50. Adele - 30 (2021)
On 30, Adele turns personal upheaval into universal catharsis. Written in the wake of divorce and framed by conversations with her son, the album blends intimate piano ballads with gospel swells, cinematic strings, and moments of modern pop clarity. Rather than chasing immediacy, Adele leans into vulnerability and maturity—her voice capturing both the quiet confessions and the soaring crescendos of self-rediscovery. 30 is less about reinvention than about truth, offering a raw and compassionate portrait of a woman rebuilding her life.
『30』は、離婚と自己再生の物語を赤裸々に刻んだアデルの最も個人的なアルバムだ。息子との会話を取り入れた楽曲から、ピアノ弾き語りの告白、ゴスペルやストリングスによる壮大な高揚まで、サウンドは親密さと映画的スケールを行き来する。即効的なポップ性よりも脆さと成熟を前面に押し出し、彼女の声は傷と再生の両方を鮮烈に響かせる。『30』は革新よりも真実を選び、人生を立て直すひとりの女性の姿を慈愛と誠実さをもって描き出した作品だ。
49. yeule - softscars (2023)
On softscars, yeule turns pain into something luminous. The album folds glitch, shoegaze, and industrial textures into a world that feels both intimate and cosmic, each track bleeding with vulnerability while surging toward catharsis. Their voice, fragile yet commanding, moves through distorted walls of sound like a signal trying to break free, capturing the ache of scars that never quite heal but remain part of the body. Rather than hiding those wounds, yeule reframes them as radiant, mapping a landscape where tenderness and violence coexist. It’s a record of survival, but more importantly, of transformation—proof that fragility can hold immense power.
『softscars』でyeuleは痛みを光に変換する。グリッチやシューゲイズ、インダストリアルな質感が折り重なり、親密さと宇宙的な広がりが同居するサウンドスケープを築き上げる。脆くも力強い声は、歪んだ音の壁を突き抜ける信号のように響き、決して完全には癒えない傷の痛みを抱えながらも、それを身体の一部として受け入れていく姿を映し出す。傷を隠すのではなく、むしろ輝きへと変換することで、優しさと暴力が同居する風景を描き出す。これは生存の記録であると同時に、変容の証でもある。壊れやすさの中にこそ、圧倒的な力が宿ることを証明している。
48. Kessoku Band - Kessoku Band (2022)
“Kessoku Band” is more than just an anime soundtrack; it is a fully realized rock album that thrives on sincerity and immediacy. Blending emo, post-rock, and J-rock intensity, the record captures both the anxiety and exhilaration of youth with striking clarity. Its balance of polished production and raw urgency makes it feel simultaneously classic and contemporary, standing alongside Japan’s best band records of the past decade. Within the pop landscape, it demonstrates how fiction can give rise to a musical statement that resonates far beyond its origin.
『結束バンド』はアニメの枠を超えた、本格的なロックアルバムだ。エモ、ポストロック、Jロックの熱量を交差させ、青春の不安と高揚を真っ直ぐに刻み込む。そのサウンドは磨かれた完成度と生々しい切迫感を同時に宿し、過去10年の日本バンドシーンの名盤に並ぶ強度を持つ。フィクション発の作品でありながら、ポップの文脈において現実以上の共鳴を生み出す稀有な一枚である。
47. FKA twigs - CAPRISONGS (2022)
On CAPRISONGS, FKA twigs steps away from the cathedral-like intensity of her past work and embraces intimacy, playfulness, and community. Blending Afrobeats, dancehall, trap, and experimental pop, the mixtape functions as both diary and gathering, where fragments of voice notes and friends’ interjections expand twigs’ world beyond isolation. Vulnerability and joy coexist—heartbreak, self-doubt, and rebirth are reframed through rhythm and connection. In the context of 2020s pop, CAPRISONGS resonates as a vital document of self-reconstruction, an artist reimagining her boundaries not by retreating into mystique, but by opening up to chaos, friends, and pleasure.
『CAPRISONGS』でFKA twigsは、これまでの荘厳で孤高な美学から一歩引き、親密さと遊び心、そしてコミュニティの感覚を前面に押し出す。Afrobeats、ダンスホール、トラップ、実験的ポップを縦横に横断する本作は、日記であり同時に寄合でもあり、ボイスメモや友人の声が彼女の世界を孤独から広げていく。失恋や自己不安といった脆さと歓びが同居し、リズムとつながりの中で再生が描かれる。2020年代ポップの文脈において、本作は「謎」へ退避するのではなく、混沌や友人や快楽へと開かれることで自己を再構築した、きわめて重要な記録として響いている。
46. Run The Jewels - RTJ4 (2020)
RTJ4 is a blistering fusion of protest and pleasure, where Killer Mike’s thunderous declarations and El-P’s razor-edged production turn rage into rhythm. Released at the height of global unrest, its slogans cut as sharply as its beats, making it both a soundtrack to resistance and a reminder of hip-hop’s power to unite. Urgent, unflinching, and unforgettable.
『RTJ4』は、怒りと快楽を同じ強度で鳴らすアルバムだ。Killer Mikeの直線的な宣言とEl-Pの鋭利なプロダクションが、抗議の声をグルーヴに変換する。社会の動揺と同期して響いたそのスローガンは、抵抗のサウンドトラックであると同時に、ヒップホップが連帯を生み出す力を証明する。切迫し、揺るがず、耳に焼き付く一枚だ。
45. Fiona Apple - Fetch the Bolt Cutters (2020)
Fetch the Bolt Cutters is Fiona Apple at her most fearless: a raw, percussive, and intimate manifesto that turns daily objects and private spaces into instruments of liberation. Blurring confession and command, she dismantles shame with humor, rage, and solidarity, crafting a work as personal as it is political. A landmark of radical honesty, it sounds like nothing else — urgent, unvarnished, and utterly alive.
『Fetch the Bolt Cutters』は、Fiona Apple が最も大胆で自由な姿を刻んだ作品だ。生活の音を楽器に変え、密室の声を解放のリズムへと転じる。告白と命令、怒りと笑い、孤独と連帯を行き来しながら、恥を切り開き自己の言葉で語り直すアルバムである。飾り気なく切実で、圧倒的に生々しい、この時代を象徴する一枚だ。
44. Charli XCX - CRASH (2022)
On CRASH, Charli XCX embraces mainstream pop at its most unflinching and theatrical, transforming the album into both a celebration and a critique of stardom itself. Every glossy hook and neon synth feels sharpened by the knowledge that this was her final major-label record, making the project a self-authored mythology of death and rebirth. It’s an album that proves radicalism isn’t only found in deconstruction, but also in committing fully to the spectacle of pop—and in doing so, Charli secures her place as one of the most essential voices of her generation.
『CRASH』でCharli XCXは、メインストリーム・ポップを徹底的かつ演劇的に受け入れ、その輝きを祝祭であると同時に自己批評として提示している。契約最後の作品であるという事実が、グロッシーなフックやネオンのようなシンセに死と再生の神話性を与え、自己商品化の極北を自ら演じ切った。ここでは解体の先にある実験性ではなく、ポップのスペクタクルに完全に身を投じること自体がラディカルであることが証明されている。Charliはこのアルバムで、世代を象徴する不可欠な声としての位置を確固たるものにした。
43. Fontaines D.C. - Skinty Fia (2022)
Skinty Fia finds Fontaines D.C. expanding far beyond post-punk revivalism into something darker, stranger, and more enduring. Where earlier records thrived on raw immediacy, here they confront exile, faith, and cultural memory with a new gothic weight. Songs like “In ár gCroíthe go deo” and “I Love You” transform personal unease into communal lament, situating the band within a lineage of Irish writers as much as rock predecessors. Brooding yet unflinching, the album frames alienation not as a loss but as a haunting presence—an inheritance the band reshapes into a sound both intimate and monumental.
Skinty Fia はFontaines D.C.がポストパンクの衝動を超え、亡命や宗教、文化的記憶を真正面から掘り下げた作品だ。かつての荒々しさに代わって立ち現れるのは、ゴシックな重みと文学的な陰影。「In ár gCroíthe go deo」や「I Love You」は個人的な不安を共同体の哀歌へと変換し、バンドをロックの系譜だけでなくアイルランド文学の延長に位置づける。鬱屈しながらも誠実に鳴らされる音は、疎外を喪失ではなく“幽霊のような継承”として提示し、それを壮大かつ親密な響きに作り変えている。
42. Jazmine Sullivan - Heaux Tales (2021)
On Heaux Tales, Jazmine Sullivan reimagines R&B as a chorus of lived experiences rather than a single voice. Through spoken interludes and restrained yet piercing performances, she builds a documentary of Black women’s desires, vulnerabilities, and strategies for survival. It’s not just an album of songs but a social archive—one that transforms confession into power and intimacy into resistance.
『Heaux Tales』でJazmine Sullivanは、R&Bを一人称の物語から複数の声による証言集へと変貌させた。インタールードと抑制された歌唱を織り交ぜながら、黒人女性の欲望や脆さ、生き抜くための戦略を記録する。これは単なるアルバムではなく、告白を力に、親密さを抵抗へと転じる社会的アーカイブだ
41. Kali Uchis - ORQUÍDEAS (2024)
On ORQUÍDEAS, Kali Uchis reframes Latin pop as a space of elegance, sensuality, and self-possession. Moving seamlessly between reggaetón, bolero, R&B, and futuristic synth textures, she resists being confined to one language, culture, or genre. The album is less about cohesion than about multiplicity, offering a kaleidoscopic vision of identity where sweetness becomes defiance and intimacy feels expansive. By embracing hybridity rather than resolution, Uchis turns ORQUÍDEAS into a radiant manifesto for the global future of Latin pop.
『ORQUÍDEAS』でKali Uchisは、ラテン・ポップを単なる祝祭音楽ではなく、優雅さと官能、そして主体性を併せ持つ表現へと再定義している。レゲトンからボレロ、R&B、未来的なシンセまでを自在に横断し、英語とスペイン語の両方で自らの存在を編み直す。アルバムは統一感よりも多面性を選び取り、甘美さを武器化し、親密さを拡張する。解決ではなく混成を抱きしめることで、Uchisは『ORQUÍDEAS』をラテン・ポップの未来を照らす光のマニフェストに変えてみせた。
40. Taylor Swift - folklore (2020)
folklore is Taylor Swift’s quietest yet most radical reinvention—a retreat from stadium pop into hushed indie-folk storytelling. Written in isolation with Aaron Dessner, Jack Antonoff, and Justin Vernon, the album trades spectacle for intimacy, crafting character-driven vignettes that feel both timeless and uncannily of the moment. Its muted instrumentation—piano, fingerpicked guitar, subtle electronic textures—frames some of her sharpest writing, where love, memory, and regret unfold with literary precision. More than a genre shift, folklore cemented Swift as one of the defining songwriters of her generation, turning restraint itself into grandeur.
『folklore』は、Taylor Swiftにとって最も静かでありながら最も急進的な変貌だ。スタジアム・ポップから距離を置き、隔離下でAaron Dessner、Jack Antonoff、Justin Vernonと共に紡いだのは、囁くようなインディフォークの物語。ピアノやアルペジオ・ギター、控えめな電子音が支えるのは、愛や記憶、後悔を文学的に描く彼女の筆致の冴えだ。派手さを削ぎ落とすことで逆に壮大さを獲得したこのアルバムは、ジャンル転換にとどまらず、Swiftを「世代を代表する物語作家」として確立させた。
39. Lana Del Rey - Did you know that there's a tunnel under Ocean Blvd (2023)
Lana Del Rey’s Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd is her most intimate and unguarded work to date. Trading cinematic grandeur for hushed confessionals, she builds a world where memory, grief, and fragile faith overlap. The album feels like a personal archive—family histories, whispered prayers, unresolved silences—yet rendered with the mythic aura that has always defined her art. It is both a retreat inward and a public offering: a quiet epic that reframes pop stardom as vulnerability, solitude, and the endurance of memory.
『Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd』は、Lana Del Reyにとって最も親密で無防備な作品だ。映画的壮大さを削ぎ落とし、囁くような独白に託されたのは、記憶と喪失、そしてかすかな信仰の交錯する世界。そこには家族史や祈り、語られない沈黙がアーカイブのように収められ、それでいて彼女特有の神話的な光を帯びている。内面への退避であると同時に、聴き手へ差し出された公的な儀式でもあるこのアルバムは、ポップスター像を脆さと孤独、記憶の持続として再定義する静かな叙事詩だ。
38. Fontaines D.C. - Romance (2024)
On Romance, Fontaines D.C. embrace maximalism without losing their poetic bite. Trading the raw post-punk grit of their early years for lush, cinematic arrangements, the album feels both urgent and dreamlike. Themes of displacement, violence, and fractured intimacy are refracted through walls of guitar, electronic textures, and Grian Chatten’s unflinching delivery. It’s a bold evolution—darkly seductive, politically charged, and emotionally disorienting—that redefines the band not just as chroniclers of modern malaise, but as architects of a new kind of romanticism.
『Romance』でFontaines D.C.は、詩的な鋭さを失うことなくマキシマリズムへと舵を切った。初期のポストパンク的な荒々しさを脱ぎ捨て、シネマティックで豊潤なサウンドに進化した本作は、切迫感と夢幻性を同時に纏っている。移民や暴力、断絶した親密さといったテーマが、重厚なギターや電子的な質感、そしてGrian Chattenの揺るぎない声を通して描き出される。ダークで誘惑的でありながらも政治的・感情的に揺さぶる本作は、バンドを“現代の倦怠を記録する者”から“新しいロマンティシズムの建築家”へと変貌させた。
37. Charlotte Adigéry & Bolis Pupul - Topical Dancer (2022)
On Tropical Dancer, Charlotte Adigéry & Bolis Pupul craft a witty, infectious record where satire meets groove. With DEEWEE’s crisp production, they dissect racism, sexism, and cultural clichés through playful irony, never losing the joy of the dancefloor. It’s a rare album that feels both sharp in its critique and irresistible in its rhythm.
Charlotte Adigéry & Bolis Pupul の『Tropical Dancer』は、風刺とグルーヴを融合させたウィットに富む一枚。DEEWEEの洗練されたプロダクションのもと、人種差別やセクシズム、文化的クリシェを皮肉と遊び心で解体しつつ、ダンスフロアの楽しさを失わない。批評性と身体性を同時に響かせる稀有なアルバムだ。
36. Bad Bunny - YHLQMDLG (2020)
With YHLQMDLG, Bad Bunny reshaped the boundaries of reggaetón, fusing perreo’s raw energy with emotional storytelling and avant-garde experimentation. The album honors Puerto Rico’s street sound while propelling it onto a global stage, balancing nostalgia and futurism with effortless charisma. It is both a cultural manifesto and a dancefloor revolution—proving that pop music’s center of gravity can shift toward the Latin world without compromise.
『YHLQMDLG』でBad Bunnyは、レゲトンの枠組みを刷新し、ペレオの生々しい熱気に叙情性と実験性を重ね合わせた。プエルトリコのストリートの響きを継承しつつ、世界的ポップの舞台に押し上げ、懐古と未来志向を自在に行き来するカリスマ性を示した作品である。文化的宣言であり、同時にダンスフロアの革命——ポップの重心がラテン世界へ移りうることを証明したアルバムだ。
35. JID - The Forever Story (2022)
On The Forever Story, JID turns autobiography into myth-making, weaving intricate flows with cinematic production that shifts from soulful intimacy to explosive urgency. The album is both deeply personal and culturally resonant, reflecting on family, survival, and the weight of legacy, while reaffirming JID as one of the most dexterous and visionary rappers of his generation.
『The Forever Story』でJIDは、自伝を神話化へと昇華し、緻密なフロウを魂のこもったシネマティックなサウンドに乗せる。家族や生存、継承の重みを描きながら、個人的でありながら普遍的な響きを持ち、同時代でもっとも技巧的かつ先見性のあるラッパーの一人であることを証明している。
34. black midi - Cavalcade (2021)
On Cavalcade, black midi expand their chaotic blueprint into a baroque theater of sound. Each track feels like a fever dream where free jazz, progressive rock, and avant-garde composition collide, but the band binds the disorder with razor-sharp precision. The lyrics read like grotesque fables—satirical portraits of power, ambition, and downfall—mirroring the music’s manic ascents and sudden collapses. Far from self-indulgent, the album thrives on its extremes, proving that dissonance can be as exhilarating as melody. Cavalcade is not just experimental—it’s a dizzying performance where chaos finds its own strange clarity.
『Cavalcade』は、black midiが混沌を精密に制御しながら壮大な劇場へと拡張した作品だ。フリージャズ、プログレ、アヴァンギャルドが衝突する音像は、狂気の寓話を語るような歌詞と響き合い、権力や欲望、転落を風刺的に描き出す。めまぐるしい上昇と崩壊の連続は破綻ではなく、むしろ快楽として成立している。実験性に留まらず、混沌そのものを鮮烈な表現へと昇華したアルバムだ。
33. Ralphie Choo - SUPERNOVA (2023)
On SUPERNOVA, Ralphie Choo crafts a dazzling constellation of sound where flamenco roots, hyperpop maximalism, and cinematic electronics collide. Rather than chasing coherence, he embraces fragmentation—songs erupt, collapse, and reassemble like shifting galaxies. Lyrically, the album plays with irony, surreal imagery, and emotional vulnerability, refusing to settle into a single register of meaning. The result is less a collection of tracks than a world in flux: a portrait of contemporary identity as unstable, playful, and luminous. It is a debut that treats genre not as a boundary, but as raw material to explode and reconfigure.
『SUPERNOVA』は、ラルフィー・チューがフラメンコのルーツ、ハイパーポップ的な過剰さ、シネマティックな電子音を衝突させながら描き出した星雲のような作品だ。整合性を追うのではなく、断片性そのものを肯定し、楽曲は爆発し、崩壊し、再び組み替えられる。歌詞はアイロニー、シュールなイメージ、感情の脆さを往復し、ひとつの意味に収束することを拒む。その結果生まれるのは楽曲集ではなく、変化し続ける世界のスナップショットだ。ジャンルを境界ではなく爆発と再構成の素材とするこのデビューは、現代の不安定で遊戯的で輝くアイデンティティを鮮やかに体現している。
32. The Weeknd - Dawn FM (2022)
Dawn FM transforms The Weeknd’s glossy pop into a liminal radio broadcast between life and death. With neon synths and disco pulses reframed as existential meditation, it builds a sonic purgatory both dazzling and suffocating. It is his boldest reconfiguration of pop’s architecture, turning nostalgia into transcendence.
『Dawn FM』は、ザ・ウィークエンドの光沢あるポップを生と死の狭間を漂うラジオ放送へと変換した作品だ。ネオンのようにきらめくシンセとディスコの律動を存在論的な瞑想として再構築し、華やかさと息苦しさが共存する音の煉獄を描き出す。懐古を超越へと変える、もっとも大胆なポップの再編成だ。
31. Knocked Loose - You Won't Go Before You're Supposed To (2024)
On You Won’t Go Before You’re Supposed To, Knocked Loose distill grief and rage into 27 minutes of unrelenting force. Every riff feels sharpened to the bone, every breakdown a sudden drop into the abyss, yet the record never loses its sense of precision. It’s hardcore as both catharsis and architecture — brutal in texture, exacting in form — and its compressed intensity leaves the air vibrating long after the final note.
『You Won’t Go Before You’re Supposed To』は、Knocked Looseが悲嘆と怒りを27分間に凝縮した一撃だ。骨まで研ぎ澄まされたリフと、奈落へ突き落とすようなブレイクダウン。それでも構造は一切揺らがず、ハードコアを「感情の解放」と「緻密な建築」の両面で提示する。圧縮された強度は、終曲後も長く空気を震わせ続ける。
30. Jockstrap - I Love You Jennifer B (2022)
On their debut I Love You Jennifer B, Jockstrap conjure a pop universe where chamber strings collide with glitchy beats, and theatrical ballads melt into club euphoria. Georgia Ellery’s crystalline voice drifts between sincerity and mischief, while Taylor Skye’s production edits scenes like a fever-dream film. It’s highbrow and chaotic, intimate and explosive — proof that pop can be as strange as it is irresistible.
デビュー作『I Love You Jennifer B』でJockstrapは、室内楽の弦とグリッチビートを衝突させ、劇場的バラードをクラブの多幸感へと溶かし込むポップの宇宙を描き出した。ジョージア・エリーの澄み切った声は誠実さと悪戯心を行き来し、テイラー・スカイのプロダクションは幻熱の映画のように場面を編集する。高貴で混沌、親密で爆発的——ポップがこれほど奇妙で抗いがたいことを証明する一枚だ。
29. Olivia Rodrigo - GUTS (2023)
With GUTS, Olivia Rodrigo trades the heartbreak diary of SOUR for a sharper, messier coming-of-age scrapbook. Jumping between fuzz-blasted pop-punk, sly garage rock, and tender piano ballads, she turns jealousy, bad decisions, and self-doubt into anthems that are as self-aware as they are cathartic. It’s a record that thrives on contradiction — loud yet vulnerable, sarcastic yet sincere — capturing the restless charm of being not quite grown, and not wanting to be.
『GUTS』でオリヴィア・ロドリゴは、『SOUR』の失恋日記から、より鋭く、より混沌とした青春スクラップブックへと舵を切った。ファズまみれのポップパンク、皮肉なガレージロック、そして繊細なピアノバラードを行き来し、嫉妬や軽率な選択、自己不信をセルフアウェアかつカタルシスあふれるアンセムに変える。大声で叫びながら脆く、皮肉を飛ばしながら誠実――そんな矛盾を抱えたまま、大人未満の落ち着かない魅力を刻み込んだ作品だ。
28. The Cure - Songs of a Lost World (2024)
Sixteen years since their last album, The Cure return with a slow, weighty procession of loss, aging, and quiet grandeur. Songs of a Lost World trades urgency for vastness — long, tom-heavy rhythms, bass like a fixed horizon, and cold beams of synth frame Robert Smith’s unshaken voice. These songs don’t seek resolution; they linger in the moment before acceptance, finding beauty in the gravity of time.
16年ぶりに帰還したThe Cureは、喪失と老い、静かな威厳をたたえた重くゆっくりとした行進を描く。『Songs of a Lost World』は、切迫感の代わりに広がりを選び、タム主体の長いリズム、地平を固定するベース、冷たいシンセの光が、Robert Smithの揺るがぬ声を包む。受容の一歩手前に留まり、時間の重力そのものに美を見いだす一枚だ。
27. Tyler, The Creator - CALL ME IF YOU GET LOST (2021)
On CALL ME IF YOU GET LOST, Tyler, The Creator fuses the braggadocio of mixtape-era rap with the lush, genre-hopping production of his post-Flower Boy work. Guided by DJ Drama’s ever-present hype, he turns tales of travel, romance, and self-reinvention into a collage of dusty beats, opulent strings, and candid confessionals. It’s a victory lap that refuses to hide its cracks — proof that growth can be as messy as it is grand.
『CALL ME IF YOU GET LOST』でTyler, The Creatorは、ミックステープ時代の豪放なラップと、『Flower Boy』以降のジャンル越境的で豊潤なプロダクションを融合させた。DJ Dramaの煽りを背に、旅、恋愛、自己再構築の物語を、土埃舞うビートと豪奢なストリングス、率直な告白でコラージュする。勝利を祝うと同時に、その綻びも隠さない──成長が華やかさと同じくらい混沌を伴うことを示す一枚だ。
26. Mitski - The Land Is Inhospitable and So Are We (2023)
In just 32 minutes, Mitski crafts her most intimate and “American” work yet — a quiet epic of love, shame, and the traces we leave behind. Sparse Americana arrangements bloom briefly into choral and orchestral swells, turning private confessions into moments of communal witness. With simple, enduring images — frost, stars, the land itself — she frames love not as possession, but as a light to be left for others.
わずか32分で、Mitskiは自身最も親密で“アメリカ的”な作品を紡ぐ。愛と恥、そして残していく痕跡の静かな叙事詩。木質なアメリカーナは時折、合唱や管弦の膨らみを見せ、個人的な告白を共同体の証言へと変える。霜や星、土地といった簡素で永続的なイメージを通して、彼女は愛を所有ではなく、他者へ託す光として描き出す。
25. billy woods & Kenny Segal - Maps (2023)
On Maps, billy woods turns the dislocation of constant travel into a dense, cinematic diary — part tour log, part geopolitical field note. Kenny Segal’s production breathes with open space yet teems with granular detail, allowing woods’ fragmented narratives to blur between personal confession and global observation. It’s an album that moves like a train at night: steady, reflective, and full of passing images that linger long after they’re gone.
『Maps』でbilly woodsは、絶え間ない移動による浮遊感を、ツアー記録と地政学的フィールドノートを兼ねた濃密な日記に変える。Kenny Segalのプロダクションは開放感と緻密さを同居させ、woodsの断片的な物語を、私的な告白と世界的視座のあいだで揺らめかせる。深夜列車のように、静かで着実に進みながら、過ぎ去ってもなお残響する光景を積み重ねていく作品だ。
24. Kali Uchis - Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞ (2020)
On Sin Miedo, Kali Uchis steps fully into her bilingual, borderless vision—melding R&B’s sensual fluidity with reggaetón’s pulse, bolero’s intimacy, and dream-pop’s haze. Sung mostly in Spanish, the album resists the spectacle of genre fusion, instead weaving its influences into a seamless, weightless flow. “Telepatía” may have carried her furthest commercially, but the record’s real triumph is how it normalizes a transnational pop identity without compromise, treating language not as a barrier but as part of the texture of desire.
『Sin Miedo』でKali Uchisは、バイリンガルかつ国境を超えたビジョンを全開にし、R&Bの官能的な流動性に、レゲトンの鼓動、ボレロの親密さ、ドリームポップの霞を溶け込ませる。スペイン語主体ながら、ジャンル越境を見せびらかすのではなく、各要素を違和感なく編み込み、無重力のような流れを作り出す。「Telepatía」が商業的成功を牽引したが、真の達成は、言語を障壁ではなく欲望の質感として扱い、妥協のないトランスナショナルなポップの在り方を自然体で提示した点にある。
23. Model/Actriz - Dogsbody (2023)
Dogsbody is a feverish plunge into the city’s underbelly, where power, desire, and shame blur into a single pulse. Model/Actriz fuse post-punk abrasion with the physical pull of club rhythms, their sound taut as a held breath. Cole Haden’s theatrical delivery turns each lyric into both confession and performance, making the album feel like a night that never quite ends—charged, dangerous, and uncomfortably intimate.
『Dogsbody』は、都市の底流へと沈み込み、権力・欲望・羞恥がひとつの脈動に溶け合う熱に満ちた作品だ。Model/Actrizはポストパンクの研ぎ澄まされた荒々しさと、クラブの肉体的な引力を結びつけ、その音は息を止めたままのような緊張感を保つ。Cole Hadenの演劇的な歌声は、歌詞を告白であり同時にパフォーマンスでもあるものへと変え、アルバム全体を終わらない夜のように――熱く、危うく、そして不穏なほど親密に――響かせている。
22. Tinashe - 333 (2021)
On 333, Tinashe fully embraces her independence, crafting a seamless fusion of R&B, house, pop, and experimental textures without the constraints of major-label formulas. Every track feels like a self-contained world, yet together they form an airy, club-ready continuum that’s as intimate as it is kinetic. It’s a record that affirms Tinashe’s position not just as a pop shapeshifter, but as a visionary architect of her own sonic universe.
『333』でTinasheは完全に自立した表現者となり、R&B・ハウス・ポップ・実験的テクスチャを縦横無尽に融合させながら、メジャー時代の制約を軽やかに飛び越えてみせる。各曲は独立した世界を持ちながら、全体では親密さと躍動感を併せ持つクラブ／リスニング両対応の連続体を描き出す。ポップの変幻自在な存在であると同時に、自らの音響宇宙を設計するビジョナリーであることを証明した作品だ。
21. Perfume Genius - Set My Heart On Fire Immediately (2020)
On Set My Heart On Fire Immediately, Perfume Genius strips away ornamentation without losing grandeur, grounding his music in a tactile, bodily presence. Mike Hadreas moves effortlessly between lush Americana, airy pop, and minimalist textures, each track radiating intimacy while refusing to collapse into fragility. Produced with Blake Mills, the album turns queer desire and personal history into something both deeply specific and universally felt—a rare work where every shift in tone feels like a deliberate breath.
『Set My Heart On Fire Immediately』でPerfume Geniusは、華美さを削ぎ落としながらも壮大さを保ち、音楽を触覚的で肉体的な存在感に根ざさせている。マイク・ハドレアスは、豊潤なアメリカーナ、軽やかなポップ、ミニマルな質感を自在に行き来しつつ、親密さを放ちながらも脆さに収束しない。Blake Millsとの共同制作によって、クィアとしての欲望や個人的な歴史が、きわめて個別的でありながら普遍的にも響く物語へと昇華された、稀有な作品だ。
20. Sexyy Red - Hood Hottest Princess (2023)
“Hood Hottest Princess” distills Sexyy Red’s raw charisma into a set of blunt, hook-driven tracks that feel less like an album and more like a cultural broadcast. Its viral chants and unapologetic street realism reshape the boundaries of feminine power in trap, turning slang and onomatopoeia into social currency. A snapshot of mid-2020s club culture—unrefined, magnetic, and impossible to ignore.
『Hood Hottest Princess』は、Sexyy Redの生のカリスマを、率直でフック重視の楽曲群に凝縮した作品だ。アルバムというより、文化的電波の発信に近い。バイラルな掛け声と遠慮のないストリートのリアリズムが、トラップにおける女性的パワーの境界を更新し、スラングやオノマトペを社会的通貨へと変えていく。2020年代半ばのクラブ文化を切り取った――粗削りで、磁力があり、無視できない記録である。
19. Moses Sumney - græ (2020)
On græ, Moses Sumney dismantles genre and identity with rare precision, weaving R&B, folk, and ambient textures into a fluid, unbordered whole. Across its two-part structure, the album embraces the grey—the unclassifiable space between binaries—as both theme and sound, balancing intellectual rigor with vulnerable intimacy. A landmark of 2020s art-R&B, græ rejects resolution, instead finding beauty in the undefined.
『græ』でMoses Sumneyは、ジャンルやアイデンティティの境界を解体し、R&B・フォーク・アンビエントの質感を縫い合わせた流動的で無境界な作品を作り上げた。二部構成を通じて、二元論の間にある「灰色」をテーマとサウンドの両面で抱きしめ、知的な精密さと脆い親密さを同居させる。2020年代アートR&Bの金字塔であり、結論を拒み、未定義の中に美を見出すアルバム。
18. Jessica Pratt - Here in the Pitch (2024)
Jessica Pratt distills her hypnagogic folk into its most lucid form on Here in the Pitch. Each song feels like a memory half-recalled, cloaked in warm haze yet sharpened by precise melodic turns. The expanded instrumentation deepens her world without breaking its delicate spell, revealing an artist who understands that silence and restraint can be as commanding as volume. A masterclass in intimacy that lingers long after the final note.
ジェシカ・プラットは『Here in the Pitch』で、夢の中のようなフォークを最も澄んだ形へと結晶させた。半ば忘れかけた記憶のような楽曲は、温かな霞に包まれながらも、緻密な旋律のひねりで輪郭を得る。拡張された音像はその繊細な魔法を壊すことなく世界を深め、静けさと抑制が音量と同じほど強く響くことを証明する。最後の音が消えても長く残響する、親密さの極み。
17. Kelela - Raven (2023)
Kelela’s Raven turns the dancefloor into an intimate, humid space where liberation feels both political and deeply personal. Blending aqueous R&B, drum’n’bass undercurrents, and ambient drift, she builds a club for the unspoken—rooted in Black and queer legacies yet unbound by them. Every track breathes with restraint and tension, refusing to overstate, letting desire and vulnerability seep through the cracks. It’s not just a return after six years; it’s a patient, shape-shifting statement that makes quiet defiance feel ecstatic.
『Raven』は、ダンスフロアを湿度のある親密な空間へと変え、解放を政治的でありながら極めて個人的なものとして響かせる。水のようなR&Bにドラムンベースのうねりとアンビエントの漂いを織り込み、黒人とクィアのレガシーに根ざしつつ、その枠を軽やかに超える。どの曲も抑制と緊張を孕み、語りすぎずに欲望や脆さを滲ませる。6年ぶりの帰還にして、静かな反抗を歓喜へと変える、形を変え続けるステートメントだ。
16. Jessie Ware - What's Your Pleasure? (2020)
“What’s Your Pleasure?” distills disco’s euphoria into a precise architecture of desire—every bassline, string flourish, and whispered vocal calibrated for both intimacy and abandon. Jessie Ware transforms the dance floor into a cinematic space, where pleasure is not escape but presence. In a year starved of communal rhythm, she delivered a record that feels timeless, sensual, and meticulously alive—proof that elegance can still make you sweat.
『What’s Your Pleasure?』は、ディスコの多幸感を欲望の精緻な設計図に落とし込み、ベースラインやストリングス、囁くような声までが親密さと解放感の両方に向けて緻密に構築されている。Jessie Wareはダンスフロアを映画的な空間へと変え、快楽を逃避ではなく“今ここ”にある感覚として提示した。共同のリズムが失われた年に、彼女は時代を超えて感覚を揺さぶる、エレガントでありながら汗ばむほど生き生きとした作品を届けた。
15. Beyoncé - COWBOY CARTER (2024)
Beyoncé’s COWBOY CARTER reframes country music through a prism of Black history, Southern pride, and genre-bending precision. Rather than chasing purity, she dismantles the genre’s walls—blending country, soul, gospel, and R&B with an editorial clarity that rewrites its narrative. The album is less a reclamation than a reconstruction: a celebration, a political statement, and a reminder that American music has always been hybrid at its core.
『COWBOY CARTER』は、黒人史と南部の誇り、そして緻密なジャンル横断を通じてカントリーを再構築する。純粋性を求めるのではなく、ジャンルの壁を解体し、ソウル、ゴスペル、R&Bを有機的に織り交ぜながら、その物語を編集し直す。これは奪還ではなく再設計――祝祭であり、政治的な宣言であり、アメリカ音楽が本質的にハイブリッドであったことを鮮やかに証明する一枚だ。
14. C. Tangana - El Madrileño (2021)
A masterclass in recontextualizing tradition, El Madrileño fuses flamenco, bolero, bachata, and urbano with effortless narrative flow. C. Tangana turns collaboration into a multi-voiced portrait of Madrid’s cultural crossroads, balancing swagger with vulnerability. Every track feels both rooted and nomadic, proving that reinvention works best when it honors its source while refusing to be confined by it.
伝統の再文脈化における傑作。フラメンコ、ボレロ、バチャータ、ウルバーノを自在に行き来し、物語の流れに溶け込ませる。C. Tanganaはコラボレーションを通して、マドリッドという文化交差点の多声的な肖像を描き、誇りと脆さを同時に刻み込む。ルーツを尊重しながらも枠に収まらない、その必然的な再発明が光るアルバム。
13. Bladee – Cold Visions (2024)
Cold Visions is Bladee’s most unflinching work — thirty tracks of scorched textures, blown-out distortion, and haunting melody fragments stitched into a fever dream. It’s an overwhelming document of anger, grief, and self-reckoning, where noise becomes confession and excess becomes clarity. In its relentless chaos, Bladee finds a rare precision: a portrait of collapse that feels strangely whole.
『Cold Visions』は、Bladeeがこれまでで最も容赦なく自己をさらけ出した作品。焼け焦げた質感、爆ぜるディストーション、幽霊のように漂う旋律の断片が、悪夢と幻覚のように縫い合わされる。怒りと喪失、自己精算の記録として、ノイズは告白に、過剰は透徹へと変わる。混沌の中でのみ見出される精緻さ──崩壊の肖像が、不思議なほど完全に立ち上がる。
12. Alvvays - Blue Rev (2022)
Blue Rev distills Alvvays’ knack for bittersweet melody into a dazzling rush of precision and chaos. Molly Rankin’s voice floats above a dense, shimmering wall of guitars, balancing shoegaze haze with power-pop immediacy. Lyrically, it captures fleeting relationships and the quiet violence of nostalgia without romanticizing them, turning small vignettes into something cinematic. Every song feels meticulously built yet breathes with spontaneity, making the album both airtight and alive — a rare indie rock record that expands its genre without losing intimacy.
『Blue Rev』は、Alvvaysの持つほろ苦いメロディ感覚を、精密さと混沌が同時に疾走する輝きへと凝縮した作品。モリー・ランキンの声は濃密で煌めくギターの壁をすり抜け、シューゲイズ的な霞とパワーポップの即時性を行き来する。歌詞は刹那的な関係や、甘美化しない郷愁の静かな暴力を切り取り、小さな情景を映画のように昇華。緻密に構築されながらも自発性が息づく曲ばかりで、ジャンルを拡張しながら親密さを失わない稀有なインディロック作品となっている。
11. Amaarae - Fountain Baby (2023)
Fountain Baby shatters genre borders with effortless precision, blending Afropop, R&B, hyperpop, and rock into a seamless, shimmering whole. Amaarae’s high, androgynous voice becomes the thread binding playful sensuality, sly self-mythology, and radical autonomy. Each track feels like a world built for both dancefloor release and close, intimate listening—an album that redefines what global pop can be without ever losing its sense of freedom.
Fountain Baby はアフロポップ、R&B、ハイパーポップ、ロックを軽やかに越境し、精緻でありながら解放感あふれる世界を描く。ハイトーンで中性的な声が、官能、遊び心、自己神話化を有機的に結びつけ、全編を貫く。ダンスフロアの熱狂とパーソナルな親密さが同居し、「グローバルポップ」の新たな姿を提示する作品。
10. Sufjan Stevens - Javelin (2023)
A radiant requiem that bridges the intimate and the cosmic, Javelin distills Sufjan Stevens’ vast sonic palette into something both fragile and immense. Layering hushed confessionals with lush, celestial arrangements, it reconciles grief and devotion without sentimentality. This is Stevens at his most complete — revisiting past selves, reframing them through a lens of hard-earned clarity, and offering not closure, but an open sky.
静と壮麗が交差する光のレクイエム。『Javelin』はSufjan Stevensの広大な音楽的語彙を、繊細さと圧倒的スケールを併せ持つ形へと凝縮している。親密な告白と天上のような編曲を重ね、悲嘆と献身を感傷に溺れることなく結びつける。過去の自分を再訪し、獲得した明晰さで再編集する──それは終わりではなく、果てしなく広がる空を差し出す行為だ。
09. Sudan Archives - Natural Brown Prom Queen (2022)
A dizzying, shape-shifting statement where Sudan Archives bends R&B, hip-hop, funk, and avant-pop into her own violin-laced universe. Natural Brown Prom Queen is both playful and unflinchingly personal, moving between vulnerability and bravado with seamless fluidity. It’s a masterclass in self-mythology — redefining what a pop record can be while never losing sight of joy.
R&B、ヒップホップ、ファンク、アヴァンポップをヴァイオリンの響きとともに自在に折り曲げ、自らの宇宙へと編み込んだめくるめく変貌のステートメント。『Natural Brown Prom Queen』は、遊び心と赤裸々さを同居させ、脆さと強気を縦横無尽に行き来する。ポップアルバムのあり方を再定義しながら、その根底にある喜びを決して手放さない、自己神話化の鮮やかな手本だ。
08. SZA - SOS (2022)
On SOS, SZA turns vulnerability into a vast, shapeshifting universe. Weaving R&B, alt-pop, rap cadences, and guitar-driven textures, she dismantles genre boundaries as easily as she confesses doubt, desire, and defiance. The album’s sprawling form mirrors the messiness of love and self-definition, yet every pivot feels intentional—each track a new facet of her restless emotional range. SOS is both intimate diary and widescreen statement, reaffirming SZA as one of the most dynamic voices of her generation.
『SOS』は、SZAが脆さを広大で変幻自在な宇宙へと変換した作品だ。R&B、オルタナ・ポップ、ラップ的なフロウ、ギター主体の質感を自在に行き来しながら、ジャンルの境界を軽やかに越え、疑念や欲望、反抗心を率直に吐き出す。愛や自己定義の混沌を映し出すようにアルバムは大きく広がりつつも、その転換はすべて必然であり、彼女の感情の多面性を鮮やかに浮かび上がらせる。『SOS』は親密な日記であり、同時にワイドスクリーンの声明であり、SZAが同時代で最もダイナミックな声の持ち主であることを改めて証明している。
07. Caroline Polachek - Desire, I Want to Turn Into You (2023)
A fluid masterpiece where desire morphs into sound — Caroline Polachek dissolves pop’s borders with fearless genre collisions, luminous vocals, and an almost physical sense of motion. As intimate as it is expansive, this is art-pop at its most inviting and transformative.
欲望がそのまま音に変わる——Caroline Polachekは、ジャンルの境界を溶かし、輝く歌声と身体的な躍動感でポップを更新する。親密さと広がりを同時に抱く、もっとも開かれ、もっとも変容的なアートポップ。
06. Turnstile - GLOW ON (2021)
A genre-defying burst of joy, GLOW ON reshapes hardcore with radiant openness. Turnstile keep the energy and brevity of the genre intact, but infuse it with dream pop shimmer, funk grooves, and ambient interludes, crafting a sequence that feels both explosive and weightless. Every track is a spark — physical, communal, and unafraid to embrace warmth — proving that punk can celebrate without losing its edge.
ジャンルを越えた高揚感に満ちた『GLOW ON』は、ハードコアを鮮やかな開放性で再構築する。短尺で衝動的な核はそのままに、ドリームポップのきらめきやファンクのグルーヴ、アンビエントの余白を織り込み、爆発力と軽やかさが同居する流れを描く。すべての曲が身体的で共同体的、そして温かさを恐れない輝きとなり、パンクが祝祭を奏でてもなお鋭さを失わないことを証明している。
05. Charli xcx - BRAT (2024)
A razor-sharp manifesto of modern pop minimalism, “BRAT” distills Charli XCX’s self-mythology into a lean, relentless rush. Every beat lands with calculated precision, every lyric teeters between bravado and vulnerability. It’s not about reinventing pop’s language, but editing it to perfection—turning the familiar into something cutting, slick, and undeniably hers. A record that defines the sound and attitude of its summer, and perhaps of the decade.
現代ポップ・ミニマリズムの鋭利な宣言。「BRAT」はCharli XCXの自己神話を、研ぎ澄まされた衝動として凝縮する。一音ごとに精密さが宿り、歌詞は虚勢と脆さの境界を行き来する。ポップの言語を作り変えるのではなく、徹底的に編集し直すことで、馴染みある形を切れ味と洗練に変える。ひと夏、いやひとつの時代の音と態度を決定づけるアルバム。
04. Playboi Carti - Whole Lotta Red (2020)
A chaotic, abrasive, and hypnotically minimal work that redefines rap’s boundaries. Whole Lotta Red strips away polish to reveal raw instinct — distorted beats, vampiric energy, and Carti’s fragmented delivery coalesce into a living, breathing subculture. It’s not about perfection, but about occupying a space where rebellion feels inevitable.
混沌としたノイズと催眠的なミニマリズムが交差し、ラップの境界を塗り替える一作。『Whole Lotta Red』は磨きを捨て、本能むき出しの衝動を提示する。歪んだビート、吸血鬼的なエネルギー、断片的なフロウがひとつの生きたサブカルチャーとなり、完璧さではなく、反逆が必然となる空間を生み出している。
03. Phoebe Bridgers - Punisher (2020)
A quiet storm beneath the surface, Punisher is Phoebe Bridgers’ most haunting statement—an album where tender arrangements mask unspoken rage and loss. Blending delicate indie folk textures with dreamlike production, it invites you to read between the lines, where the emotional weight truly lives. A masterclass in restraint and revelation.
静かな嵐を内包する『Punisher』は、Phoebe Bridgersの最も胸を打つ作品。繊細なフォーク・サウンドと夢のような音像が、語られない怒りや喪失をそっと覆い隠す。行間に潜む感情の重みこそが、このアルバムの真の核心。抑制と開示の美学を極めた傑作。
02. ROSALÍA - MOTOMAMI (2022)
A daring self-portrait built from reggaetón’s pulse, flamenco roots, and a kaleidoscope of global sounds, “MOTOMAMI” is Rosalía at her most inventive and intimate. Every track bends form and expectation, stitching minimalism, tradition, and digital experimentation into a cohesive, exhilarating whole. It’s pop as collage — fearless, precise, and deeply personal.
レゲトンの鼓動、フラメンコの血脈、そして世界各地の音を縫い合わせた、大胆かつ親密な自画像。『MOTOMAMI』のRosalíaは、最小限の音と伝統、デジタル実験を自在に組み合わせ、既存の形式と期待を鮮やかに裏切る。恐れを知らず、緻密で、そして何より個人的な——コラージュとしてのポップの極致。
01. Beyoncé - RENAISSANCE (2022)
Beyoncé’s finest work to date — a seamless, euphoric journey through Black queer club history, house, disco, and ballroom culture, reimagined with surgical precision and radiant freedom. Every transition feels intentional, every groove a celebration, and every vocal layer an instrument of liberation. “RENAISSANCE” doesn’t just bridge past and present — it builds a living archive that moves both body and spirit.
Beyoncé史上最高傑作。ブラック・クィアのクラブ史、ハウス、ディスコ、ボールルーム文化を、精緻かつ解放的なエネルギーで再構築した祝祭の旅。すべての曲間は必然的に繋がり、すべてのグルーヴが歓びを刻み、すべての声が解放の楽器となる。過去と現在を繋ぐだけでなく、身体と心を同時に揺らす“生きたアーカイブ”を築き上げた。
