40
Wolf Alice
The Clearing
39
cupcakKe
The BakKery
38
Mei Semones
Animaru
37
Tyler, The Creator
DON’T TAP THE GLASS
36
Saba & No I.D.
From the Private Collection of Saba and No I.D.
35
Black Country, New Road
Forever Howlong
34
Panda Bear
Sinister Grift
33
Sabrina Carpenter
Man’s Best Friend
32
Annahstasia
Tether
31
Miley Cyrus
Something Beautiful
30
Perfume Genius
Glory
29
betcover!!
勇気
28
Wet Leg
moisturizer
27
Lorde
Virgin
26
MIKE
Showbiz!
25
Ichiko Aoba
Luminescent Creatures
24
caroline
caroline 2
23
Water From Your Eyes
It’s A Beautiful Place
22
Nick León
A Tropical Entropy
21
Blood Orange
Essex Honey
20
Model/Actriz
Pirouette
19
Oneohtrix Point Never
Tranquilizer
18
Clipse
Let God Sort Em Out
17
Jane Remover
Revengeseekerz
16
Erika de Casier
Lifetime
15
billy woods
GOLLIWOG
14
Wednesday
Bleeds
13
Earl Sweatshirt - Live Laugh Love
Live Laugh Love feels like Earl Sweatshirt learning how to breathe inside adulthood. Warm soul loops and string cascades glow, then glitch, cough, or drop out, as if domestic peace keeps getting interrupted by old static. His verses move by associative rhyme more than narrative, sliding from hoops talk and LinkedIn banalities to tarot, fatherhood, and a fear of failure with the same deadpan cadence. The jokes aren’t escape hatches; they’re pressure valves that stop sincerity from turning into sermons. Earl’s public persona stays hazy, even as his private ground grows real. A small record that still lands like bruises.
『Live Laugh Love』は、Earl Sweatshirtが「大人として呼吸する方法」を覚えていく過程そのものである。温かなソウル・ループや流れ落ちるストリングスは一瞬光るが、すぐグリッチや咳のようなノイズ、途切れで裂け、家庭の平穏に古い“雑音”が割り込んでくるのだ。物語を一直線に語るより、連想と韻で滑っていくラップは、バスケやLinkedIn的な雑談から、タロット、父性、失敗への恐れへ、同じ無表情の速度で跳躍する。ジョークは逃避の抜け道ではなく減圧弁であり、誠実さが説教へ転ぶのを防ぐのである。公的なEarl像は霞んだまま、私的な足場だけがリアルになっていく。小さな作品なのに、痣のように残る一枚である。
12
Turnstile - NEVER ENOUGH
Turnstile’s NEVER ENOUGH asks a simple, brutal question: how do you regain sensation in a world that keeps numbing you? The record answers not with closure, but with conversion. Hardcore velocity snaps the body awake (“SOLE,” “BIRDS”), then glitch, ticking time, and dial-tone static expose how waiting corrodes (“DULL,” “CEILING”). Light becomes both rescue and side effect (“LIGHT DESIGN,” “SEEIN’ STARS”), while “SUNSHOWER” turns panic into new-age drift. Turnstile stand as translators between pit, club, and prayer—building temporary nervous-system relief, even as time keeps happening.
Turnstileの『NEVER ENOUGH』が突きつける問いは、単純で残酷です——神経が疲弊し、鈍っていく世界で、どうやって感覚を取り戻すのか。この作品は「解決」ではなく「変換」で答える。ハードコアの速度で身体を叩き起こし（“SOLE”“BIRDS”）、次にグリッチやチクタク音、回線ノイズで“待つことが人を摩耗させる”現実を露呈する（“DULL”“CEILING”）。光は救いであると同時に副作用になり（“LIGHT DESIGN”“SEEIN’ STARS”）、“SUNSHOWER”はパニックをニューエイジ的な漂流へと溶かす。Turnstileはピット／クラブ／祈りを翻訳し、時間が進み続ける中で、束の間の“神経の回復”を設計する。
11
FKA twigs - EUSEXUA
On EUSEXUA, FKA twigs doesn’t merely go clubbing—she repurposes the club as an editing suite for the self. Four-on-the-floor ascents, chrome-trap hush, D&B squalls and choral washouts keep re-cutting her silhouette in real time: hard edges, then soft centers, then a blur. The lyrics refuse easy labels—love, healing, submission—treating intimacy as design and vulnerability as a chosen costume. Even the jarring detours feel intentional, testing how far pop can carry transcendence without lying. Twigs stands as auteur and body, both DJ and material. From “Eusexua” to “24hr Dog,” beats become boundaries; she steps inside them to unstick, to move again.
『EUSEXUA』でFKA twigsは、ただクラブに「寄った」のではない。クラブそのものを自己を再編集するための編集室へ変換しているのである。四つ打ちの上昇、クローム質感のトラップ的静寂、D&Bの突風、合唱が溶ける余韻——それらがリアルタイムで彼女の輪郭を切り替え、硬さから柔らかさへ、そして曖昧さへと像を更新する。歌詞は「愛」「癒し」「服従」といった安易なラベルを拒み、親密さを設計として、脆さを選び取られた衣装として扱うのだ。唐突な寄り道でさえ意図的であり、ポップがどこまで“超越”を運べるかを、嘘なしで試す。twigsは作者であり身体でもあり、DJであり素材でもある。「Eusexua」から「24hr Dog」まで、ビートは境界線となり、彼女はその内側に踏み込み、詰まりをほどいて再び動き出すのである。
10
PinkPantheress - Fancy That
PinkPantheress’s Fancy That feels less like a nostalgia trip than a manual for modern emotional processing. UK garage, rave stabs, and hyper-efficient samples act as coping mechanisms: desire spikes, doubt clicks in, and the song ends before catharsis arrives. Her whisper stays oddly calm at the center, turning drama into conditions—distance, secrecy, miscommunication, dopamine. Even when she names love like a role (“Romeo”) or draws boundaries (“Girl Like Me”), the rush keeps moving. The intermission’s “add drums” aside is the thesis: feelings are edited in real time, not resolved.
PinkPantheress『Fancy That』は、ノスタルジーの再現というより、現代の感情処理のマニュアルのように響く。UKガラージやレイヴの断片、過剰に効率化されたサンプルは“参照”ではなく、欲望が跳ね上がり、不安が差し込み、カタルシスに到達する前に曲が終わる——その一連を成立させる対処法として機能している。ささやく声は妙に冷静で、ドラマを内面ではなく「距離」「秘密」「誤解」「ドーパミン」といった条件へ変換する。“Romeo”のように恋を役名化しても、“Girl Like Me”で線を引いても、勢いは止まらない。幕間の「ドラム足そう」が示す通り、ここでの感情は解決されるのではなく、リアルタイムに編集されていく。
09
Sudan Archives - THE BPM
Sudan Archives’ THE BPM treats dance not as escapism but as method: repetition becomes a loop you live inside until ego, desire, power, and forgiveness start talking to each other. House propulsion, breakbeats, glitches, and “wrong” textures keep pleasure unstable, while her violin shifts from body-signature to battle cry to shadow. The lyrics move from command and flirtation to pain, myth, and digital doubt, then land on human error and grace. As a “Gadget Girl,” Archives doesn’t worship technology—she tests how far speed can carry a self before it must return to breath.
Sudan Archives『THE BPM』は、ダンスを現実逃避ではなく“方法”として扱います。反復は、そこに住み込むループとなり、自我・欲望・権力・赦しが互いに会話し始める。ハウスの推進力、ブレイクビーツ、グリッチ、そして“間違った”質感が快楽を安定させず、ヴァイオリンは身体の署名から鬨の声、影へと変容する。歌詞も命令とフラートから痛み、神話、デジタル不安へ移り、最後は人間の過ちと恩寵に着地。“Gadget Girl”として彼女はテクノロジーを崇拝せず、速度が自己をどこまで運べるかを試し、やがて呼吸へ戻す。
08
Addison Rae - Addison
On Addison, Addison Rae treats pop as a mirror, not a disguise. TikTok gloss, New York fantasies, money talk and high fashion stay deliberately shallow, but she refuses to apologize for that surface; it is part of her reality right now. Around it, trip-hoppy, Y2K-tinted production and water imagery slowly expose bruises: fame as a gun, parents divorcing, comparison fatigue. She never digs for grand theory, only for usable feelings. By the time “Headphones On” and “Life’s No Fun Through Clear Waters” arrive, the album has quietly become a handbook for surviving still young, visible, and unfinished online and offline.
『Addison』において、Addison Rae はポップを仮面ではなく鏡として扱っている。TikTok的なグロス、ニューヨークの幻想、マネートークやハイ・ファッションは意図的に浅いまま保たれるが、彼女はその表層を恥じない。それはまさに「今の自分の現実」の一部だからだ。その周囲で、トリップホップ由来のY2K風プロダクションと“水”のイメージが、名声という銃、両親の離婚、比較疲れといった打撲痕を少しずつ露わにしていく。彼女が掘り当てようとするのは大きな理屈ではなく、「使える感情」だけである。「Headphones On」と「Life’s No Fun Through Clear Waters」に至る頃には、このアルバムは、オンラインとオフラインを同時に生きる“若く、可視化され、未完成な”自分でいるための静かなサヴァイバル・ハンドブックへと変貌している。
07
Cameron Winter - Heavy Metal
Heavy Metal unfolds like a slow chemical reaction: motifs accumulate, then combust, then settle into a bruised promise. Cameron Winter starts with folk-piano sketches that sound light until his voice roughens them into myth—Stones, Nausicaä, Nina—names that work like talismans. Songs build by addition: horns, strings, jaw harp, stray noise, each layer slightly off, as if intoxication were an arrangement choice. By “Nina + Field of Cops” and “$0,” value, surveillance, and faith collide, ending in the manic mantra “God is real.” The closer doesn’t redeem; it simply walks beside you, keeping boundaries. Even at rest, the music keeps twitching.
『Heavy Metal』は、ゆっくり進む化学反応のように展開する。モチーフが増殖し、やがて燃え上がり、最後は痣の残る約束のように着地する。Cameron Winterはフォーク／ピアノのスケッチから始めるが、声がそれを一気に神話へ変質させる――Stones、Nausicaä、Nina。名前は護符のように機能する。曲は“足し算”で組み上がり、ホーン、ストリングス、口琴、ノイズが少しずつズレたまま重なる。まるで酩酊が編曲方針であるかのように。『Nina + Field of Cops』『$0』で価値・監視・信仰が衝突し、「God is real」のマントラへ雪崩れ込む。ラストは救済ではなく、境界線を保ったまま隣を歩くだけだ。静まっても音楽は微かに痙攣し続ける。
06
Amaarae - BLACK STAR
On BLACK STAR, Amaarae treats quotation as a weapon of authorship. She raids club and pop memory—baile funk pressure, Jersey-club snap, highlife sway, trance shimmer, even winked-at early-2000s hooks—not to cosplay nostalgia, but to seize its grammar and rewrite the rules of desire. Her elastic, high-pitched voice performs power as texture: sweet, icy, ungrabbable. Lyrics move from flirtatious commands to the comedown question (“Can I believe in love off the drugs?”), then widen into communal stakes on “FREE THE YOUTH.” The result is luxury with a crack in it: pleasure engineered into sovereignty.
『BLACK STAR』においてAmaaraeは「引用」を、懐古の飾りではなく自己決定の武器として扱う。バイレ・ファンクの圧、ジャージークラブの跳ね、ハイライフの揺れ、トランスのきらめき、00年代ポップの合図──それらを“なりきり”で再現するのではなく、その文法ごと奪って欲望のルールを書き換えるのである。伸縮する高音は、甘いのに冷たく、触れられない質感として権力を演じる。リリックも命令形の誘惑から「ドラッグ抜きで愛を信じられるのか」というコメダウンの問いへ、最後は「FREE THE YOUTH」で共同体へ開く。贅沢さにひび割れを残した主権のポップがここにある。
05
Dijon - Baby
On Baby, Dijon doesn’t “write about love” so much as generate its real-world aftermath—heat, dread, labor, recovery, and lingering reverb—through editing and sound design. Domestic joy becomes a pressure system: gospel lift-offs, horny funks, and glossy keys flare up, then collapse into scorched feedback, referee-whistle interludes, and rewind-to-the-bruise confessionals. The lyrics refuse grand theses, choosing tactile fragments and compulsive repetition that feel like home videos left to glitch. Positioned between alt-R&B intimacy and experimental collage, Dijon turns family into an instrument—and makes devotion audible as instability, not comfort.
『Baby』でDijonは「愛を歌う」のではなく、愛が生む現実——熱、恐れ、労働、回復、そして残響——を編集と音響そのもので発生させている。家庭の喜びは癒しではなく圧力系へ変わり、ゴスペル的な上昇や欲望のファンク、艶やかな鍵盤が一瞬燃え上がっては、焼け焦げたフィードバックや笛のような間奏、傷口へ巻き戻す告白に崩れ落ちる。歌詞は大仰な結論を拒み、触覚的な断片と強迫的反復で“生活の近さ”を刻む。オルタナR&Bの親密さと実験的コラージュの間で、Dijonは家族を楽器に変え、献身を「安らぎ」ではなく「不安定さ」として聴かせる。
04
ROSALÍA - LUX
On LUX, Rosalía frames her relationship with God as a dialogue that refuses to skip the ugly parts. Orchestras, choirs, flamenco cante and club pulses stage a devotional drama where lust, burnout, resentment and celebrity excess sit beside relics and saints. God appears as stalker, the dance floor doubles as nave, forgiveness becomes an act of self-authorship rather than piety. Singing in many languages, she treats each tongue as another lens on the same restless faith. Post-MOTOMAMI, she steps past the “pop innovator” tag into something stranger: a contemporary mystic who lets light and darkness pray together.
『LUX』においてROSALÍAは、神との関係を「きれいな光」だけでなく、欲望や倦み、怒りやセレブリティの過剰といった“醜さ”ごと差し出す対話として構成している。オーケストラと合唱、フラメンコのカンテやクラブのビートが、聖遺物と聖女のイメージと同列に並べられた闇を照らす、デヴォーショナルなドラマの舞台となっているのである。神はストーカーのようにも現れ、ダンスフロアは教会の身廊と二重化し、「赦し」は信心ではなく自己を語り直す行為として描かれる。多言語で歌うことによって、一つの不穏な信仰がいくつものレンズを通して屈折していく構造になっている。『MOTOMAMI』以後の彼女は、単なる“革新的ポップスター”の枠を越え、光と闇が同時に祈る場を編成する現代的なミスティックとして立ち現れているのである。
03
Oklou - choke enough
On choke enough, Oklou treats modern intimacy as breathwork under pressure: algorithms, surveillance, and “forces” that push us into performance until oxygen drops. Rather than offering catharsis, she proposes two fragile answers—co-regulation and distance design. “Take me by the hand” is less romance than rescue, a tactile sync when language fails; “harvest sky” finds peace by stepping back, watching from the balcony. Sonically, glassy trance, folk-tinged strings, and human artifacts (sirens, horns, sax) loop like anxious habits—beautiful, inescapable. Positioned between PC Music maximalism and diaristic ambient-pop, Oklou turns soft surfaces into survival strategies.
『choke enough』でOklouは、現代の親密さを「圧のかかった呼吸法」として扱う。アルゴリズムや監視、見えない“forces”が人をパフォーマンスへ追い込み、酸素が薄くなるまで身体が先に反応してしまう。彼女が提示する答えは、カタルシスではなく、かろうじて成立する二つの技法——共同調律と距離の設計である。「take me by the hand」は恋ではなく救命であり、言葉が折れたあとに触覚で同期する行為なのだ。「harvest sky」はバルコニーから眺めることで安らぎを得る。ガラス質のトランス、フォーク寄りの弦、サイレンやホーン、サックスといった人間の痕跡が、不安な習慣のように美しく回り続けるのである。PC Music的マキシマリズムと日記的アンビエント・ポップの間で、Oklouは“柔らかい表面”を生存戦略へ変えるのだ。
02
Bad Bunny - DeBÍ TiRAR MáS FOToS
Bad Bunny turns DeBÍ TiRAR MáS FOToS into a question: before the people who made “here” disappear, what did you manage to keep? He frames love-loss as an archive problem—stories, close friends, potholes, blackouts—small interfaces where absence becomes routine. The sound answers with lineage, not nostalgia: salsa’s long swell, plena’s street-chorus, jíbaro holiday ghosts, and perreo rebuilt from early-2000s DNA, all mixed with modern low-end clarity. Benito’s stance is neither tourist nor preacher; he’s a witness-compiler, staging community inside pop, urging one more photo—now.
Bad Bunnyは『DeBÍ TiRAR MáS FOToS』を、「“ここ”を作ってきた人たちがいなくなる前に、自分は何を残せたのか？」という問いに変えてしまう。失恋は感情の問題というより、アーカイブの問題として描かれる——ストーリー、Close Friends、道路の穴、停電。欠如が日常のUIとして反復される。サウンドはノスタルジーではなく系譜で答える。長尺サルサのうねり、plenaの合唱、jíbaro的ホリデーの亡霊、そして2000年代レゲトンDNAを再点火したperreo。それらを現代的な低域の輪郭で鳴らす。Benitoの立ち位置は観光客でも説教者でもない。ポップの内部に共同体を組み立てる“目撃者＝編集者”として、いま一枚、写真を撮れと促す。
01
Geese - Getting Killed
Geese’s Getting Killed turns the cruelty of a “pretty good life” into a jittery, body-first rush. The band builds grooves that almost let you dance—then yanks the floor away with time shifts, jagged riffs, and sudden bursts of panic (“There’s a bomb in my car!”). Cameron Winter’s lyrics treat comfort as a trap: love becomes worship, worship becomes hell, and even “paying taxes” feels like being nailed down. Yet the record isn’t a manifesto; it’s a nervous system on tape, laughing at disaster while refusing to look away. In 2025’s rock landscape, Geese sound like rare natural antagonists—funny, anxious, and fully alive.
Geese『Getting Killed』は、「そこそこ恵まれてるはずの生活」が人をすり潰す、その残酷さを“身体のグルーヴ”に変換したアルバムだ。踊れそうなリズムを組み上げては、拍子のズレやギザギザのリフ、突然のパニック（「車に爆弾がある！」）で床を引き抜く。Cameron Winterのリリックは、快適さを罠として描き、愛は崇拝に、崇拝は地獄へ、そして「税金を払う」ことすら磔刑のように響く。これは政治的スローガンではなく、崩れゆく世界を直視しながら笑う“神経系の記録”。2025年のロックで、Geeseは稀に見る自然発生的な反逆者だ。