20. Don't You Remember (2011)
“Don’t You Remember” is a poignant country-tinged ballad by Adele, co-written with producer Dan Wilson. Included in her 2011 album 21, the song features acoustic guitar, subtle percussion, and restrained orchestral touches, creating a gentle yet emotionally heavy soundscape. The arrangement allows Adele’s vocals to move from tender vulnerability to soaring heartbreak.
The lyrics explore the aftermath of a breakup, with Adele pleading for her former lover to recall the better moments of their relationship. She reflects on her own shortcomings and wonders if they caused the love to fade, blending self-blame with deep sorrow. The repeated question, “Don’t you remember?”, resonates with anyone who has grappled with the lingering ache of lost love.
Though not released as a single, “Don’t You Remember” became a beloved album track, praised for its emotional honesty and country-soul influences. It highlighted another side of Adele’s artistry, showing her ability to channel Americana and folk sensibilities into her music without losing her signature emotional intensity. The song contributed to the overall depth and timeless quality of 21, reinforcing the album’s reputation as one of the definitive heartbreak records of the 21st century.
「Don’t You Remember」は、アデルがプロデューサーのダン・ウィルソンと共作した、カントリー風味の切ないバラードです。2011年のアルバム『21』に収録され、アコースティックギターと控えめなパーカッション、繊細なオーケストレーションが、柔らかくも重厚な音の世界を作り出しています。
歌詞は、別れた相手にかつての愛を思い出してほしいと願う心情を描いています。自身の過ちを振り返りながらも、失った愛への痛切な想いがにじみ出ています。「Don’t you remember?」という問いかけが、心に深く響きます。
シングルカットはされませんでしたが、アルバムの中でも特に愛される一曲となり、カントリーやフォークの要素を取り入れたアデルの多様な表現力を示しました。『21』の持つ普遍的な深みを支えた重要な楽曲の一つです。
19. Turning Tables (2011)
“Turning Tables” is a stirring ballad by Adele, co-written with Ryan Tedder, who also produced the track. Featured on her 2011 album 21, the song pairs sweeping piano accompaniment with subtle orchestral strings, building a dramatic yet restrained soundscape that highlights Adele’s emotional vocal delivery.
The lyrics explore the pain and emotional exhaustion of a relationship defined by manipulation and instability. Adele sings about reclaiming her strength and setting boundaries, refusing to be pulled back into cycles of conflict. The phrase “turning tables” symbolizes shifting power dynamics and the decision to finally walk away from toxicity.
Though not as commercially dominant as 21’s biggest singles, “Turning Tables” received critical acclaim for its elegance and vulnerability. The song became a fan favorite and gained additional recognition when it was covered on Glee, introducing it to an even wider audience. It helped solidify Adele’s reputation as a master of emotional storytelling, with her ability to convey sorrow and resilience in a single breath. “Turning Tables” stands as one of the quintessential examples of her artistry during the 21 era—deeply personal yet universally resonant.
「Turning Tables」は、アデルがライアン・テダーと共作し、彼のプロデュースで制作された感動的なバラードです。2011年のアルバム『21』に収録され、荘厳なピアノと繊細なストリングスが織り成すサウンドが、アデルの情感豊かな歌声を際立たせています。
歌詞は、操作的で不安定な関係に疲れ果て、ついに自分の強さを取り戻そうとする決意を描いています。「Turning Tables」というフレーズは、力関係の逆転と、関係から抜け出す決意を象徴しています。
本曲は大ヒットシングルほどの商業成績ではありませんでしたが、批評家から高く評価され、ファンにも愛されました。『Glee』でカバーされたことでさらに広く知られるようになり、アデルの感情表現の巧みさを印象づけた代表的な楽曲の一つです。
18. All I Ask (2015)
“All I Ask” is an emotional piano ballad by Adele, co-written with Bruno Mars, Philip Lawrence, and Christopher Brody Brown, and produced by The Smeezingtons. Released in 2015 as part of her album 25, the song features a minimalist arrangement centered around a grand piano, allowing Adele’s powerful, unrestrained vocals to take the spotlight.
Lyrically, “All I Ask” depicts a bittersweet plea for one final, perfect moment with a lover before an inevitable parting. Adele sings with heartbreaking vulnerability, capturing the raw fear of loneliness and the human need for connection. The simple, sweeping melody and the escalating vocal performance emphasize the song’s sense of urgency and emotional gravity.
Critics praised “All I Ask” for its classic ballad sensibility, drawing comparisons to timeless love songs of past decades. Although it was not officially released as a single, it became a fan favorite and a standout track on 25, particularly celebrated for Adele’s live performances that showcased her extraordinary vocal control and emotional depth. The song further solidified her reputation as a vocalist capable of conveying profound sadness and intimacy with stunning authenticity.
「All I Ask」は、アデルがブルーノ・マーズ、フィリップ・ローレンス、クリストファー・ブロディ・ブラウンと共作し、The Smeezingtonsがプロデュースしたピアノバラードです。2015年のアルバム『25』に収録され、壮麗なピアノを中心としたシンプルな編成で、アデルの圧倒的な歌声が際立っています。
歌詞は、別れを目前にした恋人に、最後のひとときを完璧に過ごしたいと願う切ない想いを描いています。孤独への恐れと、人とのつながりを求める切実な感情が丁寧に表現されています。
「All I Ask」はシングルカットされなかったものの、ファンの間で高く支持され、ライブパフォーマンスでは特に称賛されました。アデルの豊かな感情表現と卓越したボーカル力を改めて印象づけた重要な楽曲です。
17. Hold On (2021)
“Hold On” is a soulful, gospel-influenced ballad by Adele, co-written and produced by Inflo (known for his work with SAULT and Little Simz). Released in 2021 as part of her album 30, the song features a slow-building arrangement with sparse piano, warm organ tones, and a swelling gospel choir that gradually lifts the track from quiet introspection to a stirring climax.
Lyrically, “Hold On” is a candid portrayal of emotional exhaustion, self-doubt, and the ongoing struggle toward healing. Adele addresses herself in the lyrics, urging patience and perseverance through overwhelming pain. The repeated plea to “hold on” feels both personal and universal, offering solace to anyone navigating profound emotional trials.
Critically acclaimed, “Hold On” was praised for its raw vulnerability and the way it captures the slow, often painful process of personal recovery. While not released as an official single, the track resonated deeply with listeners and stood out as one of 30’s most cathartic moments. The collaboration with Inflo also added a rich, soulful depth to Adele’s sound, broadening her stylistic palette while preserving her signature emotional authenticity.
「Hold On」は、アデルがインフロ（SAULTやLittle Simzとの仕事でも知られる）と共作・プロデュースしたソウルフルなバラードです。2021年のアルバム『30』に収録され、控えめなピアノとオルガンを基盤に、徐々に高揚するゴスペルコーラスが感情の広がりを演出しています。
歌詞は、疲弊し、自己疑念に苦しみながらも、回復へ向かう道のりを描いています。アデル自身に語りかける形で「耐えて」と繰り返す言葉が、切実な励ましとして響きます。
「Hold On」は公式シングルとしてはリリースされていませんが、その赤裸々な感情表現と、癒しに至る過程のリアリティで高く評価されました。インフロとのコラボレーションにより、アデルの音楽にさらなるソウルの深みが加わった楽曲です。
16. Make You Feel My Love (2008)
“Make You Feel My Love” is a heartfelt cover by Adele, originally written and composed by Bob Dylan. Produced by Jim Abbiss, the song appears on her 2008 debut album 19. Unlike much of her original material, this track leans into a classic ballad style, featuring a simple arrangement of piano, soft percussion, and strings that foreground Adele’s tender and soulful vocals.
The lyrics are a straightforward yet profound declaration of unconditional love and unwavering support. Adele’s interpretation brings a vulnerable sincerity to Dylan’s words, emphasizing the emotional resilience and deep devotion behind the promise to “make you feel my love.”
Although it was not an immediate major hit, “Make You Feel My Love” steadily gained popularity, especially after being featured in television shows and films. It became one of Adele’s most beloved early performances, often cited as a showcase of her remarkable ability to breathe new emotional life into established classics. The song helped solidify her reputation for raw, timeless storytelling through song, and it connected her to a lineage of great vocalists who could interpret others’ words with profound personal authenticity.
「Make You Feel My Love」は、ボブ・ディランが作詞作曲し、アデルがカバーした感動的なバラードです。ジム・アビスがプロデュースを手がけ、2008年のデビューアルバム『19』に収録されました。シンプルなピアノ伴奏と控えめなパーカッション、ストリングスが、アデルの繊細で魂のこもった歌声を引き立てています。
歌詞は、無条件の愛と支えを誓うストレートなメッセージを描いています。アデルは、ディランの言葉に自身の感情を重ね、深い誠実さをもって歌い上げています。
当初は大ヒットとはなりませんでしたが、テレビや映画で使用されるうちに人気が高まり、彼女の初期代表曲の一つとなりました。他人の作品にも新たな命を吹き込むアデルの表現力を広く知らしめた重要な楽曲です。
15. Oh My God (2021)
“Oh My God” is a vibrant, rhythmic pop track by Adele, co-written and produced by Greg Kurstin. Released in 2021 as part of her album 30, the song marks a stylistic shift for Adele, embracing a more contemporary, upbeat production with elements of gospel-pop, R&B, and modern soul. Kurstin’s crisp beats, handclaps, and layered backing vocals give the track an energetic yet polished feel.
The lyrics capture Adele’s conflicted emotions as she re-enters the dating world after her divorce. She expresses excitement, hesitation, and a desire to reclaim her autonomy while recognizing the tension between newfound freedom and lingering vulnerability. The repeated “Oh my God” serves both as an exclamation of thrill and as a moment of overwhelmed self-awareness.
Commercially successful, “Oh My God” charted globally and became one of the more radio-friendly, high-energy tracks from 30. It showcased a different facet of Adele’s artistry, proving her ability to evolve her sound without losing the emotional depth that defines her work. The song added a refreshing dynamism to the album, offering a glimpse into Adele’s playful, assertive side while still navigating the complexities of personal transformation.
「Oh My God」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作し、彼がプロデュースしたリズミカルなポップソングです。2021年のアルバム『30』に収録され、ゴスペルポップやR&B、モダンソウルの要素を取り入れた、これまでとは異なる躍動感あるサウンドが特徴です。
歌詞は、離婚後に新たな恋愛の世界へ踏み出す中での興奮と戸惑い、自立への願いを描いています。「Oh my God」というフレーズは、喜びと葛藤の両方を表現しています。
本曲は国際的にチャート入りを果たし、『30』の中でも特にラジオ向きのエネルギッシュな楽曲として注目されました。アデルの新たな一面を引き出しつつ、彼女ならではの感情の深みを失わない作品となっています。
14. Chasing Pavements (2008)
“Chasing Pavements” is a soulful pop ballad by Adele, co-written with Eg White and produced by White as well. Released in 2008 as the lead single from her debut album 19, the song features a sweeping arrangement with soft piano, orchestral strings, and a restrained yet emotionally charged vocal performance. It marked Adele’s first major breakthrough, introducing her signature style of blending classic soul influences with contemporary pop sensibilities.
The lyrics grapple with the uncertainty of whether to pursue a troubled relationship or let it go. Adele questions her own resolve, asking if continuing to “chase pavements”—a metaphor for chasing something unattainable—is truly worth it. The song captures the melancholy of emotional exhaustion while maintaining a tender sense of hope.
“Chasing Pavements” became Adele’s first charting single in both the UK and the US, earning her critical acclaim and her first Grammy nominations. It established her as a fresh, authentic voice in a landscape dominated by highly produced pop, setting the stage for her later global success. The track’s understated elegance and emotional sincerity laid the foundation for the heartfelt storytelling that would become Adele’s hallmark.
「Chasing Pavements」は、アデルがエグ・ホワイトと共作し、彼のプロデュースによって制作されたソウルフルなポップバラードです。2008年、デビューアルバム『19』のリードシングルとしてリリースされ、柔らかなピアノとオーケストラストリングスを基盤に、控えめながら感情に満ちた歌唱が際立っています。
歌詞は、問題を抱えた関係を続けるべきか、それとも諦めるべきかという葛藤を描いています。「舗道を追いかける」という比喩で、手に入らないものを追い求める虚しさを表現しています。
「Chasing Pavements」は、アデルにとって初のチャートインシングルとなり、批評家からも高い評価を受けました。この曲によって彼女は本格的に注目され、後の世界的成功への足がかりとなりました。
13. Rumour Has It (2011)
“Rumour Has It” is a rhythmic, blues-infused pop track by Adele, co-written and produced by Ryan Tedder. Released as part of her 2011 album 21, the song stands out for its stomping beat, handclaps, and raw, sultry vocal delivery, blending elements of blues, gospel, and pop-rock. Tedder’s production gives the track a live, almost theatrical energy, contrasting with the more somber ballads elsewhere on the album.
The lyrics address gossip and betrayal, targeting rumors about Adele’s love life and dealing with the emotional fallout of deceit. With a sassy, almost playful tone, Adele flips vulnerability into strength, emphasizing control over the narrative. The repeated “Rumour has it” line creates a sense of tension and confrontation, turning the song into a bold declaration of self-assurance.
Though not as chart-dominating as some of 21’s other singles, “Rumour Has It” was a critical success, becoming a concert staple and further showcasing Adele’s versatility. It added a fiery, rebellious edge to her otherwise melancholic public persona, proving she could command uptempo tracks with as much authenticity and power as her ballads. The song also reinforced 21’s reputation as a diverse yet cohesive masterpiece.
「Rumour Has It」は、アデルがライアン・テダーと共作し、彼のプロデュースで制作されたブルース風味のポップソングです。2011年のアルバム『21』に収録され、力強いビートと手拍子、そして生々しく艶のあるボーカルが特徴的で、ブルース、ゴスペル、ポップロックの要素を巧みに融合させています。
歌詞は、アデル自身の恋愛に関する噂や裏切りをテーマに、噂話に対する怒りと自らの立場を取り戻す力強さを描いています。挑戦的なトーンで、「Rumour has it」というフレーズを繰り返すことで緊張感と決意を印象づけています。
本曲は『21』の中では大ヒットシングルほどの商業成績ではなかったものの、批評家から高く評価され、ライブでの人気曲にもなりました。アデルの表現力の幅を示し、彼女のアーティスト像に反骨的な一面を加えた重要な楽曲です。
12. My Little Love (2021)
“My Little Love” is a deeply personal ballad by Adele, co-written with Greg Kurstin, who also produced the track. Released in 2021 as part of her album 30, the song blends elements of soul, jazz, and ambient music. It features a warm, slow groove, rich instrumentation, and, notably, spoken-word voice memos between Adele and her son, adding an intimate documentary-like layer to the song.
Lyrically, “My Little Love” addresses Adele’s feelings of guilt, sadness, and emotional complexity surrounding her divorce and its impact on her child. She vulnerably confesses her struggles with loneliness, identity, and self-forgiveness. The inclusion of real conversations highlights the rawness and authenticity of the emotional turmoil she is navigating.
Critics praised “My Little Love” for its bravery and emotional honesty, seeing it as one of Adele’s most experimental and revealing works. While it was not a traditional radio hit, it resonated profoundly with listeners who connected with its portrayal of imperfect parenthood and emotional healing. The song marked a significant moment in Adele’s career, showcasing her willingness to blur the lines between music and personal storytelling, and expanding her artistry into even more vulnerable and nuanced emotional terrain.
「My Little Love」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作・プロデュースした、非常に個人的なバラードです。2021年のアルバム『30』に収録され、ソウルやジャズ、アンビエントの要素を織り交ぜた温かくスロウなサウンドに仕上がっています。実際の親子の会話を収録したヴォイスメモが挿入され、楽曲にドキュメンタリーのような親密さを与えています。
歌詞は、離婚に伴う罪悪感や悲しみ、そしてその影響を息子に向き合う姿を描いています。孤独感や自己喪失の葛藤を率直に語りかけるその内容は、極めて生々しく誠実です。
「My Little Love」は、アデルにとって最も実験的かつ赤裸々な作品の一つと高く評価されました。商業的ヒットではないものの、感情の複雑さや親としての葛藤に共感するリスナーの心に深く響いた楽曲です。
11. Water Under the Bridge (2015)
“Water Under the Bridge” is a midtempo pop-soul track by Adele, co-written and produced by Greg Kurstin. Released in 2015 as part of her third album 25, the song stands out with its shimmering production, featuring a crisp beat, layered vocals, and subtle gospel influences. Kurstin’s bright, rhythmic arrangement provides a more upbeat backdrop compared to Adele’s traditional ballads, allowing her to explore a poppier, yet still emotionally rich, sound.
Lyrically, the song addresses the uncertainty and anxiety within a relationship at a critical point. Adele pleads for clarity and commitment, questioning whether her partner truly sees a future together. The phrase “water under the bridge” usually implies letting go of the past, but here, it suggests the urgency of unresolved emotions before moving forward.
Although not as commercially dominant as “Hello” or “When We Were Young,” “Water Under the Bridge” was praised for its catchy melody and dynamic vocal performance. It showcased Adele’s versatility in blending soulful depth with mainstream pop accessibility. The song also reinforced her ability to translate personal emotional tensions into widely relatable anthems, contributing to 25’s overall success as a deeply human yet polished pop album.
「Water Under the Bridge」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作・プロデュースしたミディアムテンポのポップソウル曲です。2015年のアルバム『25』に収録され、軽快なビートと層を成すコーラス、さりげないゴスペル要素が印象的な、明るく洗練されたサウンドに仕上がっています。
歌詞は、関係が岐路に立たされたときの不安と葛藤を描いています。アデルは相手に対して明確な意志を求め、「水に流す」前に感情の整理を迫る姿勢を見せています。
本曲は「Hello」ほどの爆発的ヒットには至りませんでしたが、キャッチーなメロディと躍動感あるボーカルで高く評価されました。ソウルフルな深みとポップな親しみやすさを見事に両立させた楽曲であり、アデルの幅広い表現力を改めて印象づけた一曲です。
10. Set Fire to the Rain (2011)
“Set Fire to the Rain” is a dramatic pop ballad by Adele, co-written with producer Fraser T. Smith. Featured on her 2011 album 21, the song departs from the album’s more acoustic, soulful textures by incorporating lush orchestration, a soaring melody, and a powerful, full-band production. The swelling arrangement, paired with Adele’s dynamic vocal performance, creates an intense emotional landscape.
The lyrics explore themes of emotional betrayal, loss, and inner strength. Adele uses elemental imagery—fire and rain—to symbolize the contradictions and tumult of a failed relationship. The chorus, where she belts “I set fire to the rain,” captures the act of confronting impossible emotions and finding empowerment through the process.
“Set Fire to the Rain” became a massive hit, reaching number one on the Billboard Hot 100 in the U.S., among other international charts. It further established Adele’s dominance during the 21 era and showcased her ability to transform personal heartbreak into anthemic, universally resonant music. The song’s success contributed to 21 becoming one of the best-selling albums of all time, and it reinforced Adele’s reputation for pairing traditional balladry with grand, cinematic pop production.
「Set Fire to the Rain」は、アデルがフレイザー・T・スミスと共作し、彼がプロデュースを手がけた力強いポップバラードです。2011年のアルバム『21』に収録され、アコースティック寄りだった他の楽曲に比べ、豊かなオーケストレーションと壮大なメロディが特徴的です。力強いバンドアレンジが、アデルのダイナミックな歌声を一層引き立てています。
歌詞は、裏切りや喪失感、そしてそれを乗り越える強さを描いています。「雨に火をつける」という象徴的なイメージで、矛盾する感情を乗り越える様子を表現しています。
「Set Fire to the Rain」は、全米ビルボードHot 100で1位を獲得し、国際的にも大ヒットしました。『21』の成功をさらに押し上げ、アデルが個人的な痛みを普遍的なアンセムへと昇華する才能を持つことを改めて示した楽曲です。
09. Skyfall (2012)
“Skyfall” is a cinematic ballad performed by Adele, co-written with Paul Epworth and produced by Epworth as well. Released in 2012, it served as the theme song for the James Bond film Skyfall. Musically, the song embraces the grandeur of classic Bond themes, blending orchestral arrangements with dark, soulful elements. A sweeping string section, dramatic piano, and Adele’s commanding vocals create a moody, suspenseful atmosphere that pays homage to the Bond legacy while bearing her unmistakable emotional stamp.
Lyrically, “Skyfall” mirrors the film’s themes of loyalty, survival, and rebirth, using metaphoric language like “let the sky fall, when it crumbles” to evoke resilience in the face of destruction. Adele delivers the lyrics with a sense of fatalistic grandeur, fitting the epic scope of the Bond universe.
“Skyfall” was a major critical and commercial success, winning the Academy Award, Golden Globe, and Grammy Award for Best Original Song. It solidified Adele’s reputation as a once-in-a-generation vocalist capable of bridging classic cinematic tradition with contemporary emotional resonance. The song also demonstrated her versatility, showing that she could master grand, theatrical compositions while maintaining her authentic, heartfelt style.
「Skyfall」は、アデルがポール・エプワースと共作し、彼のプロデュースにより制作されたシネマティックなバラードです。2012年に、映画『007 スカイフォール』の主題歌としてリリースされました。壮大なオーケストラとダークでソウルフルな要素を融合させ、クラシックなボンドテーマへのオマージュを捧げながら、アデルならではの深い感情表現を加えています。
歌詞は、忠誠、再生、試練をテーマに、破壊を受け入れながらも立ち向かう強さをメタファーで表現しています。アデルは重厚感のあるボーカルで、映画の壮大な世界観を見事に体現しました。
「Skyfall」は、アカデミー賞、ゴールデングローブ賞、グラミー賞などを受賞し、批評的にも商業的にも大成功を収めました。アデルの表現力と多才さを改めて世界に知らしめた重要な楽曲です。
08. Hometown Glory (2007)
“Hometown Glory” is Adele’s debut single, written solely by her and produced by Jim Abbiss. Originally released in 2007 and later included in her first album 19, the song features a sparse arrangement of solemn piano chords and subtle orchestration, allowing Adele’s voice to take center stage with an intimate and heartfelt delivery.
The lyrics are a love letter to her hometown of West Norwood, London, exploring themes of belonging, nostalgia, and the deep emotional ties we have to where we come from. Adele contrasts personal memories and observations with broader reflections on societal issues, infusing the song with both warmth and melancholy. The line “I ain’t lost, just wandering” captures the spirit of youthful uncertainty and quiet resilience.
Though initially a modest release, “Hometown Glory” gained wider attention as Adele’s profile rose, eventually charting after being re-released. It showcased her early strengths: vivid emotional storytelling, rich vocal tone, and a maturity beyond her years. Culturally, the song established Adele’s image as an authentic, soul-rooted artist, setting the foundation for the immense critical and commercial success she would later achieve with 21 and beyond.
「Hometown Glory」は、アデルが自身で作詞作曲し、ジム・アビスがプロデュースしたデビューシングルです。2007年にリリースされ、後にアルバム『19』にも収録されました。厳かなピアノ伴奏と控えめなオーケストレーションが、アデルの情感豊かな歌声を引き立てています。
歌詞は、彼女の故郷であるロンドン・ウェストノーウッドへの愛情と、そこに根付く記憶や社会への思いを織り交ぜながら描かれています。「迷子じゃない、ただ彷徨っているだけ」という一節に、若さゆえの揺らぎと芯の強さが表れています。
当初は控えめなリリースでしたが、アデルの知名度向上とともに再評価され、チャート入りも果たしました。この曲は、彼女の豊かな表現力と誠実なアーティスト像を早くから印象づけ、後の成功への礎となった重要な作品です。
07. I Drink Wine (2021)
“I Drink Wine” is a reflective ballad by Adele, co-written with and produced by Greg Kurstin. Released in 2021 as part of her album 30, the song blends gospel, soul, and soft rock influences, featuring warm piano chords, gentle organ sounds, and a choir-like backing that gradually builds into a cathartic release. Kurstin’s production keeps the atmosphere intimate yet expansive, perfectly matching Adele’s introspective lyrics.
The song lyrically grapples with self-acceptance, ego, and the ways adulthood can harden a person. Adele reflects on her own struggles with identity, expectations, and the desire to return to a simpler, more genuine self. The repeated line “I hope I learn to get over myself” captures the core of this emotional journey. Despite its melancholic tone, the song carries a sense of resignation mixed with quiet hope.
“I Drink Wine” was praised for its lyrical honesty and emotional vulnerability, standing out as one of 30’s most personal and philosophical tracks. Although it was less commercially dominant than some of her past singles, it resonated deeply with listeners navigating adulthood’s complexities, further establishing Adele not just as a vocalist, but as a thoughtful chronicler of emotional and existential realities.
「I Drink Wine」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作・プロデュースした内省的なバラードです。2021年のアルバム『30』に収録され、ゴスペルやソウル、ソフトロックの要素を取り入れた温かみのあるサウンドが特徴です。ピアノとオルガンを中心に、クワイア風のコーラスが重なり、徐々に感情を解き放つような展開を見せます。
歌詞は、大人になる過程で失われがちな純粋さや、自己との葛藤を率直に描いています。「自分自身を乗り越えることを学びたい」というリフレインに、アデルの本質的な願いが込められています。
「I Drink Wine」は、商業的には派手なヒットではなかったものの、リスナーの心に深く響きました。アデルが単なる歌手ではなく、複雑な人生感情を誠実に綴る語り手であることを改めて示した楽曲です。
06. To Be Loved (2021)
“To Be Loved” is a soul-stirring ballad by Adele, co-written and produced by Tobias Jesso Jr. and Shawn Everett. Featured on her 2021 album 30, the song is built around a stark piano accompaniment that leaves space for Adele’s unfiltered vocal performance, capturing every nuance of vulnerability, pain, and catharsis.
Lyrically, “To Be Loved” explores the sacrifices, disillusionments, and raw truths that come with seeking love and acceptance. Adele reflects on the heavy cost of emotional openness, admitting her mistakes while recognizing that the experience of loving and being loved—no matter how painful—was still worthwhile. The song’s towering vocal climaxes and trembling silences mirror the emotional magnitude of its theme.
Critically acclaimed, “To Be Loved” was hailed as one of Adele’s most powerful performances to date, drawing comparisons to classic torch ballads by legends like Whitney Houston and Celine Dion. Though not released as an official single, it became a fan favorite and a standout moment on 30. The song reaffirmed Adele’s status not only as a vocalist of rare ability but also as an artist willing to expose the deepest layers of her humanity, pushing the emotional boundaries of contemporary pop music.
「To Be Loved」は、アデルがトビアス・ジェッソ・ジュニアと共作し、ショーン・エヴェレットがプロデュースした感動的なバラードです。2021年のアルバム『30』に収録され、シンプルなピアノ伴奏を背景に、アデルの魂のこもった歌声がありのままに表現されています。
歌詞は、愛されるために払った犠牲や失望、そして愛を経験すること自体の意味を深く掘り下げています。過ちを認めつつ、それでも愛したことの価値を静かに受け入れる姿が描かれています。
「To Be Loved」はシングルカットされていないにもかかわらず、ファンの間で高く評価され、アルバム『30』のハイライトとなりました。アデルの圧倒的な表現力と、深い人間性をさらけ出す姿勢が、現代ポップにおける彼女の特別な地位を改めて証明した楽曲です。
05. Someone Like You (2011)
“Someone Like You” is a poignant ballad by Adele, co-written with producer Dan Wilson. Released in 2011 as the second single from her album 21, the song features a simple yet devastating arrangement—just piano and vocals—that highlights the rawness of Adele’s performance. The minimalistic production allows every crack and quiver in her voice to convey profound emotional honesty.
The lyrics tell the story of encountering an ex-lover who has moved on, expressing heartbreak, bittersweet acceptance, and a wish for their happiness despite lingering sorrow. The refrain “Never mind, I’ll find someone like you” captures both resignation and enduring love, resonating deeply with listeners worldwide.
“Someone Like You” became one of Adele’s defining songs, topping charts in multiple countries and solidifying her status as a global icon. A standout live performance at the 2011 BRIT Awards, where Adele’s emotional delivery left audiences in tears, played a major role in catapulting the song’s success. Its stripped-down authenticity stood in stark contrast to the heavily produced pop of the era, influencing a wave of more intimate, piano-led ballads in the 2010s and showcasing Adele’s unparalleled ability to translate deep personal pain into universal art.
「Someone Like You」は、アデルがプロデューサーのダン・ウィルソンと共作した感動的なバラードです。2011年、アルバム『21』からのセカンドシングルとしてリリースされ、ピアノと歌のみのシンプルな編成が、アデルの繊細な感情を際立たせています。
歌詞は、元恋人が新たな人生を歩んでいることを受け入れながらも、心の痛みと祝福の気持ちを織り交ぜて描いています。「あなたのような人を見つける」というリフレインは、諦めと愛情が交錯する切ない思いを象徴しています。
この曲は世界中でチャート1位を獲得し、アデルの名声を不動のものとしました。2011年のBRITアワードでの感動的なパフォーマンスも、楽曲の人気を大きく後押ししました。本曲は、2010年代のバラードシーンにおいて、より素朴で誠実な表現を求める流れを生み出した重要な作品です。
04. Easy On Me (2021)
“Easy On Me” is a heartfelt ballad by Adele, co-written and produced by Greg Kurstin. Released in 2021 as the lead single from her fourth album 30, the song features a minimalist arrangement, centered around tender piano accompaniment and Adele’s emotionally raw vocals. Kurstin’s understated production allows the vulnerability of Adele’s performance to shine through without distraction.
The lyrics address Adele’s feelings of guilt, regret, and self-explanation following her divorce. She pleads for understanding, acknowledging her past decisions and the emotional struggles that led to them. The song captures the difficulty of seeking forgiveness both from others and from oneself, framed through an adult perspective that balances sorrow with maturity.
“Easy On Me” debuted at number one in multiple countries and broke streaming records globally. It marked a powerful return for Adele after a six-year hiatus, resonating deeply with audiences who related to its themes of personal change and resilience. Critically, the song reaffirmed Adele’s standing as one of the most emotionally authentic voices in contemporary music, with 30 positioning her not just as a pop star but as a chronicler of real, complex adulthood.
「Easy On Me」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作し、彼のプロデュースで制作されたバラードです。2021年、アルバム『30』のリードシングルとして発表され、繊細なピアノ伴奏を基盤に、アデルの感情豊かな歌声が際立つミニマルなアレンジが施されています。
歌詞は、離婚後の後悔や自己説明、理解を求める気持ちを描いています。過去の選択を認めつつ、赦しと理解を静かに願うアデルの成熟した視点が印象的です。
「Easy On Me」は、世界各国でチャート1位を獲得し、ストリーミング記録も更新しました。6年ぶりの復帰作として、個人的な変化と再生を歌い、多くのリスナーの共感を呼びました。本曲は、アデルが単なるポップスターではなく、現代の複雑な感情を誠実に描くアーティストであることを改めて証明した楽曲です。
03. When We Were Young (2015)
“When We Were Young” is a soulful ballad by Adele, co-written with Tobias Jesso Jr. and produced by Ariel Rechtshaid. Released in 2015 as part of her album 25, the song evokes a nostalgic, vintage sound, blending elements of classic soul, soft rock, and pop. Rechtshaid’s production uses warm, analog textures that complement Adele’s heartfelt, powerful vocal performance.
The lyrics reflect on the bittersweet passage of time, the fear of aging, and the longing to capture fleeting memories. Adele sings from the perspective of someone encountering an old friend at a gathering, overwhelmed by the emotions tied to youth and lost possibilities. The refrain “let me photograph you in this light” encapsulates the desperate desire to preserve a moment before it slips away.
“When We Were Young” was praised for its emotional depth and maturity, often compared to classic torch songs. Though not as commercially explosive as “Hello,” it became a fan favorite and a staple in Adele’s live performances. The song reinforced Adele’s image as an artist capable of delivering timeless, emotionally resonant ballads, further cementing her place among the greatest vocalists and songwriters of her generation.
「When We Were Young」は、アデルがトビアス・ジェッソ・ジュニアと共作し、アリエル・レクシャイドがプロデュースしたバラードです。2015年のアルバム『25』に収録され、クラシックソウルやソフトロックの要素を取り入れた温かみのあるサウンドが特徴です。アナログ感のある音作りが、アデルの感情豊かな歌声を一層引き立てています。
歌詞は、時間の流れによる喪失感や懐かしさを描き、若き日の思い出を必死に留めようとする姿を表現しています。「この光の中であなたを写真に収めたい」というリフレインが、消えゆく瞬間への切ない願いを象徴しています。
本曲は「Hello」ほどの商業的爆発力はなかったものの、ファンから高く支持され、ライブでも定番曲となりました。アデルの卓越した表現力と普遍的な感情を歌い上げる力を再び証明した楽曲です。
02. Hello (2015)
“Hello” is a dramatic ballad by Adele, co-written with and produced by Greg Kurstin. Released in 2015 as the lead single from her third album 25, the song features a rich, melancholic sound, blending soulful pop with elements of classic piano balladry. Kurstin’s production enhances Adele’s soaring vocals with subtle orchestral layers and a restrained yet powerful build-up.
Lyrically, “Hello” explores themes of regret, nostalgia, and longing for reconciliation. Adele reaches out across emotional distance, apologizing for past mistakes and acknowledging the impossibility of undoing the hurt. The song’s opening line—“Hello, it’s me”—became instantly iconic, symbolizing the universal yearning to reconnect.
“Hello” was a global phenomenon, debuting at number one in numerous countries and breaking records for digital sales and YouTube views. It reintroduced Adele after a four-year hiatus, solidifying her status as one of the defining voices of her generation. Culturally, “Hello” sparked countless covers, parodies, and memes, underscoring its deep emotional resonance. It also showcased the power of traditional balladry in a pop landscape increasingly dominated by electronic sounds, reaffirming Adele’s influence on mainstream music’s emotional depth.
「Hello」は、アデルがグレッグ・カースティンと共作し、彼のプロデュースで制作されたバラードです。2015年、アルバム『25』のリードシングルとして発表され、クラシックなピアノバラードの要素とソウルフルなポップを融合した壮大なサウンドが特徴です。控えめながら感情を引き立てるオーケストレーションが、アデルの圧倒的な歌声を際立たせています。
歌詞は、過去の過ちへの後悔や懐かしさ、和解を願う気持ちを描いています。「Hello, it’s me」という冒頭のフレーズは瞬く間に象徴的な存在となりました。
本曲は、世界各国でチャート1位を獲得し、デジタルセールスやYouTube再生数の記録を次々と更新しました。アデルの復帰を鮮烈に印象づけ、伝統的なバラードの力を再認識させるきっかけとなりました。現代ポップシーンにおいても、深い感情表現の重要性を改めて示した楽曲です。
01. Rolling in the Deep (2010)
“Rolling in the Deep” is a breakthrough single by Adele, co-written and produced by Paul Epworth. Released in 2010 as the lead single from her second album 21, the track blends soulful pop with blues and gospel influences, driven by a pounding beat and layered background vocals. The production is both raw and powerful, showcasing Adele’s commanding voice at its most fiery and impassioned.
Lyrically, the song portrays anger, betrayal, and empowerment after a broken relationship. Adele delivers an anthem of emotional retaliation, warning her former lover of the greatness they could have achieved together. The intense chorus—”We could have had it all”—became a signature moment of her career.
“Rolling in the Deep” was a massive global success, topping charts in over 20 countries and winning multiple Grammy Awards, including Record of the Year and Song of the Year. It redefined Adele’s image from a soulful ballad singer to a pop powerhouse and established 21 as a modern classic. The song’s fusion of traditional soul with contemporary pop-rock sensibilities had a huge impact on the pop music landscape of the 2010s, influencing a generation of artists aiming for emotional authenticity in mainstream music.
「Rolling in the Deep」は、アデルがポール・エプワースと共作し、彼のプロデュースで制作された楽曲です。2010年にアルバム『21』のリードシングルとしてリリースされ、ソウル、ブルース、ゴスペルの要素を取り入れた力強いポップソングに仕上がっています。力強いビートと重なるコーラスが、アデルの情熱的な歌声を際立たせています。
歌詞は、裏切りへの怒りと自己解放を描き、かつての恋人への警告を力強く歌い上げます。「私たちはすべてを手にできた」というリフレインが象徴的です。
本曲は世界20カ国以上でチャート1位を獲得し、グラミー賞の最優秀レコード賞・最優秀楽曲賞を受賞しました。アデルをソウルシンガーから世界的ポップスターへと押し上げ、『21』の成功を決定づけた重要な楽曲です。彼女の本物の感情表現は、2010年代の音楽シーンにも大きな影響を与えました。