20. Man From The Magazine (2020)
“Man From The Magazine” is one of the sharpest statements on Women in Music Pt. III (2020). Written by Alana, Danielle and Este Haim with Rostam Batmanglij, and produced by Danielle Haim, Rostam and Ariel Rechtshaid, it strips their sound down to lo-fi, Joni Mitchell–esque folk: just Danielle’s voice, close-mic’d acoustic guitar and a bare, almost uncomfortable intimacy. Lyrically, it’s a laundry list of the casual sexism they’ve endured in the music industry. Este’s real experience with a male journalist asking if she “makes the same faces in bed,” and a condescending music-shop clerk handing them a “starter guitar,” are quoted almost verbatim. The chorus – “You expect me to deal with it ’til I’m perfectly numb / But you don’t know how it feels to be the cunt” – turns years of being dismissed, underpaid and mislabelled as “just a girl band” into a calm, devastating verdict. The Paul Thomas Anderson–directed video, filmed live at Canter’s Deli in Los Angeles, visually ties the song back to the album cover and to the band’s Jewish-LA roots. Critics often cite “Man From The Magazine” as the track where the album’s title—Women in Music—becomes explicit protest. It’s become a touchpoint in discussions of sexism in rock and a quiet anthem of feminist anger, helping cement HAIM’s role as not only soft-rock revivalists but outspoken chroniclers of what it means to be women working in this industry in the 2010s–20s.
「Man From The Magazine」は、3作目『Women in Music Pt. III』（2020）の中でも最も鋭いステートメント性を持つ曲です。作詞作曲はAlana, Danielle, Esteの三姉妹とRostam Batmanglij、プロデュースはDanielle Haim、Rostam、Ariel Rechtshaid。サウンドはローファイでJoni Mitchell風のフォークに振り切られており、密着したボーカルとアコギだけという、少し居心地の悪いほどむき出しの質感が特徴です。歌詞では、彼女たちが音楽業界で経験してきた日常的なセクシズムが、ほぼ実話の引用として並べられます。Esteが実際に受けた「ベッドでも同じ顔をするの？」という記者の質問や、楽器店で“入門用ギター”を押し付けられる場面などが、そのまま歌詞になっています。サビの「完璧に麻痺するまで黙ってろと言うけど／あなたは“cunt”と呼ばれる側の気持ちなんて知らない」というラインは、長年「ガールバンド」と矮小化され、ギャラでも扱いでも差別されてきた経験を、静かな怒りに変換したフレーズです。Paul Thomas Anderson監督によるMVは、ロサンゼルスのCanter’s Deliでの一発撮りで、アルバムジャケットとも呼応しつつ、彼女たちの「ユダヤ系LA」というルーツを可視化します。批評家はしばしば、この曲を「“Women in Music”というタイトルが最もストレートに抗議として鳴り響く瞬間」と評し、ロックにおけるセクシズムを告発する現代フェミニズム・ソングとして位置づけています。結果的にHaimは、70sソフトロックの継承者である以上に、この時代に女性として音楽を作ることの現実を語るバンドとしての評価を決定づけました。
19. Los Angeles (2020)
“Los Angeles” opens Women in Music Pt. III, and in many ways it opens a new chapter for HAIM. Written by the three sisters with Rostam Batmanglij and Ariel Rechtshaid, and produced by Danielle, Rostam and Rechtshaid, the track sets the album’s soft-rock palette: warm saxophone, loose drums, and a slightly off-kilter groove. Danielle sings about falling out of love with her hometown and negotiating depression and disillusionment—“Los Angeles, give me a miracle / I just want out from this.” Critics heard the song as a thesis statement for WIM Pt. III: a record that bottles the sunshine and alienation of the San Fernando Valley, and moves the band beyond breezy guitar pop into something more vulnerable and stylistically restless. As the opener of an album that would become a critics’ darling and earn a Grammy nomination for Album of the Year—the first for an all-female rock band—it helped cement HAIM as chroniclers of contemporary Los Angeles life, not just heirs to Fleetwood Mac–style nostalgia.
「Los Angeles」は『Women in Music Pt. III』の1曲目であり、Haim にとって新しいフェーズの入口となる曲です。作詞は三姉妹にRostam Batmanglij と Ariel Rechtshaid が加わり、プロデュースはDanielle、Rostam、Rechtshaid の三人が担当しています。 サウンドは柔らかなサックス、ゆるく跳ねるドラム、少しだけふらついたようなグルーヴが特徴的なソフトロックで、Danielle は故郷ロサンゼルスへの愛憎と、そこで抱える抑うつ感を歌います。「ロサンゼルス、奇跡をちょうだい／ここから抜け出したいだけ」といったフレーズが象徴的です。批評家たちは、この曲を『WIM Pt. III』全体の“序文”のように捉えました。サンフェルナンド・バレーの陽光と孤独感を同時に閉じ込め、これまでの爽やかなギターポップから一歩進んで、より脆く、ジャンル横断的な表現へと踏み出していると評価されています。 そして本作が批評的絶賛を集め、グラミーのAlbum of the Yearにノミネート（オール女性ロックバンドとして初）されたことで、Haim は単なる70年代ロックの継承者ではなく、“今”のロサンゼルスを描く語り手としての地位を決定的なものにしました。
18. Right Now (2017)
“Right Now” arrived in 2017 as the first glimpse of Something to Tell You, released initially only as a live studio performance directed by Paul Thomas Anderson. Written by Alana, Danielle, Este Haim and Ariel Rechtshaid, it’s effectively a band-in-a-room document: a slow piano ballad that swells into pounding drums, feedback and Danielle’s increasingly furious vocal. The sound leans more toward raw rock than their glossiest pop work, highlighting how tight the trio is as a live unit. Lyrically, the song tracks the moment when a chronically disappointing partner finally decides they need you “right now,” precisely when you’re done waiting. Danielle’s lines—“Gave you my love, you gave me nothing / Said what I gave wasn’t enough”—convert romantic resentment into composure and resolve. Culturally, “Right Now” mattered less as a chart play and more as a re-entry statement after the four-year gap following Days Are Gone. The PTA video reintroduced Haim as a serious rock band rather than just festival-friendly pop, cementing a visual partnership that would continue through Women in Music Pt. III and beyond.
「Right Now」は2作目『Something to Tell You』の先行曲として2017年に発表され、まずはPaul Thomas Anderson 監督によるスタジオ・ライヴ映像のみで公開されました。 作詞はAlana、Danielle、Este Haim と Ariel Rechtshaid。ピアノで静かに始まり、徐々にドラムとフィードバックが加わっていく構成で、バンドが一発録りで鳴らすロック的な粗さと緊張感が前面に出ています。歌詞は、期待を裏切り続けてきた相手が、自分が吹っ切れたタイミングで「今すぐ君が必要だ」と言い出す瞬間を捉えています。「愛を捧げても何も返ってこなかった」というフレーズに込められた苛立ちが、最後には静かな決別と自己肯定へと変わっていきます。『Days Are Gone』から4年を経ての“再登場”として、この曲と映像のインパクトは大きく、Haim をフェス映えするポップ・バンド以上の「ちゃんとしたロック・バンド」として再定義しました。その後『Women in Music Pt. III』期まで続くPTAとの強いビジュアル的結びつきの出発点とも言える一曲です。
17. Lost Track (2022)
“Lost Track” is a 2022 standalone single released via Columbia, written by the band and produced by Danielle Haim, John DeBold, and Ariel Rechtshaid. Musically it sits in HAIM’s soft-rock / pop-rock lane but feels slightly ghosted-out: brushed drums, muted guitars and a swaying, almost numb pulse match the song’s theme of being stuck in a situation you can’t quite leave or define. The track was partly inspired by John O’Hara’s Appointment in Samarra, and the lyrics circle around the idea of losing track of yourself and a relationship until you can’t reclaim what’s gone. The Paul Thomas Anderson–directed video, shot alongside Alana’s W magazine shoot and tied to the Licorice Pizza era, places the band amid a surreal country-club tableau, emphasizing social performance and quiet alienation. Released between Women in Music Pt. III and the I Quit era, “Lost Track” works as a liminal chapter: it extends their long-running PTA collaboration and keeps the emotional continuity of WIM Pt. III—anxiety, dislocation, self-reflection—alive while hinting at the more liberated, “I’m done caring” tone that critics would later hear on I Quit.
「Lost Track」は2022年にColumbiaからリリースされたシングルで、Haimが作詞作曲し、Danielle Haim、John DeBold、Ariel Rechtshaid がプロデュースを手がけています。 サウンドはソフトロック〜ポップロック寄りですが、ブラシの効いたドラムや抑制されたギターが生む、どこか霧がかったような質感が特徴で、「抜け出したいのに抜け出せない」「気づけば自分を見失っている」といった歌詞世界と共鳴しています。John O’Hara『Appointment in Samarra』から着想を得たと言われ、取り返しのつかない喪失や自己の輪郭の曖昧化が反復して歌われます。ビデオはPaul Thomas Andersonが監督し、Alana の W誌撮影や映画『Licorice Pizza』と同時期に制作されました。クラシックなカントリークラブの場に取り残されたような三姉妹の姿が、社交性と疎外感のギャップを強調します。 『Women in Music Pt. III』と4作目『I Quit』の間に位置するこの曲は、PTAとのコラボの継続であると同時に、WIM Pt. IIIで描かれた不安や自己省察のトーンを保ちながら、後の「もう気にするのはやめた」という解放感へとつながる“橋渡し”的な役割を果たしています。
16. Gasoline (2021)
“Gasoline” appears on Women in Music Pt. III (2020), with the Taylor Swift remix released in 2021 on the expanded edition. Written by the three Haim sisters and Rostam Batmanglij and produced by Danielle Haim, Rostam, and Ariel Rechtshaid, it’s a dreamy, guitar-sliding pop-rock slow jam with a subtly R&B, late-night feel. Lyrically, Danielle sings about depression and burnout—feeling “awake but not alive” and begging to get out from under the weight of her own mind. Critics noted how the sensual, cruising groove contrasts with the heaviness of the subject matter, turning mental-health struggle into something hazy and intimate rather than purely bleak. Taylor’s added verse deepens the song’s call-and-response structure, framing the track as two women recognizing each other’s damage and desire. The collaboration arrived after Swift’s “no body, no crime,” cementing a creative partnership between one of the biggest pop stars and an increasingly canonized rock band, and it helped pull WIM Pt. III further into the mainstream conversation while that album was already earning Grammy recognition and “best of 2020” praise.
「Gasoline」は3作目『Women in Music Pt. III』（2020年）の収録曲で、Taylor Swift を迎えたリミックスは2021年のデラックス盤でシングル化されました。作詞はHaimの三姉妹とRostam Batmanglij、プロデュースはDanielle Haim、Rostam、Ariel Rechtshaid です。 ドリーミーなギターと滑らかなグルーヴが心地よいポップ・ロックのスロウ・ジャムで、ほんのりR&Bのムードも漂います。歌詞では、Danielle が燃え尽きと抑うつを歌います。「生きてはいるけど、生きている実感がない」という感覚や、その重みから抜け出したいという願いが、官能的でクールなサウンドと対照を成し、メンタルヘルスのテーマを純粋な暗さではなく、親密で揺らぐ瞬間として描き出しています。Taylor のヴァースが加わることで、互いの傷と欲望を認め合う二人の会話のような構造が強まり、「no body, no crime」に続くコラボとして両者の関係性を決定づけました。これにより、既に高い評価とグラミー候補入りを獲得していた『WIM Pt. III』が、さらにポップ・フィールドでの存在感を強めるきっかけにもなっています。
15. Don’t Wanna (2020)
“Don’t Wanna” is one of Women in Music Pt. III’s most accessible entry points, a bright pop-rock song hiding a very adult dilemma. Written by the sisters with Rostam Batmanglij and produced by Danielle Haim, Rostam and Ariel Rechtshaid, it pairs springy drums and jangling guitars with a relaxed, soft-rock glide that recalls their earlier work while feeling looser and more lived-in. Lyrically, it’s about trying to salvage a damaged relationship: both partners have made mistakes, even spent nights with other people, but the narrator still “doesn’t wanna give up,” choosing difficult repair over an easy exit. Critics highlighted it as a standout, calling it a spry, instantly replayable track that links their early radio-friendly singles to the more genre-bending experiments elsewhere on the album. The Jake Schreier–directed video, an informal sequel to the “Want You Back” sidewalk walk, shows the band walking and then racing through a parking lot, turning movement itself into a visual metaphor for choosing to keep moving forward together. As part of the album campaign that earned them a Grammy nomination for Album of the Year, “Don’t Wanna” helped cement HAIM’s reputation as writers of emotionally nuanced, grown-up pop that still hits like a classic hook-driven single.
「Don’t Wanna」は、『Women in Music Pt. III』の中でもっとも入りやすいポップ・ロック曲でありながら、とても大人な葛藤を抱えた一曲です。三姉妹とRostam Batmanglijが共作し、プロデュースはDanielle Haim、Rostam、Ariel Rechtshaid。弾むようなドラムときらめくギター、ゆったりとしたソフトロック寄りのグルーヴが、『Days Are Gone』期のキャッチーさと、現在の“こなれた感じ”をうまくつなげています。歌詞のテーマは、傷ついた関係をあきらめずに立て直そうとすること。双方が過ちを犯し、他の誰かと夜を過ごしたこともあるけれど、それでも「もうやめたい」とは言わず、簡単な別れよりも困難な修復を選ぼうとする心情が描かれます。批評家からは、アルバムの中でも特に際立ったトラックとして評価され、初期のラジオ向けシングルと、作品全体に広がるジャンル横断的な実験性を橋渡しする曲だと評されました。Jake Schreier監督によるミュージックビデオは、「Want You Back」の歩きMVの非公式な続編のように、駐車場を歩き、最後には走り出す三人の姿を捉え、前に進み続けることを視覚的なモチーフにしています。そして、グラミー賞「年間最優秀アルバム」ノミネートにつながったアルバム期を代表するシングルとして、クラシックなポップのフックと、成熟した感情表現を両立させるバンドとしての評価を決定づけました。
14. Hallelujah (2019)
“Hallelujah” is HAIM at their most bare and vulnerable. Written by the sisters with Tobias Jesso Jr. and produced by Danielle Haim, Ariel Rechtshaid and Rostam Batmanglij, the track sits in a gentle folk-pop/soft-rock space: finger-picked guitar, strings arranged by Rob Moose, and three intertwining verses. Each sister sings a different story: Este about living with chronic illness, Danielle about feeling emotionally lost, and Alana about grieving her best friend, who died in a car accident before the band’s breakthrough, and about being held together by her siblings. The chorus turns “hallelujah” into a quiet thank-you for the people who carried them through their darkest moments. Released ahead of Women in Music Pt. III, it became a focal point of the album’s narrative about grief, mental health and sisterhood, and is often cited as one of their most emotional songs. Outside their own fanbase, it has circulated as a modern song about friendship and loss, even being referenced by Stevie Nicks when mourning Christine McVie – a striking endorsement from one of HAIM’s clearest influences.
「Hallelujah」は、ハイムがもっとも繊細でむき出しの感情を見せる楽曲です。三姉妹とTobias Jesso Jr.の共作で、プロデュースはDanielle Haim、Ariel Rechtshaid、Rostam Batmanglij。Rob Mooseのストリングスと指弾きのギターの上で、三人それぞれのヴァースが交差するフォーク・ポップ〜ソフトロック寄りのアレンジです。Esteは自らの1型糖尿病との向き合い方を、Danielleは迷子になったような心の状態を、そしてAlanaはブレイク前に交通事故で亡くした親友への喪失と、その悲しみを姉たちが支えてくれたことを歌います。サビで繰り返される「Hallelujah」は、宗教的というより、「支えてくれた人たちへの静かな感謝」の合図のように響きます。『Women in Music Pt. III』に先行して発表されたこの曲は、グリーフやメンタルヘルス、姉妹の絆をめぐるアルバム全体の物語の中核となり、「キャリアでもっとも感情的な曲」の一つとして語られることが多くなりました。またバンドの外側でも、友情と喪失を歌う現代的なバラードとして広く共有され、Stevie NicksがChristine McVieを悼む際にこの曲に言及したことは、彼女たちが憧れてきた世代からの象徴的な承認とも言えます。
13. Forever (2012)
“Forever” is the song that effectively launched HAIM’s career. Originally released on their 2012 Forever EP and later included on Days Are Gone, it was written by the sisters and produced by HAIM with Ludwig Göransson. Musically it’s a tightly wound blend of crisp percussion, handclaps, chorused guitars and layered harmonies, sitting somewhere between ’80s pop-rock and R&B-tinted indie. Critics heard echoes of Fleetwood Mac and ’90s radio pop, but the rhythmic bite and conversational melodies already felt distinctly theirs. Lyrically, “Forever” is sung from the brink of a breakup: a partner is warned that unless they change, this might be the last chance. That ultimatum is delivered not as melodrama but as restless, almost danceable anxiety. When the Forever EP went online and the band tore through SXSW in 2012, the track drew major label attention and led directly to their deal with Polydor, festival slots and high-profile support tours. Though it charted modestly, it became a gateway song for new fans and a set-opening favorite, defining the template of sharp, hooky songwriting and live-band energy that HAIM would keep mutating across future records.
「Forever」は、実質的にハイムのキャリアをスタートさせた代表曲と言える存在です。2012年のEP『Forever』で初登場し、その後『Days Are Gone』にも収録されました。作詞作曲は三姉妹、プロデュースはハイム自身とLudwig Göranssonが担当しています。シャープなパーカッションとハンドクラップ、コーラスがかったギターや多重コーラスが折り重なり、80年代ポップ・ロックとR&Bテイストのインディーの中間のようなサウンドを形成しています。Fleetwood Macや90年代ラジオポップの影響を感じさせつつも、リズムの切れ味と会話的なメロディにはすでに彼女たち固有のセンスが表れています。歌詞は、破局寸前の地点から歌われる最後通告で、「このままだと本当に終わってしまう」という焦りが、ドラマチックというより、踊りだしたくなる不安として響きます。EP配信と2012年のSXSWでのライブが話題となり、この曲がきっかけでPolydorとの契約やフェス出演、ビッグアーティストの前座へと一気に道が開けました。チャート的には控えめながら、新規ファンの入口となる一曲であり、ライブではオープナーとしても定番化。以降の作品で彼女たちが更新し続ける、「鋭いソングライティング＋生バンドのグルーヴ」という基本フォームを決定づけた楽曲です。
12. Nothing’s Wrong (2017)
“Nothing’s Wrong” is one of the emotional anchors of Something to Tell You. Written by the three Haim sisters with Ariel Rechtshaid and produced by Rechtshaid, it’s classic HAIM pop-rock: galloping drums, shimmering guitar lines and a subtle country-rock twang that recalls Fleetwood Mac and Lindsey Buckingham. Lyrically, the song maps the quiet dread of coming home from tour and realizing a relationship has cooled: going through the motions, sleeping back-to-back, pretending “nothing’s wrong” because saying it aloud would make the break irreversible. The pitch-shifted “it’s obvious, be honest” hook and the sudden, air-sucked-out bridge dramatize that denial turning into panic. Critics frequently single it out as a highlight, praising how its sing-along chorus disguises some of HAIM’s rawest, most relatable writing. Live, it became a centerpiece of their 2017–18 tours, helping reframe them as storytellers of adult, post-tour disconnection rather than just breezy debut-era nostalgists. Within their career arc, “Nothing’s Wrong” feels like the moment the band fully embraced the messiness of long-term relationships as a core subject, setting up the deeper emotional excavation of Women in Music Pt. III.
「Nothing’s Wrong」は、『Something to Tell You』の中でも感情面の要となる楽曲です。ハイム三姉妹とAriel Rechtshaidが共作し、Rechtshaidがプロデュースしたこの曲は、疾走感のあるドラムときらめくギター、わずかなカントリー風味を持つポップ・ロックで、Fleetwood Mac的な70〜80年代の質感を現代的に再構築しています。歌詞は、ツアーから戻ったときに恋人との距離が冷え切っていることに気づく、静かな恐怖を描きます。惰性で会話をかわし、背中合わせで眠り、「何も問題ない」と言い続けることで、関係の終わりを口にすることだけは避けようとする心情がにじみます。ピッチシフトした「本当のことを言って」というフレーズや、急に音数が減るブリッジは、その否認がパニックに変わる瞬間を音そのもので演じています。批評家からもハイライトとして挙げられることが多く、シンガロングなコーラスの裏に、もっとも等身大で痛みをはらんだ歌詞が潜んでいる点が評価されています。ツアーでは定番曲となり、デビュー期の爽やかな懐古ポップから、ツアー後の日常と人間関係の複雑さを語るストーリーテラーへと、彼女たちのイメージを更新する役割を果たしました。
11. My Song 5 (Remix) (2014)
The “My Song 5” remix takes one of Days Are Gone’s strangest deep cuts and pushes it further into left-field pop. Co-written and produced by HAIM and Ariel Rechtshaid, it grinds along on blown-out drums, tuba-like bass and pitch-bent vocals, fusing indie rock, noise-pop and alternative hip-hop. Lyrically it’s a theatrical confrontation with a dishonest lover – a frustrated, almost mocking breakup speech – with A$AP Ferg adding a verse that turns the drama into a messy, modern relationship saga. The remix’s talk-show-parody video, styled after ’90s trash TV with Vanessa Bayer hosting and cameos from Kesha, Grimes, Ezra Koenig and others, underlines the song’s camp, media-saturated view of heartbreak. Culturally, “My Song 5” became a fan-favorite live moment and one of HAIM’s boldest experiments, proof they weren’t just a soft-rock nostalgia act. U2 later borrowed its central riff for “Lights of Home,” officially crediting HAIM as co-writers – a small but telling acknowledgment of the song’s influence beyond their own scene. The remix solidified their ability to sit comfortably at the intersection of rock, pop, and rap collaborations.
「My Song 5 (Remix)」は、アルバム『Days Are Gone』でもっともクセの強い曲を、さらに先鋭化させたバージョンです。作詞作曲はハイム三姉妹とAriel Rechtshaidで、彼ら自身とRechtshaidがプロデュースを担当し、歪んだドラムとチューバのような低音、ピッチをいじったボーカルが、インディー・ロック／ノイズポップとオルタナ系ヒップホップを大胆に融合させています。歌詞は、不誠実な恋人を追い詰めるような対決モードのモノローグで、A$AP Fergのヴァースが加わることで、現代的でカオティックな恋愛劇として膨らみます。ヴィデオは90年代のワイドショー風トーク番組をパロディ化し、司会のVanessa Bayerに加え、KeshaやGrimes、Ezra Koenigらが登場し、メディア時代の恋愛ドラマとしての側面を強調しています。ライブではファンの鉄板曲となり、ソフトロック回帰だけではない、実験性の高いバンド像を決定づけました。その後U2が「Lights of Home」でメインのリフを引用し、共作者クレジットを与えたことも、この曲が世代やジャンルを超えて影響力を持ったことを象徴しています。
10. Little of Your Love (2017)
“Little of Your Love” is the second single from Something to Tell You (2017), written by the three Haim sisters with Ariel Rechtshaid and produced by Rechtshaid with additional production from Rostam Batmanglij. Stylistically it’s a bright, doo-wop-inspired pop-rock song, built on piano eighth-notes, handclaps and a country-tinged guitar hook that feels made for line dancing. The lyrics are simple and direct: the narrator is willing to work hard and stick around for even “a little” of someone’s love, capturing the giddy persistence of a crush that won’t quite die. That emotional lightness matches the song’s feel-good bounce. The Paul Thomas Anderson–directed video, set in Studio City’s Oil Can Harry’s with the sisters leading a barful of dancers, turns the track into a celebratory community sing-along. Originally written “as homework” for Judd Apatow’s film Trainwreck, the song didn’t make the final soundtrack but later appeared in Lady Bird and, crucially, jump-started the writing sessions for Something to Tell You when the band were struggling to find new material. In HAIM’s trajectory, “Little of Your Love” shows how deeply they engage with American pop history—1950s rock, girl-group hooks, country rhythms—while reframing it through their own millennial, California-pop lens, reinforcing their role as meticulous yet playful editors of the pop-rock canon.
「Little of Your Love」は、セカンド・アルバム『Something to Tell You』（2017）のセカンド・シングルで、三姉妹とAriel Rechtshaidが共作し、プロデュースもRechtshaidにRostam Batmanglijが追加参加する形で手掛けています。サウンドは50年代ロック〜ドゥーワップを下敷きにしたポップロックで、ピアノの8分音符やハンドクラップ、ややカントリー風味のギターリフが、ラインダンスしたくなるような高揚感を生み出します。歌詞はタイトル通り、「ほんの少しの愛情でもいいから欲しい」と、諦めきれない恋心をストレートに歌ったもの。軽やかな執着心とフットワークの軽さが、ポジティブなバウンス感とぴったり重なります。Paul Thomas Anderson監督のMVでは、Studio CityのOil Can Harry’sを舞台に三姉妹が客と一緒にラインダンスを繰り広げ、曲を“みんなで歌う祝祭”へと拡張しています。もともとはJudd Apatow監督の映画『Trainwreck』用の“宿題曲”として書かれましたが、最終的に採用されず、のちに映画『Lady Bird』で使用されます。同時に、制作に行き詰まっていたバンドにとって、この曲を完成させることが『Something to Tell You』全体の創作を再起動させるきっかけにもなりました。キャリア的には、1950年代ロックやガールグループ的フック、カントリーリズムといったアメリカン・ポップ史を、現代のカリフォルニア・ポップとして再編集するHAIMの手腕を象徴する曲であり、ポップ／ロックの定型を遊びながら更新していく彼女たちのスタンスをよく表しています。
09. Don’t Save Me (2012)
“Don’t Save Me,” released in 2012 as the second single from Days Are Gone, was written by Alana, Danielle and Este Haim and produced by James Ford with the band. It’s a punchy pop-rock / indie-rock track built on crisp drums, chiming guitars and a subtly 80s-inflected chorus that already contains the DNA of their debut album. Lyrically, the song describes a relationship where one partner has checked out emotionally; the narrator begs not to be “saved” with empty gestures unless the other person is truly willing to show up. The tension between wanting the relationship to work and refusing half-measures gives the song its emotional bite. Premiered as Zane Lowe’s “Hottest Record” on BBC Radio 1, “Don’t Save Me” became HAIM’s first real breakthrough, reaching No. 32 on the UK Singles Chart and charting in Australia and parts of Europe. It also anchored one of their earliest high-profile TV performances on Saturday Night Live in 2013, showcasing their live tightness to a US audience. In the broader arc of their career, the song marks the moment they stepped out of the LA buzz-band circuit into wider public consciousness, establishing the blend of emotional directness, 80s-leaning rock textures and tight sibling harmonies that would define Days Are Gone and everything that followed.
「Don’t Save Me」は、2012年にリリースされたシングルで、のちにデビュー・アルバム『Days Are Gone』にも収録されました。作詞作曲は三姉妹、プロデュースはJames Fordとバンド自身の共同によるものです。サウンドはタイトなドラムと煌びやかなギターを軸にしたポップロック／インディロックで、すでに『Days Are Gone』期の80’sテイストとコーラスワークがはっきり表れています。歌詞では、相手の心がすでに離れつつある関係性が描かれ、「本気で向き合う気がないなら、形だけ“助けようとしないで”」という葛藤混じりの独立宣言が歌われます。その「まだ諦めきれない想い」と「中途半端ならいらない」という二つの感情の引き裂かれが、曲に鋭さを与えています。BBC Radio 1のZane Loweによる“Hottest Record”として初披露され、UKシングルチャートで32位、オーストラリアや欧州各国でもチャートインするなど、HAIMにとって最初の本格的ブレイクのきっかけとなりました。2013年の『Saturday Night Live』でのパフォーマンスでもキーとなる楽曲となり、USの視聴者に彼女たちのバンドとしての実力を示します。キャリア全体で見れば、LA発の注目新人から、世界的なポップロック・バンドへとステップアップする導火線となった一曲であり、以降のHAIM像を決定づけた作品と言えるでしょう。
08. I Know Alone (2020)
“I Know Alone,” from Women in Music Pt. III (2020), was written by the three Haim sisters with Ariel Rechtshaid, Rostam Batmanglij and Buddy Ross, and produced by Rostam and Ross alongside the band. Sonically it’s one of their most radical tracks: a skeletal, off-kilter UK garage-influenced beat, ghostly synths and elastic bass underpin Danielle’s hushed vocal. Though written before COVID-19, the song’s images of numbing routine, emotional flatness and the line “I know alone like no one else does” hit hard in 2020, when isolation became a global condition. The lyrics capture post-tour dislocation and depression—driving endlessly, counting cell towers, feeling pressure to “shine” on Sundays when you’re empty inside—making solitude feel both banal and overwhelming. Critically, “I Know Alone” became a keystone of Women in Music Pt. III. Pitchfork placed it at No. 51 on their “Best Songs of 2020” list and highlighted it again when naming the album among the best of the 2020s so far. For HAIM’s career, the song signaled a new level of emotional specificity and sonic experimentation, proving that their songwriting could support more fractured, electronic production without losing the warmth and vulnerability that define them. It’s often cited as their accidental “pandemic anthem,” crystallizing a shared sense of loneliness while still sounding distinctly, idiosyncratically HAIM.
「I Know Alone」は『Women in Music Pt. III』（2020）収録曲で、三姉妹に加え、Ariel Rechtshaid、Rostam Batmanglij、Buddy Rossがソングライティングに参加し、プロデュースもRostamとRoss、そしてバンド自身によって行われました。サウンド面では、UKガラージに影響を受けた不規則なビートと、幽霊のようなシンセ、しなるベースが特徴的で、HAIMの作品の中でも特に実験色の強いトラックです。楽曲自体はパンデミック前に書かれましたが、「I know alone like no one else does（誰よりも孤独を知っている）」というフレーズや、灰色に溶けていくような日々の描写は、2020年の世界的な孤立状況と強く共鳴しました。歌詞では、ツアーから戻った後の違和感や抑うつ感が、果てしなく車を走らせる感覚や、電波塔を数える退屈さ、「日曜には輝くことを期待される」プレッシャーとともに描かれ、孤独が同時に凡庸で、圧倒的なものとして提示されます。批評的には、本作はアルバムの要となる楽曲で、Pitchforkの「Best Songs of 2020」で51位に選出され、2020年代ベストアルバム特集でも重要曲として再び言及されました。キャリアの中では、感情表現の細やかさとサウンドの冒険性を同時に押し広げたポイントであり、電子的で分断されたプロダクションの中にも、HAIMらしい温度と脆さを保てることを証明した一曲と言えます。
07. If I Could Change Your Mind (2013)
“If I Could Change Your Mind,” from Days Are Gone (2013), was written by Alana, Danielle and Este Haim with producer James Ford, who co-produced the track with the band. It’s a gleaming blend of indie pop, funk rock and dance-rock, full of disco-style rhythm guitar, synth stabs and an irresistibly elastic bassline. NME compared it to a Whitney Houston record, pointing to its sleek, radio-ready polish and big emotional choruses. Lyrically, the song sits in the aftermath of a breakup: the narrator admits she was wrong and now imagines every possible way she could win her lover back, replaying decisions and “what if” scenarios. That regret, however, is wrapped in a buoyant groove, turning self-recrimination into something cathartic you can dance to. The Warren Fu–directed video, centered on tightly choreographed retro routines, became an instant fan favorite and showed the sisters embracing full-on pop-star performance. The track reached No. 27 on the UK Singles Chart and became the most-Shazamed indie rock song of 2014, extending the lifespan of Days Are Gone well into its second year. In HAIM’s career arc, it underlined their ability to channel 80s R&B and disco into something that still felt like a live rock band, cementing their reputation as shape-shifting pop formalists rather than a simple “retro” act.
「If I Could Change Your Mind」は、デビュー・アルバム『Days Are Gone』（2013）収録のシングルで、三姉妹とプロデューサーのJames Fordの共作、プロデュースもFordとバンドの共同で行われました。サウンドはインディポップ／ファンクロック／ダンスロックの華やかなミックスで、ディスコ調のギターカッティングやシンセ、しなやかなベースラインが効いた、非常に完成度の高いポップナンバーです。NMEはこの楽曲を“Whitney Houstonのレコードのようだ”と評し、その磨き抜かれたプロダクションと大仰なサビの高揚感を指摘しました。歌詞は別れの後悔がテーマで、「あの時こうしていれば」と選択のやり直しを夢想しながら、失った恋人を取り戻したいと願う姿が描かれます。しかし、その自己反省は軽快なグルーヴに包まれ、フロアで踊りながら浄化されていくような感覚を与えます。Warren Fu監督によるMVでは、レトロなダンスルーティンを前面に押し出し、彼女たちが“バンド”であると同時に“ポップスター”でもあることを印象づけました。楽曲はUKシングルチャートで27位を記録し、2014年に最もShazam検索されたインディロック曲にもなりました。『Days Are Gone』期の勢いを長く保つと同時に、80年代R&Bやディスコの語法を生バンド感と両立させるHAIMの“ポップ構造オタク”ぶりを決定づけた一曲です。
06. Now I’m In It (2019)
“Now I’m In It,” released in 2019 and later added as a bonus track to Women in Music Pt. III, was written by the three Haim sisters with Rostam Batmanglij, Ramesh Srivastava and Ariel Rechtshaid, and produced by Rechtshaid, Danielle and Rostam. Musically it’s a dense electropop / synth-pop track, pulsing with chopped vocal loops, nervous hi-hats and layered synths that feel like an anxiety attack rendered as pop. Lyrically, Danielle clarified that it isn’t a breakup song at all: the “we can’t be friends” line addresses her own mind, describing the fog and repetitive thoughts of depression and burnout. The Paul Thomas Anderson–directed video tracks her through a surreal LA day—diner shift, ambulance ride, car wash—that ends with her sisters literally pulling her out of the wash tunnel, a visual metaphor for being rescued from a depressive spiral. The song arrived just before Women in Music Pt. III and helped frame the album as their most candid, mental-health-focused work, widening the emotional range of what a HAIM single could address. It also deepened their long-running collaboration with Anderson, making the band–director partnership a recognizable part of their visual identity.
「Now I’m In It」は2019年にシングルとして発表され、その後アルバム『Women in Music Pt. III』のボーナストラックとして収録されました。ソングライティングは三姉妹とRostam Batmanglij、Ramesh Srivastava、Ariel Rechtshaidで行われ、プロデュースはRechtshaid、Danielle、Rostamが担当しています。サウンド面では、エレクトロポップ〜シンセポップ寄りのトラックで、細かく刻まれたボーカルループやハイハット、幾重にも重なったシンセが、不安発作そのもののような緊張感を作り出します。歌詞についてDanielleは、「別れの歌ではなく、自分の頭との関係を歌っている」と説明し、「We can’t be friends」というフレーズは、鬱的な思考とループし続ける脳への違和感を指していると語っています。Paul Thomas Anderson監督によるMVでは、ロサンゼルスでの奇妙な一日を経て、洗車機のトンネルから姉妹が彼女を引き出すというシーンが、抑うつ状態からの「救出」のメタファーとして描かれます。この曲は『Women in Music Pt. III』の到来を予告しつつ、メンタルヘルスを真正面から扱うバンド像を強め、HAIMのシングルが持つ感情的レンジを大きく広げました。同時に、Andersonとのコラボを“HAIMらしさ”の重要な一部として定着させた作品でもあります。
05. Falling (2013)
“Falling,” released in 2013 as the third single from Days Are Gone, is one of the core texts of HAIM’s early sound. Written by the three sisters with Morgan Nagler and produced by Ariel Rechtshaid alongside the band, it’s a pop-rock song with strong R&B and sleek synth-pop textures: snappy backing vocals, fluid basslines and shimmering keys undergird a patient, slow-building groove. Lyrically, it’s about refusing to let yourself stagnate—pushing through fear, self-sabotage and bad patterns in order to move forward (“Never look back, never give up”). That theme of self-renewal resonated with listeners and made the song feel like an anthem for growing out of your old skin. Critics highlighted “Falling” as one of the most accomplished pop songs of 2013, praising its intricate arrangement and the way it merges ’80s soft-rock gloss with modern R&B-inflected pop. Commercially, it charted in the UK and helped build momentum leading into the release of Days Are Gone, often opening or anchoring their live sets and showcasing their tight musicianship. For HAIM’s career, “Falling” is a foundational moment: it proved that their blend of nostalgia, rhythmic sophistication and emotional directness could cohere into something both deeply musical and immediately accessible.
「Falling」は、2013年に『Days Are Gone』からのサード・シングルとして発表され、初期ハイムのサウンドを象徴する“基礎テキスト”のような曲です。三姉妹とMorgan Naglerが共作し、Ariel Rechtshaidとバンド自身がプロデュースを担当。ポップ・ロックをベースにしつつ、R&Bや洗練されたシンセポップの要素を取り入れ、キレのあるコーラス、滑らかなベースライン、きらめくキーボードが、じわじわと高まっていくグルーヴを支えています。歌詞のテーマは「停滞しないこと」。恐れや自己破壊的なパターンを振り切り、前に進んでいこうとする意志が「Never look back, never give up」といったフレーズに込められています。この“自己更新”の感覚が聴き手に強く響き、自分の殻を破っていくためのアンセムとして受け止められました。批評家からは2013年を代表する完成度の高いポップソングの一つとして評価され、80年代ソフトロックの光沢と現代的なR&Bポップを見事に融合させたアレンジが称賛されています。UKチャートにもランクインし、『Days Are Gone』リリース前の期待感を高める役割を果たすと同時に、ライブではバンドのアンサンブルの巧みさを示す重要なナンバーとなりました。
04. Summer Girl (2019)
“Summer Girl” was released in 2019 as the first glimpse of Women in Music Pt. III, and it has a unique emotional weight in HAIM’s catalog. Written by the sisters with Rostam Batmanglij, Ariel Rechtshaid and Lou Reed (credited because the song deliberately references “Walk on the Wild Side”), it’s co-produced by Danielle, Rostam and Rechtshaid. Musically, it trades their usual guitar-funk for a jazzier, indie-pop palette built around upright bass, soft drums, saxophone and those “doo-doo-doo” vocal lines that echo Reed’s classic. Lyrically, Danielle wrote it while Rechtshaid was undergoing cancer treatment; she wanted to be a “light” for him when he was in a dark place, promising unconditional support—“You walk beside me, not behind me.” The Paul Thomas Anderson-directed video, with the band shedding layers as they walk through Los Angeles, turned the song into a kind of love letter to their hometown and to survival itself. Pitchfork named it Best New Track, and it’s now seen as a bridge between the glossy pop of Something to Tell You and the looser, genre-fluid experimentation of Women in Music Pt. III. As their career evolves, “Summer Girl” stands out as a mature, quietly radical moment where personal crisis, pop history and LA mythology intersect.
「Summer Girl」は2019年にリリースされたシングルで、『Women in Music Pt. III』への入口となると同時に、ハイムの作品群の中でも特別な重みを持つ曲です。三姉妹がRostam Batmanglij、Ariel Rechtshaid、そして「Walk on the Wild Side」を引用していることからクレジットされたLou Reedと共に作曲し、プロデュースはDanielle、Rostam、Rechtshaidが担当しています。サウンドは、彼女たちの得意とするギター・ファンクから一歩離れ、ウッドベースや柔らかいドラム、サックス、そしてルー・リードを想起させる「doo-doo-doo」のコーラスが特徴的な、ジャジーなインディ・ポップへと舵を切っています。歌詞は、がん治療を受けていたパートナーでもありプロデューサーでもあるRechtshaidを支えたいというDanielleの思いから生まれ、「暗闇の中の光でいたい」という無条件のサポートが歌われます。Paul Thomas Anderson監督によるMVでは、ロサンゼルスの街を歩きながら徐々に服を脱いでいく演出が、都市へのラブレターでありつつ「生き延びること」のメタファーとして機能しています。『Something to Tell You』の光沢感と、『Women in Music Pt. III』の自由度の高い実験性をつなぐ架け橋として、キャリアの中でも静かにラディカルな転換点となった一曲です。
03. The Wire (2013)
“The Wire,” from their debut album Days Are Gone (2013), is the song that truly broke HAIM into wider consciousness. Written by Alana, Danielle and Este Haim and produced by Ariel Rechtshaid together with the band, it fuses rock, soft rock and R&B into a deceptively easygoing, radio-ready package. Lyrically, the twist is that the narrator is the one doing the breaking-up, trying to soften the blow while knowing she’s still going to “hurt you more than you know.” That guilt and self-awareness are contrasted with a big, hand-clap-driven beat, slide-guitar flourishes and those instantly memorable “hey!” vocal interjections. The song became a sizable chart hit in the UK and Australia, went platinum in Australia, and appeared on numerous year-end lists, including Pitchfork’s Top 100 Tracks of 2013 and later their 200 Best Songs of the 2010s. For HAIM’s career, “The Wire” served as proof that their intricate musicianship and throwback influences could generate genuine pop anthems, not just critic-friendly deep cuts. It locked in their public image as inheritors of the Fleetwood Mac tradition—emotionally complicated relationship songs delivered with polished, hook-stuffed rock production.
「The Wire」は、デビュー・アルバム『Days Are Gone』（2013）からの一曲で、ハイムが本格的に世界へ知られるきっかけとなった代表曲です。Alana、Danielle、Esteの三姉妹が作詞作曲し、Ariel Rechtshaidとバンド自身がプロデュースを担当。ロック〜ソフトロック〜R&Bを自然に溶け合わせた、非常に聴きやすいポップ・ロックに仕上がっています。歌詞のポイントは、別れを切り出す側が語り手であり、「いくら言葉を選んでも、結局あなたを深く傷つけてしまう」と自覚しているところです。その罪悪感や葛藤が描かれつつも、実際のサウンドはハンドクラップやスライドギター、「hey!」といった掛け声を伴う、軽快で高揚感のあるものになっています。曲はイギリスやオーストラリアのチャートでヒットし、オーストラリアではプラチナ認定、さらにPitchforkの2013年年間ベストや2010年代ベスト・ソングにも選出されました。キャリア的には、ハイムの緻密な演奏力と70〜80年代的な影響が、批評家好みの“通好み”にとどまらず、真正面からのポップ・アンセムになり得ることを証明した作品と言えます。
02. The Steps (2020)
“The Steps,” from Women in Music Pt. III (2020), is one of HAIM’s most explosive rock songs. Co-written by the sisters with Rostam Batmanglij and Ariel Rechtshaid, and produced by Danielle Haim, Rostam and Rechtshaid, it blends crunchy pop-rock with a twangy country-pop edge. The arrangement is purposefully “bare-bones”: live-sounding drums, distorted guitars and bass that feel built for the stage. Lyrically, Danielle vents frustration at a partner who “doesn’t understand” her, capturing the emotional exhaustion of repeating the same arguments and being reduced to a stereotype. The vocal delivery is salty and conversational, with gang-shouted lines that make it feel like a group intervention rather than a private confession. Critics quickly singled out “The Steps” as a standout, and it was nominated for Best Rock Performance at the 63rd Grammy Awards, confirming HAIM’s status not only as pop hit-makers but as a contemporary rock band in their own right. Within their career narrative, the song is a mission statement for Women in Music Pt. III: more raw, more pissed off, but also more self-possessed. It helped shift public perception from “Fleetwood Mac-style nostalgia” toward a more rugged, genre-fluid vision of what a modern female rock band can be.
「The Steps」は、サード・アルバム『Women in Music Pt. III』（2020）を代表する、もっとも爆発力のあるロック曲の一つです。三姉妹がRostam BatmanglijとAriel Rechtshaidと共に作曲し、プロデュースもDanielle、Rostam、Rechtshaidの三人で担当しています。サウンドは、ざらついたポップ・ロックにカントリー・ポップのニュアンスを加えたもので、あえて余計な装飾を削ぎ落とした“バンド感”のある構成が特徴です。歌詞では、「わかってくれない」パートナーへの苛立ちがストレートに吐き出され、同じ口論を繰り返し、自分が決めつけられることへの疲弊が描かれます。会話のようなボーカルと、みんなで叫ぶようなフレーズが、個人的な嘆きというより“集団での喝入れ”のようなムードを生み出しています。批評家からは2020年のベストソングの一つとして称賛され、第63回グラミー賞で最優秀ロック・パフォーマンス部門にノミネートされました。キャリア的には、『Women in Music Pt. III』の方向性を象徴する一曲であり、より生々しく怒りを抱えながらも、自分たちのスタンスをはっきり示すロックバンドとしてのハイム像を確立したと言えるでしょう。
01. Want You Back (2017)
“Want You Back” is the lead single from HAIM’s second album Something to Tell You (2017), written by the three Haim sisters with longtime collaborator Ariel Rechtshaid, who also produced the track. Musically it’s a bright, 1970s-tinged pop-rock song with a hint of country rock—all clipped drums, chugging guitars and those ultra-tight sibling harmonies. Lyrically, Danielle sings from the perspective of someone who knows she messed up a relationship and is now swallowing her pride, asking for forgiveness and a second chance. That tension between self-reproach and stubborn desire runs through the verse melodies and explodes in the soaring, endlessly looping chorus. Critics hailed the song as one of 2017’s best, cementing HAIM’s reputation as expert craftsmen of emotionally direct, structurally sophisticated pop; Rolling Stone placed it in their year-end “Best Songs” list, and it quickly became a live staple. In the arc of their career, “Want You Back” proved that Days Are Gone wasn’t a fluke. It repositioned the band not just as retro-leaning blog darlings but as a major pop-rock force able to translate intricate musicianship and classic rock influences into a truly mainstream, radio-ready anthem.
「Want You Back」は、セカンド・アルバム『Something to Tell You』（2017）のリードシングルで、ハイム三姉妹と長年のコラボレーターであるAriel Rechtshaidが共作し、彼がプロデュースも手掛けた楽曲です。サウンドは70年代風味のポップ・ロックに、わずかにカントリー・ロックをにじませたスタイルで、タイトなドラムとギター、そして三姉妹ならではの緻密なコーラスワークが際立ちます。歌詞では、主人公が自らの過ちで壊してしまった恋を悔い、プライドを捨てて「やり直したい」と懇願します。その自己反省とまだ諦めきれない想いのせめぎ合いがメロディに織り込まれ、ループするサビで一気に解き放たれます。批評家からは2017年を代表するポップソングの一つとして高く評価され、ローリング・ストーンの年間ベストにも選出されました。キャリア的にも、『Days Are Gone』後もバンドの勢いが本物であることを示し、ブログ系の話題バンドから、本格的なポップ・ロックのメインストリーム勢へとポジションを押し広げた象徴的な一曲と言えます。