20. Anotherloverholenyohead (1986)
“Anotherloverholenyohead,” written and produced by Prince, is the eleventh track on Parade and a 1986 single credited to Prince and the Revolution, tied to the film Under the Cherry Moon. Though billed as a band track, the studio version is essentially Prince solo with backing vocals from Susannah Melvoin, strings by Clare Fischer and, on the extended mix, horns by Eric Leeds and Atlanta Bliss.
Musically it’s piano-based minor-key funk-pop: a tight drum-machine pulse, guitar-synth stabs and baroque string flourishes that reflect Parade’s stylish, European art-pop aesthetic. The title compresses the line “you need another lover like you need a hole in your head”; lyrically he begs a partner not to leave for someone else, mixing bravado, desperation and playful word games.
Despite following hits like “Kiss” and “Mountains,” the single stalled at #63 on the US Hot 100 and #36 in the UK, making it more of a cult favorite than a smash. Yet among fans and critics, it’s a key Parade cut—showcasing Prince’s ability to twist heartbreak into something theatrical and rhythmically sharp. The track also marks the closing stretch of the Revolution era before he disbanded the group, capturing the dense, cinematic funk-pop he would soon abandon for the stripped-down minimalism of Sign o’ the Times.
「Anotherloverholenyohead」は、プリンス作詞・作曲・プロデュースによる楽曲で、『Parade』の11曲目として収録され、映画『Under the Cherry Moon』と結びついた1986年のシングルです（名義はPrince and the Revolution）。クレジット上はバンド曲ですが、スタジオ版の多くはプリンスのソロ録音で、バック・ヴォーカルにスザンナ・メルヴォワン、ストリングスにクレア・フィッシャーが参加し、エクステンデッド版ではエリック・リーズとアトランタ・ブリスのホーンも加わります。
サウンドはマイナー調のピアノを軸にしたファンク・ポップで、タイトなドラムマシンのビートにギター・シンセのスタブ、バロック風ストリングスが絡み、ヨーロッパ映画的な『Parade』の美学を体現しています。タイトルは「You need another lover like you need a hole in yo’ head（別の恋人なんて、頭に穴が開くくらい要らない）」というフレーズを圧縮したもので、歌詞では恋人を奪われまいと必死に引き留める男の虚勢と切実さ、そして言葉遊びが交錯します。
「Kiss」「Mountains」に続くシングルでありながら、全米チャート63位、UK36位と商業的には控えめでしたが、ファンの間ではParade期を象徴するキートラックと見なされています。劇的なアレンジと鋭いグルーヴで失恋をポップ・ファンクへと昇華し、やがて解散するRevolution期の集大成的サウンドを記録した楽曲として、後のミニマルな『Sign o’ the Times』への橋渡し役も担っています。
19. Diamonds and Pearls (1991)
“Diamonds and Pearls,” written and produced by Prince, is the 1991 title track credited to Prince and the New Power Generation, recorded at Paisley Park. Musically it’s a lush pop/R&B/soul ballad with an almost gospel lift: piano, guitars, big drums, and Clare Fischer-style harmonic richness, crowned by Rosie Gaines’ powerhouse co-lead vocal.
The lyric asks, “If I gave you diamonds and pearls, would you be a happy boy or a girl?”, reframing luxury as a question about what truly satisfies love, and subtly echoing a line from his earlier song “International Lover.” Compared to his raunchier work, it foregrounds commitment, tenderness and vulnerability—“love, not lust”—making it a natural wedding slow jam.
Chart-wise, the single hit #3 on the Billboard Hot 100 and #1 on the R&B chart, with Top 20 showings across Europe and solid placements in Australia and New Zealand. Critics at the time were divided between calling it schmaltzy and hailing it as a monumental ballad, but later reassessments often treat it as one of his definitive pop slow songs. In his career, it anchors the Diamonds and Pearls era, where the New Power Generation’s slick, hip-hop-aware grooves meet classic balladry, marking his early-’90s commercial resurgence and expanding his audience into adult contemporary spaces without losing his flair.
「Diamonds and Pearls」は、プリンス作詞・作曲・プロデュースによる1991年のタイトル曲で、Prince and the New Power Generation名義で発表され、ペイズリー・パークで録音されました。サウンドはポップ～R&B～ソウルを横断するゴージャスなバラードで、ピアノやギター、大きく鳴るドラムに加え、クレア・フィッシャー作品を想起させる豊かなハーモニーが広がり、ロージー・ゲインズの力強いコーラス／デュエット・ヴォーカルが楽曲を押し上げます。
歌詞の「ダイヤと真珠をあげたら、君は幸せになれる？」という問いは、物質的な贅沢ではなく、本当に人を満たすものは何かをテーマにしており、初期曲「International Lover」の一節を連想させるセルフ・リファレンスでもあります。他のシングルに見られる露骨なセクシュアリティよりも、「愛」と「献身」に焦点を当てた、ウェディング向きのスロウ・ジャムと言えます。
シングルは全米Hot 100で3位、R&Bチャートで1位を獲得し、ヨーロッパやオセアニアでも上位にチャートインしました。当時の評価は「甘すぎる」と分かれつつも、後年は代表的ポップ・バラードとして再評価され、Diamonds and Pearls期の象徴的楽曲となっています。ヒップホップ的なビート感を持つNPGサウンドとクラシカルなバラード感覚を橋渡しし、90年代前半の商業的復活を決定づけた一曲です。
18. The Most Beautiful Girl in the World (1994)
Released in 1994, “The Most Beautiful Girl in the World” is a romantic R&B/soul-pop ballad written by Prince and produced by him with Ricky Peterson, recorded at Paisley Park and later folded into The Gold Experience. It was his first major single after changing his name to the unpronounceable Love Symbol, so it doubled as both love song and artistic re-introduction.
Musically it’s a smooth, mid-tempo groove built from light guitar, keyboards and live drums, with Prince riding mostly in an airy falsetto before dropping to a more natural speaking tone in the bridge. Lyrically he serenades a woman—widely understood to be his future wife Mayte Garcia—as “the most beautiful girl in the world,” blurring sensuality and spiritual adoration into a devotional pop hymn.
The song became a worldwide hit, reaching #3 on the Billboard Hot 100, earning gold certification in the US, and—crucially—becoming his only UK #1 single under his own name (or symbol). It was also his last US Top 10 hit during his lifetime, proving he could still dominate radio in the ‘90s despite industry battles. In his career arc, it stands as the quintessential “romantic Prince” of the NPG era: less explicit, more overtly tender, and endlessly recycled at weddings, pageants and TV shows as shorthand for idealized love.
「The Most Beautiful Girl in the World」は、1994年にリリースされたR&B／ソウル・ポップ系バラードで、プリンスが作詞・作曲し、リッキー・ピーターソンと共にプロデュースを担当しました。録音はペイズリー・パークで行われ、その後『The Gold Experience』に収録されます。発音不可能なラヴ・シンボル名義へ改名した後の最初の大きなシングルでもあり、ラブソングであると同時に、新しいプリンス像の名刺代わりのような位置付けでした。
サウンドは軽やかなギターとキーボード、生ドラムによる穏やかなミッドテンポのグルーヴで、多くのパートを柔らかなファルセットで歌い、ブリッジでは地声に近い話し言葉へ移行します。歌詞では、（一般に将来の妻メイテ・ガルシアだと考えられる）女性を「世界でいちばん美しい人」と讃え、官能とスピリチュアルな崇拝を溶け合わせた“ポップな祈り”のようなラブソングになっています。
チャート的には全米Hot 100で3位、USでゴールド認定を受け、UKでは自身唯一のシングル1位を獲得。生前最後の全米トップ10ヒットともなり、90年代以降も商業的に通用することを示しました。キャリア全体では、より優しくロマンティックなNPG期のプリンス像を代表するバラードとして、結婚式やコンテスト、テレビ番組などで“理想の愛”の象徴として頻繁に用いられる一曲です。
17. 1999 (1982)
Written and produced by Prince, “1999” is the 1982 title track that helped define the Minneapolis sound: a fusion of funk, synth-funk, dance-rock and new wave powered by the Linn LM-1 drum machine and stacked Oberheim/ARP synths, with shared vocals by Prince, Lisa Coleman, Dez Dickerson and Jill Jones.
Lyrically it’s an apocalyptic party song, written during the Cold War: the sky turns “all purple,” the bomb may drop any day, so the only sane response is to dance, love and live like there’s no tomorrow—“to party like it’s 1999.” That mix of dread and hedonism became a core Prince theme: facing death by intensifying pleasure, not denying the danger.
Originally the single peaked at #44 on the Hot 100, but a 1983 re-release pushed it to #12, and a later double A-side with “Little Red Corvette” hit #2 in the UK. Heavy MTV rotation made Prince one of the first Black artists in constant video play, boosting the album to multi-platinum and cementing his mainstream breakthrough. “1999” is now one of his signature songs, enshrined on Rolling Stone’s 500 Greatest Songs list and endlessly revived around New Year’s and millennial culture—proof of how his electro-funk futurism reshaped pop and electronic music.
「1999」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを手掛けた1982年のタイトル曲で、ミネアポリス・サウンドを決定づけた代表作です。ファンクとシンセ・ファンク、ダンス・ロックやニューウェイヴが融合し、Linn LM-1ドラムマシンと複数のシンセによる分厚いサウンドの上で、プリンス、リサ・コールマン、デズ・ディッカーソン、ジル・ジョーンズがリード・ヴォーカルを分け合います。
歌詞は冷戦期の不安を背景にした「終末パーティー・ソング」で、「空が紫に変わる」核戦争の恐怖を描きつつ、だからこそ「1999のようにパーティしよう」と今この瞬間を生き抜くことを訴えます。恐怖と享楽を同時に抱える感覚は、その後のプリンス作品を貫くテーマとなりました。
シングルは当初全米チャート44位でしたが、再発で12位まで上昇し、「Little Red Corvette」とのダブルA面としてUK2位も記録。MTVでのヘヴィローテーションにより、黒人アーティストとして稀有なほどビデオが流れ、アルバム『1999』の大ヒットとブレイクスルーを後押ししました。いまではローリング・ストーン誌の「史上最高の500曲」にも選ばれ、年末年始やミレニアムの象徴として鳴らされ続ける、プリンス史そしてポップ史の鍵曲です。
16. If I Was Your Girlfriend (1987)
Written and produced by Prince, “If I Was Your Girlfriend” is the second single from Sign o’ the Times, originally conceived for his pitched-up alter ego Camille. Musically it’s skeletal R&B/synth-funk: a dry drum-machine pattern, subtle bass, eerie keys and Prince’s androgynous, distorted vocal, preceded by a surreal sound collage including an orchestra tuning and a snippet of the “Wedding March.”
The lyric is one of his most radical: he imagines being his lover’s female best friend, asking what kinds of intimacy—sharing clothes, secrets, vulnerability—would become possible if gender expectations disappeared. Critics often connect the song to his jealousy over the close bond between fiancée Susannah Melvoin and her twin sister Wendy, turning that tension into a meditation on emotional labor and the limits of heterosexual roles.
Though only a modest hit in the US (#67 Hot 100, but #12 on Black Singles and #20 in the UK), it’s become a cult classic and a critical centerpiece of the album. Heavily sampled and referenced in hip-hop and R&B (from Mobb Deep to Jay-Z & Beyoncé’s “‘03 Bonnie & Clyde”), the song solidified Prince as a pioneer of gender-fluid, psychologically complex love songs, pushing pop beyond simple “boy/girl” scripts.
「If I Was Your Girlfriend」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを手掛け、『Sign o’ the Times』からの2枚目のシングルとして発表された楽曲で、本来は変名プロジェクト「カミーユ」用に構想されていました。サウンドは極限までそぎ落とされたR&B／シンセ・ファンクで、ドライなドラムマシン、控えめなベース、不穏なキーボードに、ピッチを上げた両性具有的なヴォーカルが乗り、冒頭にはオーケストラのチューニングや「結婚行進曲」の断片を含むコラージュが挿入されています。
歌詞では、恋人の「女友達」になれたらどれほど親密になれるか、服や秘密、弱さまで共有できるのかを問いかけ、ジェンダー役割が消えた場所での関係性を想像します。フィアンセだったスザンナ・メルヴォワンとその双子の姉ウェンディの強い絆への嫉妬が背景にあるとされ、異性愛規範の中での感情的負担や、親密さの限界を描いたテキストとして読まれています。
全米シングルチャートでは67位と小ヒットにとどまりましたが、R&Bチャートで健闘し、現在ではアルバム屈指の名曲として高く評価されています。その後ヒップホップ／R&Bで多数サンプリングされ、「ジェンダー流動的で心理的に複雑なラブソング」を切り拓いた先駆的作品として、プリンスの野心的な作家性を象徴する一曲となりました。
15. Take Me with U (1984)
“Take Me with U,” written by Prince and produced by him for Prince and the Revolution, is the second track on Purple Rain and the album’s final U.S. single. Musically it’s psychedelic pop/rock with a touch of soul: chiming acoustic guitars, tom-heavy drums, sweet string lines and a breezy duet vocal (with Apollonia in the film), giving it a road-trip, windows-down feel.
The lyrics are a simple but irresistible proposition—“I don’t care where we go, I just want to be with you”—turning romantic escape into a kind of spiritual wish to step outside everyday life. In the Purple Rain movie, it scores the motorcycle scenes where Prince’s Kid and Apollonia ride together, cementing it as one of his most cinematic love songs.
Chart-wise the single reached No.25 on the Billboard Hot 100 and No.40 on the R&B chart, and in the UK it was issued as a double A-side with “Let’s Go Crazy,” reaching No.7. Within his catalog, “Take Me with U” is often seen as the light, jangly counterweight to the heavier songs on Purple Rain, showcasing Prince’s ability to write pure, instantly catchy pop without losing his rhythmic bite or idiosyncratic sense of melody.
「Take Me with U」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを手掛けたPrince and the Revolution名義の楽曲で、『Purple Rain』の2曲目として配置され、アメリカでは同アルバム最後のシングルとしてリリースされました。サウンドはサイケデリック・ポップ／ロックにソウルのニュアンスを加えたもので、きらめくアコースティック・ギター、タムを多用したドラム、甘いストリングス、そして（映画版ではアポロニアとの）デュエット・ヴォーカルが、風を切って走るロードムービー的な空気を生み出しています。
歌詞は「どこへ行くかはどうでもいい、ただ一緒にいたい」というシンプルで抗しがたい誘いで、恋人との逃避行を、日常から一歩外に出る小さなスピリチュアルな願望としても響かせます。映画『Purple Rain』では、キッド（プリンス）とアポロニアがバイクで走る印象的なシーンに使われ、最も映画的なラブソングのひとつとして記憶されています。
シングルとしては全米Hot 100で25位、R&Bチャートで40位を記録し、UKでは「Let’s Go Crazy」との両A面シングルとして7位を獲得しました。『Purple Rain』の重厚な楽曲群の中で、軽やかで親しみやすいポップソングとして機能しつつ、リズムのキレと独特のメロディ感はしっかりプリンス印であることを示す一曲です。
14. Let’s Go Crazy (1984)
“Let’s Go Crazy,” written by Prince and produced by Prince and the Revolution, is the explosive opening track to both the Purple Rain album and film. Musically it fuses hard rock, funk rock and glam into a three-and-a-half-minute sermon-turned-party: church-organ intro, spoken “Dearly beloved” monologue, then a headlong rush of guitars, synths and a shredding outro solo.
The lyrics frame life as a struggle between elevation and the “De-elevator” (a metaphor for the Devil), urging listeners to live fully, love wildly and not let fear drag them down. It’s simultaneously spiritual exhortation and dance-floor detonation, compressing Prince’s themes of faith, mortality and liberation into a pop single.
Released as the follow-up to “When Doves Cry,” it became his second U.S. No.1, also topping the R&B and dance charts and going Top 10 in the UK. In Prince’s career, “Let’s Go Crazy” cemented his image as a rock preacher and bandleader, proving he could front a guitar-driven anthem as convincingly as any stadium rock act while still sounding unmistakably like himself—funky, strange and fervently alive.
「Let’s Go Crazy」は、プリンス作詞・作曲、Prince and the Revolutionプロデュースによる楽曲で、アルバム／映画『Purple Rain』の幕開けを飾る一曲です。サウンドはハード・ロックとファンク・ロック、グラム・ロックが融合したもので、教会オルガンと「Dearly beloved…」という説教風モノローグから始まり、一気にギターとシンセが爆発するパーティ・チューンへと雪崩れ込み、最後は激しいギターソロで締めくくられます。
歌詞では、人生を“高みに向かう力”と“De-elevator（悪魔のメタファー）”との闘いとして描き、「恐れに負けず、全力で生き、愛し、弾けろ」と呼びかけます。スピリチュアルな説教とダンスフロアの爆発が同居した、プリンスらしい信仰・死・解放の凝縮版です。
「When Doves Cry」に続くシングルとしてリリースされ、全米ビルボードHot 100で2曲目の1位を獲得し、R&Bチャートやダンスチャートでも首位、UKでもトップ10入りするヒットとなりました。キャリアの中では、ギター主体のロック・アンセムを堂々と鳴らす“ロック・プリーチャー”としてのイメージを決定づけ、スタジアム級のロックとミネアポリス・ファンクを架橋した象徴的ナンバーです。
13. Gold (1995)
“Gold,” written and produced by Prince (then using the unpronounceable symbol), is the climactic closing track and third single from The Gold Experience (1995). Musically it’s an arena-rock / soft-rock epic: slow-building verses, a huge sing-along chorus, and a soaring guitar solo over seven minutes in the album version, consciously echoing the scale of “Purple Rain.”
Lyrically, “Gold” is about resilience and spiritual endurance—holding on through betrayal, industry battles and personal doubt until you find something pure and valuable at the end of the ordeal. Many critics have read it as Prince reflecting on his struggles with Warner Bros. and the meaning of artistic freedom in the mid-90s.
Commercially the single underperformed in the U.S. (peaking at No.88 on the Hot 100) but reached the UK Top 10 and topped the European Dance Radio chart, becoming one of his last original top-ten hits there. Over time, “Gold” has gained cult status as a kind of 90s “Purple Rain moment,” closing his classic-era discography on Warner with a grand statement of hope and faith, and reminding listeners that the guitar-hero, band-leader Prince was still very much alive beneath the “Artist” contract drama.
「Gold」は、発音不可能なシンボル名義時代のプリンスが作詞・作曲・プロデュースを担当した、1995年作『The Gold Experience』のラスト曲かつ3枚目のシングルです。サウンドはアリーナ・ロック／ソフト・ロック寄りの大作で、緩やかに立ち上がるヴァースから大合唱的なサビへと広がり、アルバム・ヴァージョンでは7分超にわたるギターソロが展開されるなど、「Purple Rain」を意識したスケール感を湛えています。
歌詞は、裏切りや業界との摩擦、自己疑念をくぐり抜けながらも、最後に純粋で価値ある何か＝“Gold”へ辿り着くまで耐え抜くことをテーマにしており、90年代半ばのワーナーとの確執や、アーティストとしての自由をめぐる葛藤のメタファーとして読む批評家も多いです。
シングルは全米Hot 100で88位と控えめな結果に終わった一方、UKシングルチャートで10位、ヨーロッパ・ダンス・ラジオ・チャートで1位を獲得し、イギリスでは最後のオリジナルTop10ヒットとなりました。後年、「90年代版『Purple Rain』」とも評される本作は、ワーナー期の締めくくりとして希望と信念を高らかに掲げたロック・アンセムとして、コアなファンの間で重要な位置を占めています。
12. Mountains (1986)
“Mountains” is a 1986 single by Prince and the Revolution from Parade and the Under the Cherry Moon soundtrack, co-written by Prince, Wendy Melvoin and Lisa Coleman, and produced by Prince and the Revolution. It’s a frothy mix of synth-pop, neo-psychedelia and funk-pop, with bright keyboards, layered guitars, horns and Clare Fischer’s orchestral arrangements giving it an almost utopian shimmer.
The lyrics are among Prince’s most optimistic: love as a force that can move metaphorical “mountains,” keeping a couple strong against gossip, obstacles and chaos. That sense of communal uplift is reflected in the arrangement, where the entire Revolution—Wendy & Lisa, Brown Mark, Dr. Fink, Bobby Z., horns—sounds like a single organism.
Though “Mountains” only reached No.23 on the Billboard Hot 100, it has grown into a fan-favorite deep cut and a key document of the full-band Revolution sound before the group dissolved. In the larger arc of Prince’s career, it captures a rare moment where his cinematic ambitions, psychedelic experiments and pop instincts all line up into something effortlessly joyful—less iconic than “Kiss,” but just as revealing of what that band could do.
「Mountains」は、『Parade』および映画『Under the Cherry Moon』のサウンドトラックに収録された1986年のシングルで、プリンス、ウェンディ・メルヴォワン、リサ・コールマンの共作、プロデュースはPrince and the Revolution名義で行われました。シンセ・ポップ、ネオ・サイケデリア、ファンク・ポップが混ざり合ったサウンドで、明るいキーボードや幾重にも重なるギター、ホーン、クレア・フィッシャーのオーケストレーションが、どこか理想郷のようなきらめきを与えています。
歌詞は非常にポジティヴで、「山」を動かすほどの力を持つ愛が、噂話や困難、混乱の中でも二人を支えると歌われます。その“持ち上げる”感覚はアレンジにも反映されており、Wendy & Lisa、ブラウンマーク、ドクター・フィンク、ボビーZ.、ホーン隊まで、Revolution全員がひとつの生き物のようにうねります。
チャート的には全米Hot 100で23位止まりでしたが、のちにファンの間で重要曲として再評価され、Revolution期のバンド・サウンドを記録した代表的トラックとなりました。プリンスのキャリア全体では、映画的なスケール感、サイケな実験性、ポップな耳心地が自然に重なった、喜びに満ちた瞬間を切り取った一曲として位置づけられます。
11. U Got The Look (1987)
“U Got The Look” opens the second disc of Sign o’ the Times and was written and produced by Prince, with additional vocals from Sheena Easton and percussion from Sheila E. Musically it’s a hard-slammed blend of pop-rock, funk and electro-funk: Fairlight stabs, distorted guitars, Linn-style drum hits and Prince’s pitched-up “Camille” voice turn it into a cartoonish but deadly tight battle-of-the-sexes.
Lyrically the song is all flirtation and competition—two people squaring off on the dance floor and in bed, egging each other on. The humor and exaggerated vocal characters keep it light, but underneath is classic Prince: desire as both game and power struggle. It became a major hit, reaching No.2 on the Billboard Hot 100 and going Top 20 in multiple countries, further proving that Sign o’ the Times could spawn big singles despite its experimental sprawl.
In his career, “U Got The Look” is a pivot from the Revolution era to the more fluid late-80s band lineups, foregrounding studio craft and alter-egos. It’s one of the clearest examples of Prince weaponizing collaboration (Easton, Sheila E.) without ever losing the sense that this is his universe, his rules.
「U Got The Look」は、『Sign o’ the Times』の2枚目ディスク冒頭を飾る曲で、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを手掛け、シーナ・イーストンのゲスト・ヴォーカルとシーラ・E.のパーカッションが参加しています。サウンドはポップ・ロックとファンク、エレクトロ・ファンクがぶつかり合うような構成で、Fairlightシンセのスタブ、歪んだギター、硬質なドラムに、ピッチを上げた「カミーユ声」が重なり、コミカルでありながらタイトな“性別間のバトル”を演出します。
歌詞は徹底してナンパと挑発の応酬で、ダンスフロアとベッドの両方で張り合う男女を描きます。ユーモラスで大げさなヴォーカル・キャラクターの裏側には、「欲望とはゲームであり権力闘争でもある」というプリンスらしい視点が潜んでいます。シングルは全米ビルボードHot 100で2位を記録し、各国でも上位に入り、実験的な構成の『Sign o’ the Times』からも大型ヒットを生み出せることを示しました。
キャリア的には、Revolution期から後期80年代の流動的なバンド体制への架け橋であり、スタジオ制作と別人格（カミーユ）を前面に押し出した代表例のひとつと言えます。
10. Sign O’ The Times (1987)
“Sign o’ the Times,” written, produced and largely performed by Prince alone, is the stark, minimalist funk title track to his 1987 double album. Anchored by a dry LinnDrum beat and eerie Fairlight textures, it strips away guitar heroics and lush arrangements, leaving a skeletal groove over which Prince almost talks rather than sings.
The lyrics are a panoramic snapshot of late-80s dread: AIDS, crack, gang violence, domestic abuse, the Challenger disaster, nuclear fear. Yet he undercuts the despair with moments of intimacy and a faint, fragile hope that love and faith might still matter. It’s some of his most incisive social commentary, closer to news dispatch than traditional pop song.
Released as the album’s lead single, it topped the R&B chart and reached No.3 on the Billboard Hot 100, and critics widely hailed it as the single of the year. Within his career it marks a pivot from the technicolor world of Purple Rain toward a more austere, politically attuned Prince, proving that he could be as powerful a chronicler of his era’s “signs” as he was a creator of fantasies. The song remains a touchstone for socially engaged pop and hip-hop artists who want to speak plainly about crisis without losing musical tension.
「Sign O’ The Times」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを担い、ほぼ全ての楽器も自ら演奏した1987年の同名アルバムのタイトル曲です。乾いたLinnDrumのビートと、不穏なFairlightシンセのテクスチャーを中心に構成されたミニマルなファンクで、派手なギター・ソロや豪華なアレンジを徹底的に排し、プリンスはほとんど語りに近いヴォーカルで乗せています。
歌詞はエイズ、ドラッグ、ギャング暴力、ドメスティック・バイオレンス、チャレンジャー号爆発、核戦争への恐怖など、80年代後半の不安をパノラマのように描き出しますが、その合間に親密さや信仰、ささやかな希望の芽も挿し込まれています。ニュースの見出しをそのままポップ・ソングに落とし込んだような、プリンス屈指の社会派テキストと言えます。
リード・シングルとしてリリースされた本作は、R&Bチャート1位、全米Hot 100で3位を記録し、批評家からは「その年最高のシングル」として称賛されました。キャリアの中では、『Purple Rain』のカラフルなロック・オペラ世界から、より素朴で政治意識の高いプリンスへの転換点でもあり、時代の「サイン」を記録する語り部としての側面を強く示した曲です。危機の時代を率直に語りつつ、音楽としての緊張感を失わない社会派ポップ／ヒップホップの手本として、現在も多くのアーティストに参照されています。
09. Dirty Mind (1980)
“Dirty Mind” is the title track of Prince’s 1980 album, co-composed with keyboardist Doctor Fink and produced by Prince. Built around Fink’s insistent keyboard riff, it’s a lean mix of funk and new wave: dry drums, scratchy guitar, synth stabs and vocals that feel half-demo, half-punk manifesto. The absence of polish is deliberate, a sharp break from the smoother R&B sound of his first two records.
Lyrically, the song dives unapologetically into sexual thoughts, stripping away romance and metaphor in favor of blunt desire. That directness—combined with the androgynous image of the era—shocked some listeners but also instantly set Prince apart from both disco excess and conventional soul crooning.
“Dirty Mind” didn’t dominate the pop charts, but it became a cult landmark and a key blueprint for the Minneapolis sound, influencing later synth-funk, electro and indie artists alike. For Prince’s career, the album and title track are often seen as his true “arrival” as a radical auteur: sexually explicit, sonically stripped-down, and utterly uninterested in fitting into R&B radio expectations. Everything that happens on Purple Rain and Sign o’ the Times starts here.
「Dirty Mind」は、1980年の同名アルバムのタイトル曲で、キーボーディストのドクター・フィンクとの共作、プロデュースはプリンス自身が担当しています。フィンクによる執拗なキーボード・リフを軸に、ファンクとニューウェイヴを掛け合わせたサウンドは、ドライなドラム、ざらついたギター、鋭いシンセ、そしてデモのようにむき出しのヴォーカルから成り立っています。これは、初期2作のスムーズなR&B路線からの意図的な決別でした。
歌詞はロマンチックな比喩を排し、ストレートな性的欲望を描写しており、その露骨さと当時の中性的なビジュアルが組み合わさることで、従来のソウルやディスコとは異なる衝撃を与えました。
ポップ・チャートを席巻したわけではありませんが、「Dirty Mind」はカルト的な重要作として評価され、後のミネアポリス・サウンドやシンセ・ファンク、インディー勢にまで影響を与えた作品です。キャリア全体で見ると、挑発的なセクシュアリティと極限まで削ぎ落としたサウンドを武器に、R&Bの枠に収まらないラディカルなオーテュールとしてのプリンスが本格的に姿を現した転換点であり、『Purple Rain』や『Sign o’ the Times』へと続く基盤を形作った一曲と言えます。
08. I Would Die 4 U (1984)
“I Would Die 4 U,” written and produced by Prince, is the seventh track on Purple Rain and the album’s fourth U.S. single, credited to Prince and the Revolution. Musically it’s a brisk synth-funk/synth-pop track, with Linn drum programming, interlocking keyboards and a propulsive groove that made it a natural live highlight.
The lyrics are some of his most theologically loaded: the narrator declares “I’m not a woman, I’m not a man” and offers a love so sacrificial it verges on Christ-like, blurring the line between erotic devotion, spiritual salvation and fandom itself. The compression of “for” into “4” in the title feels trivial now, but at the time it also signaled his playful, modern relationship to language and symbols.
The song reached No.8 on the Billboard Hot 100, the final Top 10 single from Purple Rain, and it became a staple of his concerts, often extended into gospel-like jams where the crowd “testified” along with him. Within his career, it stands as a key example of how Prince could turn deeply spiritual material into ecstatic dance-floor pop, making questions about identity and divinity feel utterly physical.
「I Would Die 4 U」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを担当し、『Purple Rain』の7曲目かつ、Prince and the Revolution名義でリリースされた4枚目のシングルです。サウンドはLinnドラムのビートと複数のシンセが絡み合うアップテンポなシンセ・ファンク／シンセ・ポップで、ライヴではしばしば長く引き伸ばされるハイライト曲でした。
歌詞は神学的な含意が強く、「自分は女でも男でもない」と宣言しながら、相手のために命さえ差し出すような献身を歌います。そのラブソングとしての言葉遣いは、キリスト教的な自己犠牲とスピリチュアルな救済、さらにはファンとスターの関係性までも曖昧に溶かしてしまいます。「for」を「4」と表記するタイトルも、言葉と記号を自在に遊ぶプリンスらしいジェスチャーです。
本作は全米Hot 100で8位を記録し、『Purple Rain』から最後のトップ10ヒットとなりました。その後もライヴでゴスペル風のジャムへと発展させられることが多く、「スピリチュアルなテーマをダンス・ポップの熱狂へと変換する」プリンスならではの力を象徴する一曲として位置づけられています。
07. I Wanna Be Your Lover (1979)
“I Wanna Be Your Lover” was written and produced by Prince as the lead single from his second, self-titled album in 1979. It’s a dazzling slice of post-disco funk and dance-pop, driven by a supple bassline, bright keyboards and his elastic falsetto. The album version extends into a synth-jam coda that underlines his skills as a multi-instrumentalist and studio architect.
Lyrically the song sounds simple—a young man begging to graduate from friend zone to lover—but underneath the sweetness there’s a hint of frustrated ambition, both romantic and professional. (Prince later said the song was inspired by his crush on Patrice Rushen, which adds an extra layer of unrequited-artist energy.)
The single became his first major U.S. hit, reaching No.11 on the Billboard Hot 100 and No.1 on the R&B chart, and effectively introduced Prince to mainstream radio and TV audiences. It showed that his blend of funk musicianship, pop hooks and overt sexuality could translate beyond R&B stations, setting up the creative leap of Dirty Mind and the crossover dominance that followed. In retrospect, it’s the moment where the future icon peeks out from behind late-70s disco gloss.
「I Wanna Be Your Lover」は、1979年にリリースされたセルフタイトル作『Prince』からのリード・シングルで、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを手掛けています。ポスト・ディスコ期のファンク／ダンス・ポップの魅力が凝縮されたトラックで、しなやかなベースラインと明るいキーボード、伸びやかなファルセットが特徴です。アルバム・ヴァージョンでは後半がシンセ・ジャムへと展開し、マルチプレイヤー／スタジオ職人としての資質を強く印象付けます。
歌詞は一見「友だち以上恋人未満」から抜け出したい青年のラブソングですが、その裏には報われない恋と、アーティストとしての上昇欲求が重なっています（モデルはピアニストのパトリース・ラッシェンへの片想いだとされています）。
チャートでは全米Hot 100で11位、R&Bチャートで1位を獲得し、プリンスにとって初の本格的ヒットとなりました。これにより、ファンク由来の演奏力とポップなフック、セクシュアルなムードを兼ね備えたスタイルがメインストリームにも通用することが証明され、『Dirty Mind』以降の飛躍への足場が築かれます。いま振り返ると、70年代ディスコの光沢の向こうから「後のプリンス像」が顔を覗かせた瞬間のような一曲です。
06. Controversy (1981)
Written and produced by Prince, “Controversy” is the lead single and title track of his 1981 album. Musically it’s a taut Minneapolis blend of funk, new wave and synth-pop built on a hypnotic groove, chanted hooks and icy keyboards. The arrangement leaves a lot of space, emphasizing the beat and his rhythm guitar in a way that already points toward the leaner experiments of the mid-80s.
Lyrically, Prince directly addresses the rumors around him: his sexuality, race, religion and androgynous image, even reciting the Lord’s Prayer in the middle of a funk jam. Rather than “clarify” anything, he turns the speculation itself into a hook, turning voyeurism back on the audience. The track also dips into Cold War politics and social anxiety, capturing the early-80s mood while still feeling like a club record.
In his career arc, “Controversy” is a hinge point between the raw shock of Dirty Mind and the blockbuster era. It solidified his persona as an artist who would talk openly about sex, faith and identity while blurring all the borders between them, and it helped define the Minneapolis sound’s mix of punk attitude, synth funk and pop accessibility.
「Controversy」は、プリンスが作詞・作曲・プロデュースを一手に担い、1981年の同名アルバムからのリード・シングルとして発表された楽曲です。ミネアポリス流のファンクとニューウェイヴ、シンセ・ポップを掛け合わせたサウンドで、ミニマルなグルーヴとチャントのようなフック、クールなキーボードが特徴です。音数を絞ったアレンジはビートとリズムギターを際立たせ、すでに中期作品の実験性を示唆しています。
歌詞では、自身をめぐるセクシュアリティ、人種、宗教、ジェンダー表現についての噂を正面から取り上げ、ファンク・ジャムの中で主の祈りを朗読する場面も含まれています。しかし彼は誤解を解くのではなく、「好奇の視線」そのものをフックへと変換し、視線を投げ返します。冷戦期の政治や社会不安にも触れつつ、クラブで機能するダンス・トラックとして成立している点もユニークです。
キャリア的には、『Dirty Mind』の生々しい衝撃と、その後のメガヒット期をつなぐ重要曲であり、セックスや信仰、アイデンティティをボーダーレスに語るアーティスト像を固めました。同時に、パンク的な態度とシンセ・ファンク、ポップ性を融合させた「ミネアポリス・サウンド」を決定づけた一曲でもあります。
05. I Could Never Take The Place Of Your Man (1987)
Originally tracked in 1979 but released in its definitive version on 1987’s Sign o’ the Times, “I Could Never Take The Place Of Your Man” showcases Prince’s pop-rock instincts at their cleanest. Written and produced by Prince, it’s a bright blend of power pop, new wave and dance-pop, with chiming guitars, an instantly memorable hook and an extended jam section that lets his guitar and keys stretch out.
The narrative is unusually straightforward for Prince: a woman, recently hurt, asks the narrator to rescue her from loneliness, and he refuses, honestly admitting he can’t replace the man she lost. That mix of empathy and boundaries feels almost adult-contemporary on paper, but Prince delivers it with youthful energy and melodic sweetness, turning emotional maturity into something exhilarating rather than dour.
Released as the final single from Sign o’ the Times, it became the album’s third Top 10 U.S. hit and has since been widely covered, underlining its status as one of his purest pop songs. Within his catalog, it’s a reminder that behind the provocateur and studio experimentalist was also a classic songwriter who could, when he wanted, write a perfect, bittersweet three-minute tune.
「I Could Never Take The Place Of Your Man」は、1979年に最初のヴァージョンが録音され、1987年のアルバム『Sign o’ the Times』で完成形として発表された、プリンスのポップ・ロック感覚が最もストレートに表れた一曲です。プリンスが作詞・作曲・プロデュースを担当し、パワー・ポップやニューウェイヴ、ダンス・ポップの要素をミックスしたサウンドは、きらめくギターとキャッチーなフック、そして後半のギター＆キーボードの長いジャムが特徴です。
物語はプリンスにしては珍しくシンプルで、失恋直後の女性がさみしさを埋めてほしいと主人公に頼むものの、彼は「君の元カレの代わりにはなれない」と正直に断ります。その誠実さと境界線の引き方は、紙の上ではアダルト・コンテンポラリー的にも見えますが、プリンスはそれを若々しいエネルギーと甘いメロディで包み込み、「大人の感情」を重くなりすぎずに響かせています。
アルバムからの最後のシングルとしてリリースされ、全米で3曲目のトップ10ヒットとなった本作は、その後多くのアーティストにカヴァーされ、プリンス作品の中でも最もピュアなポップ・ソングのひとつとして評価されています。挑発的なイメージや実験的なプロダクションの陰で、完璧なビタースウィート・ポップを書けるクラシックなソングライターとしてのプリンスを再確認させてくれる曲です。
04. Kiss (1986)
Written and produced by Prince for Parade and released under Prince and the Revolution, “Kiss” is a masterclass in minimalist funk-pop. The track strips everything down to a dry drum machine pattern, choppy rhythm guitar and Prince’s helium-light falsetto, leaving almost nothing in the mix that isn’t absolutely necessary. That sparseness makes every handclap and squeal feel huge.
Lyrically, “Kiss” flips typical pop standards of beauty and status: “You don’t have to be rich / You don’t have to be cool” to be desired, as long as you have the right attitude and a sense of individuality. It’s playful, sexy and slyly democratic. The song became a worldwide No.1 hit, topping the Billboard Hot 100 and earning gold certification, and has since been canonized in multiple “greatest songs” lists.
For Prince’s career, “Kiss” reaffirmed his ability to reinvent funk with punk-like economy—three or four elements doing the work of an entire band. Its countless covers and reinterpretations underline how strong the core song is, but also how inimitable his original vocal and groove remain.
「Kiss」は、アルバム『Parade』のためにプリンスが作詞・作曲・プロデュースし、Prince and the Revolution名義で発表されたミニマル・ファンク／ポップの最高峰です。乾いたドラムマシンのリズム、刻むようなリズムギター、そして軽やかなファルセット・ヴォーカルだけで構成され、不要な要素を徹底的に削いだサウンドだからこそ、一つひとつの手拍子やシャウトが圧倒的な存在感を放ちます。
歌詞は「リッチであること」「クールであること」といった典型的な魅力の条件をひっくり返し、態度と個性こそが欲望の条件だと歌います。その語り口は官能的でありながらどこか民主的で、遊び心とフェミニンさ、ジェンダーの揺らぎも感じさせます。楽曲は全米ビルボードHot 100で1位を獲得し、ゴールドディスクとなるなど世界的ヒットとなり、数々の「史上最高の曲」ランキングにも名を刻みました。
キャリア的には、ファンクを極限まで削ぎ落とした形で再定義し、「最小限の音で最大限のグルーヴを生み出す」プリンスの才能を決定的に示した曲であり、多数のカヴァーにもかかわらず、オリジナル・ヴァージョンの唯一無二さを際立たせています。
03. Little Red Corvette (1982)
“Little Red Corvette,” written and produced by Prince for his 1982 album 1999, is a sleek fusion of pop, post-disco funk and rock that became his first U.S. Top 10 single. Built around a Linn LM-1 drum pattern, gliding synths and a soaring rock chorus, it uses the fantasy of a one-night stand in a sports car as a metaphor for a woman whose thrill-seeking sexuality might be speeding toward a crash.
The lyrics are both seductive and cautionary: the narrator is drawn in but also worries about emotional damage—for her and for himself. That tension between eroticism and vulnerability would become a defining Prince theme. Backing vocals from bandmates Lisa Coleman and Dez Dickerson, plus Dickerson’s lyrical guitar solo, subtly plant the seeds of the full band sound he’d soon unleash on Purple Rain.
Culturally, “Little Red Corvette” marked Prince’s crossover from R&B and club circuits to MTV-powered pop stardom, becoming one of the earliest videos by a Black solo artist in heavy rotation on the channel. It proved that his sexually explicit, deeply funky vision could also inhabit FM rock radio, clearing the lane for the imperial phase that followed.
「Little Red Corvette」は、プリンスがアルバム『1999』のために作詞・作曲・プロデュースした曲で、ポップス、ポスト・ディスコ的ファンク、ロックが滑らかに融合したサウンドが特徴です。本作はプリンス初の全米トップ10ヒットとなり、彼のキャリアにとって大きな転機となりました。Linn LM-1によるビートと滑空するシンセ、ロック色の強いサビが重なり、スポーツカーでのワンナイトラブの幻想を通じて、スリリングなセクシュアリティと破滅の危うさをメタファーとして描きます。
歌詞は官能的でありながら警鐘も鳴らしており、主人公は強く惹かれつつも、お互いの心のダメージを恐れています。この「官能と傷つきやすさの同居」は、後のプリンス作品を貫く重要なテーマとなりました。リサ・コールマンとデズ・ディッカースンのコーラス、そしてディッカースンのギターソロは、のちの『Purple Rain』へとつながるバンド・サウンドの萌芽でもあります。
文化的には、ブラックのソロアーティストとしてMTVでヘビーローテーションされ、R&B／クラブシーンからポップ・スターへと飛躍する足がかりとなりました。セクシュアルでディープなファンクがFMロックにも受け入れられうることを証明し、その後の黄金期への道を切り開いた一曲です。
02. When Doves Cry (1984)
Written and produced solely by Prince as the lead single from Purple Rain, “When Doves Cry” is one of the boldest pop hits of the 1980s. It’s an experimental pop track that fuses funk, synth-pop and neo-psychedelia, but its most radical move is the absence of a bassline, leaving the Linn drum machine, spiky guitar and baroque synth lines exposed in a stark, almost claustrophobic mix.
Lyrically, Prince links romantic breakdown to inherited family trauma, asking how two lovers can heal when they’re repeating their parents’ emotional violence. The dove—a classic symbol of peace—crying suggests a world where even symbols of hope are wounded. The song was a U.S. No.1 and a global hit, cementing Prince as a studio auteur who could turn avant-garde production choices into mainstream hooks.
Within his career, “When Doves Cry” widened the scope of what a pop single could sound like: no bass, unconventional structure, and an extended, classically inflected synth coda that still feels strange on the radio. Its influence can be heard in later minimal R&B and left-field pop, and it remains a template for emotionally raw songs that refuse comfortable sonic resolutions.
「When Doves Cry」は、アルバム『Purple Rain』からのリード・シングルとして、プリンス自身が作詞・作曲・プロデュースを手掛けた80年代ポップの中でも最も大胆な一曲です。ファンクやシンセ・ポップ、ネオ・サイケデリアの要素を融合した実験的ポップでありながら、最もラディカルなのはベースラインを完全に排除している点で、Linnドラム、鋭いギター、バロック風シンセだけがむき出しになった、密室的なミックスが特徴です。
歌詞では、恋愛の破綻と家族から受け継ぐトラウマを結びつけ、「親の感情的な暴力をなぞる恋人同士は、どうすれば癒やされるのか」という問いが投げかけられます。平和の象徴であるハトが泣くイメージは、希望そのものが傷ついている世界を示唆します。この曲は全米1位に輝き、世界的なヒットとなり、前衛的なサウンドをポップ・ヒットへと変換できるスタジオ・オーテュールとしてのプリンスの地位を決定づけました。
ベースなしのサウンド、独特の構成、クラシック風のシンセ・コーダなど、「When Doves Cry」はポップ・シングルの定義を押し広げた曲であり、その影響はミニマルなR&Bやオルタナ・ポップにまで及んでいます。
01. Purple Rain (1994)
Prince wrote, produced, arranged and performed “Purple Rain” with the Revolution, turning a live 1983 performance into the spine of his 1984 film and album of the same name. Musically it’s a slow-building rock power ballad that blends gospel chords, blues guitar and stadium-scale pop, culminating in a cathartic solo that feels closer to a sermon than a shred-fest. Lyrically it hovers between romantic breakup, spiritual surrender and apocalyptic imagery, using “purple rain” as an ambiguous space of forgiveness, grief and transcendence.
As the emotional climax of the Purple Rain film, the song reframed Prince from cult funk auteur into a mythic rock frontman, guitar hero and bandleader. It became his signature anthem, a staple of his concerts and one of the key songs in rock history, frequently listed among the greatest songs of all time and etched into pop memory via moments like his rain-soaked Super Bowl XLI performance. “Purple Rain” crystallized the Prince universe: black and white, sacred and profane, R&B, rock and pop fused into one huge, emotionally open song that artists across genres still point to as a benchmark of expressive ambition.
「Purple Rain」は、プリンスがザ・レヴォリューションと共に作曲・プロデュース・アレンジ・演奏まで手掛けた楽曲で、1983年のライヴ録音を軸に、映画およびアルバム『Purple Rain』の中核として完成させた作品です。サウンドはスローテンポのロック・バラードを基調に、ゴスペル的なコード、ブルース寄りのギター、スタジアム級のポップ感覚が折り重なり、最後には説教のように感情を解き放つギターソロへと到達します。歌詞は失恋、スピリチュアルな降伏、終末的なイメージが交錯し、「紫の雨」は赦しと喪失、そして超越のメタファーとして響きます。
映画版のクライマックスとして、プリンスをカルトなファンクの奇才から、神話的なロック・フロントマン兼ギターヒーローへと押し上げた曲でもありました。以降ライヴの象徴的アンセムとなり、史上最高のロック・ソングのひとつとしてたびたび挙げられ、スーパーボウルでの豪雨パフォーマンスなどを通じてポップ史に刻まれています。R&Bとロック、俗と聖、黒人音楽とメインストリームを一曲に凝縮した「Purple Rain」は、現在も表現の「到達点」として多くのアーティストに影響を与え続けています。