20. A Letter to Elise (1992)
The most fragile single from Wish, “A Letter to Elise” is a slow untying: chiming guitars and a gentle 6/8 sway under Robert Smith’s farewell addressed to an “Elise” (Kafka’s Letters to Felice shadows the title). Written by Smith with Perry Bamonte, Boris Williams, Simon Gallup, and Porl Thompson; produced by Robert Smith and David M. Allen, it became the album’s third single, peaking at UK No. 28 and US Modern Rock No. 2. The lyric reframes break-up tropes as correspondence—trying to get the truth right on paper before it drifts away. Genre: alternative rock/dream-pop ballad. Culturally, the song offered a counterweight to the ebullience of “Friday I’m in Love,” reminding audiences that The Cure’s pop is often written in pencil, smudged by feeling. For the band’s career, it underscored their gift for directness without banality, keeping pathos uncluttered and melodies luminous. Its endurance—Unplugged performances, fan covers, and continued setlist cameos—rests on that simple promise: say it softly, and it might be heard.
『Wish』からの最も繊細なシングル「A Letter to Elise」は、静かに結び目が解けていく感覚を描きます。澄んだギターと6/8の揺れに、ロバート・スミスの別れの手紙が重なる（題はカフカ『フェリーツェへの手紙』の影を帯びる）。作曲はスミスに、ペリー・バモンテ、ボリス・ウィリアムズ、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン。プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。アルバム3枚目のシングルとしてUK28位、米モダン・ロック2位を記録しました。歌詞は別離の常套句を“書簡”へと置き換え、真実が滲む前に紙へ固定しようとする試み。ジャンルはオルタナ～ドリーム・ポップのバラード。文化的には、「Friday I’m in Love」の高揚に対する対重量として作用し、キュアーのポップがしばしば“鉛筆で、感情に滲まされながら”書かれることを思い出させます。キャリア的にも、凡庸に堕さない率直さと、曇りない旋律美を両立。アンプラグドやカバー、近年のセットでも息長く愛されるのは、“静かに言えば届く”という約束の強さゆえです。
19. A Night Like This (1985)
Tucked into The Head on the Door, “A Night Like This” is midnight cinema: tremolo guitars, a sighing melody, and—crucially—Ron Howe’s alto saxophone solo cutting through the blue haze. Written by Robert Smith; produced by Robert Smith and David M. Allen (with additional production on select tracks by Howard Gray), it feels classicist yet immediate, a noir torch song recast as new-wave reverie. The lyric hovers between farewell and confession—“say goodbye on a night like this”—where desire meets damage. Genre: alternative/new wave with jazz-tinted color. Culturally, while not a universal A-side, it became a live staple and radio favorite in several territories, helping to cement the album’s reputation as the band’s most focused pop set of the ’80s. For their career, it demonstrated how elegantly The Cure could wear brass and classic chord motion without losing their silhouette. The result is a fan-canon standard: the moment when the neon goes blurry, and the heart says too much.
『The Head on the Door』に収められた「A Night Like This」は、真夜中の映画のよう。トレモロ・ギターとため息のメロディ、そしてフールズ・ダンスのロン・ハウが吹くアルト・サックスが青い靄を切り裂きます。作曲はロバート・スミス。プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン（同作の一部曲ではハワード・グレイが追加プロデュース）。古典的な趣と即時性を兼ね備えた、ニューウェイヴの夢見心地な“ノワール・バラード”です。歌詞は別れと告白の狭間に漂い、「こんな夜にさよならを」と、欲望と痛手が交差する瞬間を捉える。ジャンルはオルタナ／ニューウェイヴにジャズ色の差し色。世界的な表題曲ではないものの、各地でライヴの定番・ラジオのお気に入りとなり、80年代の“最もポップに焦点が合った”アルバム像を補強しました。キャリア的にも、ブラスやクラシカルな進行を優雅に纏いながら輪郭を失わない術を提示。ネオンが滲み、心が“言いすぎる”瞬間を固定化した、ファン定番の一曲です。
18. Hot Hot Hot!!! (1987)
From Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, “Hot Hot Hot!!!” is The Cure at their funkiest: clipped funk-rock guitars, popping bass, and Robert Smith’s yelped asides pushing the band toward the dancefloor. Written by Smith, Gallup, Tolhurst, Porl Thompson, and Boris Williams; produced by Robert Smith with David M. (Dave) Allen, it became a club favorite—François Kevorkian’s remix hit US dance charts—even as UK pop charts were cooler (No. 45). Lyrically it’s delirious and teasing, a wink amidst the album’s sprawling moods. Genre: funk rock/new wave with dance-mix DNA. Culturally, the single showcased the band’s elastic identity in the late ’80s, sitting comfortably beside “Just Like Heaven” and “Lullaby” to prove breadth without pastiche. For their career, it underlined how malleable The Cure’s rhythm section could be, a lesson many alt-acts absorbed as rock met club culture. The track’s afterlife—DJ sets, compilations, and the Mixed Up context—keeps its hips loose and its grin wide.
『Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me』からの「Hot Hot Hot!!!」は、ザ・キュアー史上もっともファンキーな瞬間。カッティングの効いたギターと跳ねるベース、スミスの甲高いアドリブがフロアへと背中を押します。作曲はスミス、ギャラップ、トールハースト、ポール・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ。プロデュースはスミスとデイヴィッド（デイヴ）・アレン。UKチャート45位ながら、フランソワ・ケヴォーキアンのリミックスが米ダンス系チャートで好成績を残し、クラブ定番に。歌詞は酩酊と茶目っ気の塊で、巨大作の中に置かれた“ウィンク”の役割。ジャンルはファンク・ロック～ニューウェイヴ（ダンス・ミックス由来の血統込み）。文化的には、同時期の「Just Like Heaven」「Lullaby」と肩を並べ、幅広さが模倣ではなく“自分たちの語法”で可能であることを証明しました。キャリア的にも、リズム・セクションの可塑性を示し、ロックとクラブ文化が交差する時代への橋渡しに。以後もDJセットや編集盤を通じ、腰の軽さと悪戯っぽい笑みを保ち続けています。
17. High (1992)
Lead single from Wish, “High” is weightless euphoria with butterflies in its stomach: vertiginous vocal leaps, glinting guitars, and a buoyant rhythm section. Written by Robert Smith, Simon Gallup, Porl Thompson, Perry Bamonte, and Boris Williams; produced by Robert Smith with David M. Allen, it topped the US Modern Rock chart and hit No. 8 in the UK, widening anticipation for the album. The lyric is infatuation as levitation—love measured in altitude rather than depth—yet Smith’s quaver sneaks fragility into the sugar rush. Genre tags: alternative pop/dream-pop. Culturally, it reset the band for the ’90s, proving that radiance could be as Cure-like as gloom, and teeing up the global sing-along of “Friday I’m in Love.” For their career, “High” reaffirmed their pop craft without sacrificing texture, showing a lineup fluent in both shimmer and shadow. It remains a gateway single, the sound of The Cure running toward the sun without losing their silhouette.
『Wish』の先行曲「High」は、胃の底に不安を忍ばせた“無重力の多幸”。ロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ペリー・バモンテ、ボリス・ウィリアムズの共作、プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。全米モダン・ロック1位、UK8位のヒットでアルバムへの期待を一気に高めました。歌詞は“高さ”で恋を測るような高揚感で、スミスの震える声が多幸の中に脆さを滲ませる。ジャンルはオルタナ・ポップ／ドリーム・ポップ寄り。文化的には、陰影だけでなく“光”もキュアーの本質であることを更新し、「Friday I’m in Love」へ続くムードを作りました。キャリア的にも、質感を失わずにポップスとしての職人技を示し、煌めきと影の両立に長けた編成であることを証明。太陽へ駆けるシルエット――それが今も入口曲として機能する理由です。
16. Underneath the Stars (2008)
As the six-minute opener to 4:13 Dream, “Underneath the Stars” feels like a late-period aurora: tidal drums, glistening delay guitars, and a vaporous vocal that stretches time. Produced by Robert Smith and Keith Uddin, it reasserts The Cure’s widescreen romanticism after a leaner 2000s stretch. Lyrically, it’s cosmic intimacy—lovers adrift beneath a universe that has been glowing for “13 billion years”—turning star-gazing into a vow. Sonically it threads shoegaze shimmer into the band’s dream-goth palette; the mix favors bloom over bite, as if the whole song were viewed through noctilucent cloud. Culturally, the track opened the album’s tour and discourse: fans and critics heard it as an echo of the Disintegration scale, proof that the band could still summon atmosphere as narrative. For their career, it framed 4:13 Dream with an unmistakably Cure statement—heart-on-sleeve grandeur without kitsch—and reaffirmed Smith’s instinct that “big feelings” deserve big reverb. It remains a lighthouse within the group’s later catalog, guiding new listeners back to the older epics while standing tall on its own swell.
『4:13 Dream』の幕開けを飾る6分の「Underneath the Stars」は、後期キュアーのオーロラのよう。ロバート・スミスとキース・ウディンのプロデュースの下、波打つドラム、遅延を効かせたギター、時間を引き延ばす歌声が、バンド本来の“広角ロマン”を取り戻します。歌詞は“宇宙的な親密さ”――「130億年」輝き続けた星空の下、漂う二人の誓い。サウンドはシューゲイズ的な揺らめきをドリーム／ゴスのパレットに織り込み、硬質さより“咲き広がる”響きを選択。文化的には、リリース期の議論とライヴの口火を切り、『Disintegration』級のスケールを想起させる曲として受け止められました。キャリア上も、過剰にせずに“感情の大きさ”をリバーブで建築するというキュアーらしさを再提示し、アルバム全体の灯台役に。後期カタログの中で、過去の大作群への入口であると同時に、単独でも堂々と輝く存在です。
15. Boys Don’t Cry (1979)
One of the band’s foundational pop statements, “Boys Don’t Cry” marries Buzzcocks-bright jangle to a rueful lyric about pride and emotional repression. Written by Robert Smith, Lol Tolhurst, and Michael Dempsey; produced by Chris Parry, it first appeared as a 1979 stand-alone UK single and later titled the U.S. compilation Boys Don’t Cry. A 1986 “New Voice – New Mix” reissue returned it to charts and to a new MTV generation. Genre: post-punk/new wave with proto-indie sparkle. The lyric’s hook—crying as forbidden masculinity—became generational shorthand, spawning covers across styles and even lending its name to films, novels, and Frank Ocean’s imprint. Culturally, it’s The Cure’s evergreen calling card: economical, bittersweet, and instantly singable. For their career, the track proved they could fuse literate melancholy with pop economy, paving a road to later classics while expanding their audience beyond the post-punk underground. It remains a gateway song, the place many listeners first learn that vulnerability can sound like a smile.
バンドの基礎を成すポップ宣言「Boys Don’t Cry」は、バズコックス風の明るいジャングル感に、プライドと感情抑圧を悔恨で描く歌詞を重ねます。作曲はロバート・スミス、ロル・トールハースト、マイケル・デンプシー。プロデュースはクリス・パリー。1979年にUKで単独シングルとして発表され、米国盤コンピ『Boys Don’t Cry』の表題にも。1986年の“New Voice – New Mix”で再ブレイクし、MTV世代にも届きました。ジャンルはポストパンク／ニューウェイヴ（のちのインディーの輝きの原型）。“泣けない男”をめぐるフックは世代の符牒となり、多様なカバーや、映画・小説、そしてFrank Oceanのインプリント名にも結実。文化的には経年劣化しない名刺代わりの一曲で、簡潔さと甘苦さ、口ずさみやすさを同時に備えます。キャリア面でも、文学的な哀愁とポップの経済性を融合できることを証明し、後の名曲群への道を拓きつつ、アンダーグラウンドの外へと聴衆を拡張しました。
14. Primary (1981)
“Primary,” the lone single from Faith, captures The Cure’s stark, skeletal turn: two bass guitars (Robert Smith and Simon Gallup) locking into a serrated, chorus-soaked lead while Lol Tolhurst’s martial drums keep everything taut. Written by Robert Smith, Simon Gallup, and Lol Tolhurst; produced by Mike Hedges with Smith, it reached No. 43 in the UK and arrived as the band were codifying an austere, nocturnal grammar. Lyrically, it reads like a cool dispatch on moral certainty eroding—“not a case of doing what’s right”—a mantra of ambiguity that would define the Faith era. Genre-wise it’s post-punk shading decisively into proto-goth, privileging negative space over riff heroics; the 12″ extended mix intensifies that hypnosis and remains a crate-diggers’ prize. Culturally, “Primary” signaled that a pop-chart presence could coexist with the band’s greyscale minimalism, bridging the nervy Seventeen Seconds palette to the spiritual desolation of Faith and the extremity of Pornography. For their career, it’s a hinge song: less-is-more arrangements, emotion by implication, and a bass-led architecture many darkwave and coldwave acts would adopt. The Cure didn’t just dim the lights here—they taught everyone how to see in the dark.
『Faith』期の唯一のシングル「Primary」は、ザ・キュアーが“骨格だけ”で勝負する転回を刻む一曲です。ロバート・スミスとサイモン・ギャラップがそれぞれベースを弾き、コーラスを深くかけたリードが鋭くうねる一方、ロル・トールハーストのマーチ風ドラムが緊張を保つ。作詞作曲はスミス／ギャラップ／トールハースト、プロデュースはマイク・ヘッジス＋スミス。UKチャート43位を記録し、バンドが禁欲的で夜行的な語法を固める只中で登場しました。歌詞は「正しさ」をめぐる確信がほどける感覚を冷ややかに提示し、『Faith』期の曖昧さの美学を象徴。ジャンル的にはポストパンクからプロト・ゴスへの明確な歩みで、リフより“余白”を主役に据えます。12インチのエクステンデッドは催眠性をさらに強め、今もコレクター垂涎。文化的には、ポップチャートの存在感とグレースケールのミニマリズムが両立し得ることを示し、『Seventeen Seconds』の神経質な音像から『Faith』～『Pornography』の深淵へ橋を架けました。キャリア的にも“少ない音で深く刺す”設計を確立し、ダークウェイヴ／コールドウェイヴの手本に。闇を作っただけでなく、その見方まで教えた曲です。
13. Charlotte Sometimes (1981)
A non-album single between Faith and Pornography, “Charlotte Sometimes” channels post-punk minimalism into literary hauntology. Written by Robert Smith, Simon Gallup, and Lol Tolhurst; produced by Mike Hedges with the band, it was recorded at Playground Studios and reached No. 44 in the UK. The lyric lifts imagery and phrasing from Penelope Farmer’s 1969 novel of the same name—identity slipping across time, faces and voices blurring—set to glassy guitar and drum-machine chill. Genre tags: gothic rock and post-punk. Culturally, it’s become a cult favorite that showcases The Cure’s bookish streak; the B-side “Splintered in Her Head” even foreshadows Pornography’s harsher textures. For the band’s trajectory, the single bridges Faith’s greyscale ambience to the abyssal intensity of 1982, proving their singles could be conceptually rich without losing atmosphere. Its influence lingers in bands that treat literature as sonic palette and in the broader goth canon, where “Charlotte” is a password for the beautiful and deeply uncanny.
『Faith』と『Pornography』の狭間に出た単発シングル「Charlotte Sometimes」は、文学的幽霊譚をポストパンクの簡素さで鳴らす一曲。ロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ロル・トールハーストの共作。マイク・ヘッジス＋バンドの共同プロデュースでPlayground Studiosにて録音され、UKチャート44位を記録。歌詞はペネロペ・ファーマーの同名小説から表現を“直引き”し、時を越えて溶ける自我や「顔と声が一つに滲む」感覚を、ガラス質のギターと冷ややかなリズムに乗せます。ジャンルはゴシック・ロック／ポストパンク。文化的にはキュアーの読書家ぶりを象徴するカルト定番で、B面「Splintered in Her Head」は『Pornography』の荒涼とした質感を先取り。キャリア的には、『Faith』のグレースケールから1982年の深淵へ渡す橋であり、コンセプトの濃さと雰囲気を両立させたシングルの好例です。
12. Close to Me (1985)
Second single from The Head on the Door, “Close to Me” turns wrist-clap percussion, wheezy keys, and a shy, close-miked vocal into one of The Cure’s most intimate pop experiments. Written by Robert Smith; produced by Smith with David M. Allen, the 7″/12″ mixes add a brass section absent from the album cut. Lyrically it’s anxious euphoria—want colliding with self-consciousness—delivered in murmurs rather than declarations. Tim Pope’s iconic video (the band crammed inside a wardrobe perched on Beachy Head, ultimately plunging into the sea) cemented the song’s uncanny charm, and a 1990 remix carried it into the Mixed Up era. Genre: nimble indie/new-wave pop with dance-pop DNA in the remix. Culturally, it’s a fan touchstone and MTV staple that taught a generation how small sounds can feel huge. For the band, it broadened their pop vocabulary without abandoning strangeness, clearing runway for later crossovers. Its afterlife—endless syncs, covers, and that unforgettable video—keeps it hovering between lullaby and panic attack, which is exactly where it belongs.
『The Head on the Door』の第2弾シングル「Close to Me」は、手拍子的パーカッションと喘ぐような鍵盤、至近距離の囁き声で親密なポップを組み上げた実験作。作曲はロバート・スミス、プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。シングル用7″／12″ミックスではアルバム版にないホーンが追加されます。歌詞は“欲望×自己意識過剰”の不安な多幸を宣言ではなく囁きで提示。ティム・ポープ監督のMV（バンドがクローゼットに押し込まれ、ビーシー・ヘッドの断崖から海へ落ちる）は曲の奇妙な魅力を決定づけ、1990年のリミックスは『Mixed Up』期へ橋渡ししました。ジャンル的にはニューウェイヴ／インディー・ポップ（リミックスはダンス・ポップ寄り）。文化的には“ささやきでも世界を満たせる”ことを示したMTV時代の象徴。バンドの語彙を拡張しつつ奇矯さを保持した点で重要作であり、現在もCM・カバー・MVの記憶とともに、“子守歌とパニックの狭間”で脈打ち続けます。
11. Fascination Street (1989)
“Fascination Street,” from Disintegration, is The Cure at their most night-stalker sleek: a prowling Simon Gallup bassline, flinty guitars, and keyboard haze driving a locked-in groove. Written by Robert Smith with Simon Gallup, Porl (Pearl) Thompson, Boris Williams, Roger O’Donnell, and Lol Tolhurst, and produced by Smith with David M. Allen, it was released first in North America (Elektra) where it topped Billboard’s then-new Modern Rock chart for seven weeks. Smith has said it was inspired by a boozy New Orleans adventure—Bourbon Street’s cynical neon becoming a metaphor for desire, dissociation, and the thrill of getting lost. Genre-wise it’s gothic/alternative rock with dance-club sinew; the famous extended 12″ mix front-loads a four-minute instrumental, making the song a DJ favorite and later a pillar of Mixed Up. Culturally, it helped launch Disintegration’s U.S. campaign, proving that The Cure’s darkest hues could still move radio and clubs. In the band’s arc, it reasserted control after pop breakthroughs, codifying a widescreen, nocturnal sound many alt-acts would chase across the ’90s. The song endures because it makes decadence feel architectural: all shadow, chrome, and momentum.
『Disintegration』収録の「Fascination Street」は、忍び歩くようなベース、硬質なギター、霞む鍵盤が錠のかかったグルーヴを駆動する“夜のキュアー”。作曲はロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ポール（パール）・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロジャー・オドネル、ロル・トールハースト。プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。北米で先行シングルとして出され、Billboardの新設モダン・ロック・チャートで7週1位を獲得しました。発想源はスミスのニューオーリンズでの酒宴――ボードヴィル的な歓楽街（バーボン・ストリート）が、欲望と解離、迷う快感の比喩に。ジャンルはゴシック～オルタナ・ロック。12インチの拡張ミックスは冒頭に長いインストを置き、DJ定番となり後に『Mixed Up』の核にもなりました。文化的には、米国での『Disintegration』攻勢を牽引し、暗い色調でもラジオ／クラブで機能することを証明。バンド史ではポップの成功後に“夜行の大画面”美学を確立し、90年代のオルタナが追った設計図に。退廃を建築のように響かせる――その影と光沢、推進力が長命の理由です。
10. Lullaby (1989)
“Lullaby” distills Disintegration’s dread into a four-minute fever dream. Written by Robert Smith with Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Roger O’Donnell, and Lol Tolhurst; produced by Smith with David M. Allen, it threads pizzicato-like guitars, creeping strings/keys, and a sleep-paralysis groove. The lyric—part nursery rhyme, part predator’s whisper—has invited readings from addiction to childhood nightmares; Smith himself has floated multiple explanations, which only deepens the spell. Genre tags: gothic rock and dark dream-pop. Culturally, it became the band’s highest-charting UK single and won major video honors for Tim Pope’s spider-room fantasia, cementing the Cure-as-cinema idea in pop consciousness. For the career, “Lullaby” proved that menace could be radio-ready, helping Disintegration balance deep cuts with singles that haunted day-time playlists. Its afterlife includes countless syncs, covers, and a generation of artists mining the uncanny valley between lullaby and lament.
「Lullaby」は、『Disintegration』が宿す不安の核を4分の悪夢へ凝縮した曲です。作曲はロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロジャー・オドネル、ロル・トールハースト。プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。ピチカート風のギターと忍び寄る鍵盤／ストリングス、金縛りのようなグルーヴが絡み合い、子守歌と捕食者の囁きが交差する歌詞は、依存や幼少期の悪夢など複数の解釈を誘います。ジャンルはゴシック・ロック～ダーク・ドリーム・ポップ。UKで自己最高位を記録し、ティム・ポープ監督の“蜘蛛の部屋”MVが映像賞を受賞。ポップ史の中で「映画のように鳴るキュアー」の像を決定づけました。キャリア的には、凄みを保ちながらラジオ適性を獲得した曲として、アルバムの濃密な曲群とデイタイムのプレイリストを橋渡し。子守歌と嘆きの“谷間”を掘り下げる後続アーティストにも、長い影を落としています。
09. One Hundred Years (1982)
Opening Pornography with the infamous line “It doesn’t matter if we all die,” “One Hundred Years” plunges into a suffocating montage of violence, numbness, and media glare. Written by Robert Smith with Simon Gallup and Lol Tolhurst; produced with Phil Thornalley (and the band), it’s a monolith of serrated guitars, war-drum toms, and organ swells that feel like black weather. Post-punk at the root, fully gothic in atmosphere, the track rejects hooks for accumulation; dread becomes structure. Culturally, it set the tone for one of the genre’s canonical albums and has been cited as a touchstone for goth, darkwave, and heavy alternative acts who learned to make intensity architectural. For The Cure’s arc, it consummated their early “austere trilogy,” after which they pivoted toward brighter singles—proof that extremes sharpen range. Live, its elongated codas turn the song into ritual, renewing the myth.
『Pornography』は「It doesn’t matter if we all die」で幕を開けます――「One Hundred Years」は暴力と無感覚、メディアの光の連打に沈む黙示録的コラージュです。作曲はロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ロル・トールハースト。プロデュースはフィル・ソーナリー（およびバンド）とともに行われ、ギザギザのギター、戦鼓のようなタム、黒雲のオルガンが重層し、フックより“蓄積”で迫る構造を作ります。根はポストパンク、空気は完全にゴシック。文化的には同作の決定的なトーンを規定し、ゴス／ダークウェイヴ／ヘヴィなオルタナにとっての基準点となりました。キャリア的にも初期“禁欲三部作”の帰結であり、その後のポップ路線への反動的な出発点。ライヴでは長いコーダによって儀式化され、曲の神話が更新され続けます。
08. Friday I’m in Love (1992)
A joyous outlier from Wish, “Friday I’m in Love” packages The Cure’s melancholic DNA into a sun-shot jangle-pop anthem. Written by Robert Smith with Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Roger O’Donnell, and Perry Bamonte; produced by Smith with David M. Allen, it rides bright chords, chiming leads, and a buoyant rhythm section. The lyric is radical simplicity—calendar-frame desire—yet Smith’s phrasing smuggles vulnerability into euphoria. Genre tags: jangle-pop and alternative pop-rock. Culturally, it became a global hit (UK No. 6; US Modern Rock No. 1), reframing public perception of the band and yielding an award-winning Tim Pope video. Its evergreen appeal shows in festival sing-alongs and cross-generational moments (right up to high-profile guest spots in the 2020s). For their career, it proved The Cure could do Technicolor without caricature, expanding their audience while keeping craft intact. The song’s influence persists wherever indie-pop dares to be unabashedly happy without losing depth.
『Wish』からの祝祭的な例外作「Friday I’m in Love」は、ザ・キュアーの憂愁を陽光に透かしたジャングル・ポップ賛歌です。作曲はロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロジャー・オドネル、ペリー・バモンテ。プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。明るいコード進行と鈴のようなギター、弾むリズムを軸に、曜日という単純な枠組みで高揚を描きますが、スミスの節回しは多幸の中に脆さを忍ばせます。ジャンルはジャングル・ポップ／オルタナ・ポップ。UK6位、米モダン・ロック1位のヒットとなり、ティム・ポープ監督の受賞MVも相まって大衆的イメージを更新。2020年代のフェスやコラボでも歌い継がれる“世代横断”の定番です。キャリア的には、色彩豊かなポップを誇張なく実現し、職人性を保ったまま聴衆を拡張できることを証明。無邪気さと奥行きを両立させるインディー・ポップの指針として今も影響を放っています。
07. Disintegration (1989)
The title track of Disintegration is The Cure at apotheosis: eight minutes of bell-toll synths, storm-cloud guitars, and a bassline that drags the heart across glass. Written by Robert Smith with Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Roger O’Donnell, and Lol Tolhurst, and produced by Smith with David M. Allen, it channels psychic free-fall into ritual. The lyric is a spiral of self-loathing and romantic ruin, spoken almost as an incantation; every swell threatens collapse, every lull feels like the eye of a broader storm. Genre wise, it fuses gothic rock’s grandeur with dream-pop drift and post-punk pulse. Culturally, the song is often cited as a peak of the band’s darker canon and a blueprint for widescreen alt melancholia, influencing later waves of shoegaze and post-rock. For the career arc, “Disintegration” anchored an album that restored the group’s gravitas and commercial power, balancing hit singles with cathedral-scale dirges. Its endurance stems from scale and clarity: it doesn’t decorate despair; it architects it.
アルバム題名曲「Disintegration」は、鐘のようなシンセ、荒天のギター、胸を引きずるベースが8分間にわたり渦巻く、ザ・キュアーの到達点です。ロバート・スミス、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロジャー・オドネル、ロル・トールハーストの共作、プロデュースはスミスとデヴィッド・M・アレン。自己嫌悪と恋の瓦解を呪文のように語る歌詞は、崩落寸前の高まりと、嵐の“目”のような静寂を往復します。ジャンル的には、ゴシック・ロックの荘厳さにドリーム・ポップの漂流感、ポストパンクの鼓動を融合。文化的には、バンドの“暗黒面”の頂点としてしばしば言及され、広角的なオルタナ憂愁の設計図として後続のシューゲイズやポストロックに影響を与えました。キャリア上は、ヒット曲群と“大聖堂級”の叙情を両立させたアルバムを支える要柱。装飾ではなく“構築”として絶望を提示する――そのスケールと明晰さが、曲を現在まで生かし続けています。
06. Play for Today (1980)
“Play for Today,” from Seventeen Seconds, captures The Cure’s transition from nervous post-punk to sculpted, vaporous minimalism. Credited to the band’s early-’80s core—Robert Smith (writer), with Simon Gallup, Matthieu Hartley, and Lol Tolhurst—and produced with Mike Hedges, it pares arrangements to sinew: metronomic drums, elastic bass, thin-air guitars, and spectral keys. The lyric turns cool detachment into drama, an address that withholds as much as it reveals; the hook (“It’s not a case of doing what’s right…”) tilts between resignation and quiet defiance. Sonically it sits at the nexus of post-punk and proto-goth, privileging negative space and chorus-kissed textures that would become the band’s calling card. Culturally, the single (a UK Top-40 entry) helped introduce The Cure’s nocturnal palette to a wider audience and set the stage for “A Forest,” establishing Seventeen Seconds as a landmark in mood-driven pop. In career terms, “Play for Today” is a hinge: it codified the group’s less-is-more grammar and opened the door to the austere trilogy completed by Faith and Pornography. Its influence echoes in coldwave and dream-pop acts who learned that restraint can be seismic—and that a whisper, properly mic’d, can feel like a verdict.
『Seventeen Seconds』収録の「Play for Today」は、初期の張りつめたポストパンクから、削ぎ落としたミニマリズムへの移行点を刻む曲です。作曲はロバート・スミス（共作にサイモン・ギャラップ、マチュー・ハートリー、ロル・トールハースト）。マイク・ヘッジスとともにプロデュースされ、メトロノームのようなドラム、伸縮するベース、空気に溶けるギター、幽霊めいたキーボードという最小限の骨格で構成されます。歌詞はクールな距離感をドラマへと反転させ、諦念と静かな反抗のあいだで揺れるフックが核。音像はポストパンクとプロト・ゴスの交点にあり、“余白”とコーラスの質感がバンドの美学を決定づけました。文化的にはUKチャート入りしたシングルとして、キュアーの夜行的なパレットを広く知らしめ、「A Forest」へと連なる地平を整備。キャリア的には、Faith～Pornographyへ続く“簡素の語法”を確立したヒンジ曲です。コールドウェイヴやドリーム・ポップに残した影響は大きく、抑制が地鳴りを生み、囁きが“判決”になり得ることを示しました。
05. Lovesong (1989)
“Lovesong,” from Disintegration, is radical in its simplicity. Produced by Robert Smith and David M. Allen, and officially credited to Smith with bandmates Simon Gallup, Porl Thompson, Roger O’Donnell, Boris Williams, and Lol Tolhurst, it originated as a wedding gift Smith wrote for Mary Poole. The arrangement is austere—stately drums, somber organ, clean guitar filigree, and a bassline that cradles the melody—letting the plainspoken lyric (“however far away… I will always love you”) carry the weight. Genre tags land between gothic pop and adult alternative, but the song’s power is its universality; it’s The Cure at their most direct. Culturally, it became their biggest U.S. hit (peaking at No. 2 on the Billboard Hot 100), later covered across genres—most famously by 311 and Adele—proving its modular strength. For The Cure’s career, “Lovesong” broadened their audience without sanding off their aura, helping Disintegration balance expansive epics with radio-ready grace. Its influence lingers in alt-pop balladry that prizes sincerity over ornament. The paradox: a band famed for labyrinthine moods wrote a standard you could play at weddings and funerals alike. “Lovesong” endures because it promises what pop rarely can—devotion, not just desire—and means every word.
『Disintegration』収録の「Lovesong」は、簡潔さゆえに大胆です。ロバート・スミスとデヴィッド・M・アレンのプロデュース。公式クレジットはスミスに、サイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ロジャー・オドネル、ボリス・ウィリアムズ、ロル・トールハーストが加わりますが、発端はスミスが妻メアリー・プールへの結婚祝いとして書いた曲。威厳あるドラム、沈鬱なオルガン、クリーンなギター装飾、旋律を抱くベース――禁欲的な編成が、率直な言葉（“どれほど離れても…いつだって愛してる”）に全重心を置きます。ジャンルはゴシック・ポップ／アダルト・オルタナの狭間。最大の力は普遍性にあり、ザ・キュアー史上もっとも直接的な告白です。全米チャート2位という最大のヒットとなり、311やアデルを含む多様なカバーが楽曲の“可塑性”を証明。バンドにとっては、オーラを損なわずに聴衆を拡げ、『Disintegration』の大作群とラジオ映えの均衡を取った要石でした。装飾より誠実さを尊ぶオルタナ・ポップのバラード観にも影響。迷宮的な感情で知られるバンドが、結婚式でも葬儀でも鳴らせる“標準曲”を書いた――ゆえに「Lovesong」は、欲望ではなく“献身”を約束する稀有なポップとして生き続けます。
04. In Between Days (1985)
“In Between Days,” produced by Robert Smith and David M. Allen for The Head on the Door, is effervescence hiding panic. Written primarily by Robert Smith, it rockets forward on acoustic-strummed sixteenths, bright chorus guitars, and buoyant bass, while keys tint everything sherbet-bright. The lyric is classic Cure duality: confessional guilt and fear of abandonment framed as a sugar rush (“yesterday I got so old… then I felt like I could die”). Genre-wise, it’s new wave meeting indie jangle, a template later echoed by ’80s-inflected 2000s guitar pop. Culturally, the single helped break The Cure wider on MTV and U.S. college radio, solidifying their status not just as mood architects but as hitmakers. Its video—Smith’s kaleidoscopic faces, jump-cut color—made the song a visual calling card. For the band’s trajectory, this track sits at the doorway (aptly): it previews the technicolor pop of Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me without abandoning the nervous energy of their post-punk roots. Influence radiates through bands that learned to write bright hooks about bleak feelings. “In Between Days” endures because it makes ambivalence sound weightless—spinning dread into a dance, and proving that the most devastating lines can arrive wearing the widest grin.
『The Head on the Door』期の「In Between Days」は、泡立つ多幸感に不安発作を隠し持つ一曲。ロバート・スミス＆デヴィッド・M・アレンのプロデュース、作曲は主にスミス。アコギの16分ストラム、明るいコーラス・ギター、弾むベース、シャーベット色の鍵盤で疾走します。歌詞はザ・キュアー的二重性の典型――罪悪感と見捨てられる恐怖を砂糖菓子の高揚で包む（“昨日は急に老け込み…死にたいほどだった”）。ジャンル的にはニューウェイヴとインディー・ジャングルの交差で、後年の“80s回帰”ギター・ポップの雛形にも。MTVと米カレッジ・ラジオでバンドの知名度を一段押し上げ、雰囲気の設計者であるだけでなくヒットメーカーであることを示しました。万華鏡のようなスミスの表情が跳ねるMVも象徴的。キャリア上はまさに“扉口”に位置し、『Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me』の極彩色ポップを先取りしつつ、ポストパンク由来の神経質な推進力を保持。明るいフックで暗い感情を書く術を多くの後続に伝え、両義性を無重力化して踊りに変える――その魔法ゆえに、今も色褪せません。
03. A Forest (1980)
“A Forest” is the blueprint. Produced with Mike Hedges (album Seventeen Seconds), and written by Robert Smith, Michael Dempsey, Matthieu Hartley, and Lol Tolhurst, it reduces rock to vaporous essentials: a stalking bass figure, skeletal drums, glassy guitar, and synth mist. The lyric is a chase through uncertainty—following a voice into woods that never resolve, desire receding with every step. Post-punk at its root and proto-goth in mood, the track swaps riff heroics for negative space; suspense becomes the hook. Smith’s clipped vocal and the relentless two-chord pulse create a trance that feels both solitary and cinematic. Culturally, “A Forest” was The Cure’s first major UK hit and the moment their aesthetic cohered: minimalist, nocturnal, and emotionally oblique. It gave goth its architecture—atmosphere as narrative—and influenced everyone from early Siouxsie/Banshees peers to later darkwave, coldwave, and even techno producers who sampled its tension. For the band’s career, it signaled a pivot from punky beginnings to an expansive, mood-led project. Live, the song grew into a ritual (elongated codas, call-and-response with the crowd), keeping its myth alive. If The Cure wrote a map to their forest of feelings, this is the legend in the corner: stark lines, endless shade.
「A Forest」は設計図そのもの。アルバム『Seventeen Seconds』期、マイク・ヘッジスと制作され、作詞作曲はロバート・スミス、マイケル・デンプシー、マチュー・ハートリー、ロル・トールハースト。忍び寄るベース、骨格的なドラム、ガラス質のギター、霧のようなシンセ――ロックを蒸留して本質だけを残した音像です。声を追って森へ踏み込み、決して解けない不確かさを彷徨う歌詞。ポストパンクを根に、感触はプロト・ゴス。リフの誇示ではなく“余白”がフックとなり、緊張そのものが物語を駆動します。スミスの切り詰めた歌と2コードの執拗な脈動は、孤独でありながら映画的なトランスを生む。文化的にはバンド初の大きなUKヒットであり、ミニマルで夜行的、感情を斜めから語る美学がここで結晶。雰囲気を構造とする“ゴスの建築”を与え、ダークウェイヴ／コールドウェイヴやテクノ系クリエイターにまで影響しました。キャリア上も、初期のパンク的手触りから“気分”を先導役にした転回点。ライヴでは長いコーダで儀式化し、神話性を更新し続けています。キュアーという“森”の地図があるなら、その凡例がこの曲です。
02. Just Like Heaven (1987)
Produced by Robert Smith and David M. Allen, and written by Smith with Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, and Lol Tolhurst, “Just Like Heaven” is The Cure’s most perfect pop miniature. A brisk 4/4 with chiming arpeggios, tumbling drums, and a buoyant bassline, it marries jangle-pop sparkle to dream-pop longing. Smith narrates a delirious seaside encounter in tactile images—“head on the ground,” “kissed her face”—then flips the rush into existential vertigo (“why are you so far away?”). The structure keeps rising—keyboard hooks, octave-leaping guitar—until the final, sighing refrain. Genre-wise it sits between new wave and dream pop, with a romantic melancholy that’s incandescent rather than dour. Culturally, it became a college-radio staple, then a crossover hit, inspiring covers from Dinosaur Jr. to Katie Melua and lending its title to a 2005 film. For The Cure, it proved they could compress their atmosphere into a three-minute classic without diluting identity, paving the way for their late-’80s imperial phase. Its influence is audible in 2000s indie (from The Shins to Death Cab) and modern dream-pop—songs that chase euphoria knowing it’s already fading. “Just Like Heaven” endures because it understands pop’s paradox: the more ephemeral the feeling, the deeper the imprint.
ロバート・スミス＆デヴィッド・M・アレンのプロデュース、作詞作曲はスミスにサイモン・ギャラップ、ポール・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロル・トールハースト。 「Just Like Heaven」はザ・キュアーが持つポップの完成形です。軽快な4/4、鈴のように響くアルペジオ、転がるドラム、弾むベースが、ジャングル・ポップの輝きとドリーム・ポップの憧憬を結びつけます。海辺の恍惚を触覚的なイメージで描きつつ、サビでは「なぜそんなに遠いの？」と高揚が不安へ転位。キーボードのフックやオクターブ跳躍するギターで構造は段階的に上昇し、ため息のような終止へ。ジャンル的にはニューウェイヴとドリーム・ポップの中間で、陰鬱ではなく“発光する”哀愁が核。カレッジ・ラジオの定番からクロスオーバー・ヒットとなり、Dinosaur Jr. らのカバーや同名映画（2005年）にも波及。バンドにとっては、空気感を3分に凝縮しても個性を失わないことを証明し、80年代後期の黄金期を後押ししました。その影響は2000年代インディーや現行ドリーム・ポップにも鮮明。刹那性が深い刻印を残す――ポップの逆説を体現する名曲です。
01. Pictures of You (1989)
“Pictures of You,” from Disintegration, crystallizes The Cure’s widescreen dream-goth aesthetic: tidal bass, glistening chorus guitars, and cathedral reverb that lets Robert Smith’s voice hover like a memory. Produced by Robert Smith and David M. Allen, and written by Smith with then-lineup Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Roger O’Donnell, and Lol Tolhurst, the track stretches time into a slow, hypnotic swell. Lyrically, it’s elegy as obsession—leafing through photographs that both soothe and wound, the narrator relives love by replaying images until they blur. The famous backstory—Smith finding a scorched photo after a house fire—mirrors the song’s ache: artifacts that survive become altars. Sonically it leans dream pop and gothic rock, with ambient keys and melodic bass guiding the arrangement more than drums do. Culturally, “Pictures of You” became a signature ballad for alternative radio in the early ’90s, influencing shoegaze and emo acts who learned to yoke grandeur to vulnerability. For The Cure’s career, it cemented Disintegration as their artistic apex: proof that melancholy could be monumental, not merely moody. The song’s afterlife—endless mixtapes, covers, and syncs—keeps it circulating as the quintessential Cure slow-burn, teaching new listeners that sometimes the sharpest truths live inside soft focus.
『Disintegration』収録の「Pictures of You」は、ザ・キュアーの“広角のドリーム・ゴス”美学を結晶化させた一曲です。ロバート・スミスとデヴィッド・M・アレンによるプロデュース、スミスにサイモン・ギャラップ、ポール（ポール）・トンプソン、ボリス・ウィリアムズ、ロジャー・オドネル、ロル・トールハーストを加えた当時の編成で作詞作曲。うねるベース、コーラスのかかったギター、聖堂のようなリバーブが、記憶の残像のようにヴォーカルを浮遊させます。歌詞は追憶の強迫――写真をめくるたびに慰めと痛みが同時に増幅し、映像はやがて滲む。火事の後に焼け跡から写真を見つけたという逸話は、遺された artefact が祭壇へと変わるこの曲の感触をなぞります。ドリーム・ポップ／ゴシック・ロック寄りの音像で、鍵盤とメロディアスなベースが構成の中心。文化的には90年代初頭のオルタナ／カレッジ・ラジオを象徴するバラードとなり、壮大さと脆さを結びつける感性をシューゲイズやエモに伝えました。バンドにとっては『Disintegration』を芸術的到達点として確定し、哀しみが“巨大さ”を纏えることを示した作。今もカバーや映像使用を通じ、柔らかなピントの中に最も鋭い真実が宿ることを語り続けます。