買い物へ戻ってしまう人物を描写。加齢や政治、連帯の難しさまで断片的に混ぜ込み、資本主義の空虚さを理解しながら、その快楽から離れられない現代人の矛盾を、乾いたユーモアとシュールなイメージで風刺した一曲です。
This Is Lorelei – Billy Came Back
Released on June 23, 2026 as the lead single from The Singer in My Band, “Billy Came Back” was written, produced, engineered, and mixed by This Is Lorelei’s Nate Amos, with Sarah Amos contributing vocals and Howie Weinberg mastering. Musically, it is a warm, chugging indie-folk/rock singalong, built around acoustic-minded guitar melodies and a simple, immediately communal chorus, reflecting the album’s broader engagement with American songwriting traditions. The lyrics portray Billy, a charismatic karaoke regular who disappeared from Amos’ life in 2022, celebrating both his return and the emotional power that transforms merely singing along to a backing track into something genuinely meaningful.
2026年6月23日に『The Singer in My Band』からの先行曲として発表された「Billy Came Back」。作詞・作曲、プロデュース、録音、ミックスはThis Is LoreleiことNate Amos自身が担当し、Sarah Amosがヴォーカルで参加、マスタリングはHowie Weinbergが手掛けています。 サウンドはアコースティックなギターを軸にした温かなインディーフォーク／ロックで、軽快に進むリズムと皆で歌える素朴なコーラスが印象的。アルバム全体が志向するアメリカン・ソングライティングの伝統ともつながっています。 歌詞の主人公Billyは、地元のバーで歌うカラオケの名物人物。2022年に突然Amosの前から姿を消した彼への愛着と、その帰還の喜びを描きながら、単なる伴奏音源にも人間の愛情や声が加われば特別な音楽になり得る、という素朴で感動的なテーマを歌っています。
Westside Cowboy – Pin Up Boys
Released on July 1, 2026, “Pin Up Boys” is the second single from Westside Cowboy’s debut album It Goes On, produced, recorded, and mixed by Loren Humphrey, with songwriting credited to all four band members. The track is wiry, quiet-loud indie/alternative rock: restrained verses built around guitar and snappy percussion repeatedly erupt into noisy, soaring choruses. Originally written with acoustic guitar, a drum-machine pad, and screwdrivers used as drumsticks, it became heavier through live performance. Lyrically, it explores self-control, personal limits, and the discomfort of being reduced to someone else’s idealized “pin-up” image.
2026年7月1日リリースの「Pin Up Boys」は、Westside Cowboyのデビュー作『It Goes On』からの第2弾シングルです。プロデュース、録音、ミックスはGeeseやWunderhorseとの仕事でも知られるLoren Humphreyが担当し、作詞・作曲はメンバー4人の共同名義です。 アコースティックギター、ドラムマシンのサンプルパッド、ドラムスティック代わりのドライバーから生まれた曲で、ライブを重ねるうちによりヘヴィで攻撃的に変化。その感触を残し、抑制されたヴァースからギターとドラムが一気に膨張するコーラスへ突入する、荒々しいインディー／オルタナティヴ・ロックに仕上げています。 歌詞では「自制心を保つ難しさ」を軸に、自分の限界を理解することや、他人から理想化された“pin-up boy”として見られることへの違和感を描写。サウンドが次第に攻撃性を増す構造自体が、抑えきれない感情と呼応しています。