20. When I Look at You (2010)
“When I Look at You”, released in February 2010, is a sweeping pop ballad by Miley Cyrus featured on the soundtrack of the romantic drama film The Last Song, in which Cyrus also starred. Co-written by Hillary Lindsey and John Shanks (who also produced the track), the song highlights Cyrus’s emotional vocal delivery, set against a backdrop of piano and orchestral swells.
Lyrically, the song expresses deep gratitude and emotional grounding found in a loved one’s presence. Lines like “When my world is falling apart… you appear just like a dream to me” reflect themes of unconditional support, faith, and personal redemption. The lyrics are both romantic and spiritual, making the song resonate beyond a typical love ballad.
The track gained popularity alongside the film, which marked a transitional moment in Miley’s career—from teen idol to a more mature artist and actress. Its heartfelt performance helped showcase her range beyond upbeat pop and rebellious anthems.
Though not a chart-topping single, “When I Look at You” became a fan favorite and a wedding playlist staple. It remains one of Cyrus’s most tender and sincere recordings, representing a softer, emotionally resonant side of her musical identity.
「When I Look at You」は、2010年2月にリリースされたMiley Cyrusのバラードであり、彼女が主演を務めた映画『ラスト・ソング（The Last Song）』の主題歌としても使用されました。Hillary LindseyとJohn Shanks（プロデュースも担当）によって書かれたこの楽曲は、ピアノを基調としたアレンジとストリングスが織りなすドラマチックなサウンドの中で、Cyrusの感情豊かなボーカルが際立っています。
歌詞は、大切な人の存在がどれだけ心の拠り所になるかを描いた内容で、「世界が崩れそうなとき、あなたが夢のように現れてくれる」といったラインからは、無条件の支えや癒し、そして自己再生のテーマが感じられます。恋愛感情にとどまらず、信仰や救済にも通じるような、普遍的でスピリチュアルな響きを持つラブソングです。
この曲は映画と同時に注目され、Miley Cyrusがティーンアイドルからより成熟したアーティスト、女優へとステップアップする過程で重要な役割を果たしました。派手さはないものの、その誠実で温かみのあるパフォーマンスは多くのリスナーの心に残り、現在でも結婚式や特別な場面で使われる“感動バラード”として愛されています。
「When I Look at You」は、Miley Cyrusの中でも特に繊細で内面的な側面を表現した楽曲であり、彼女の表現力の広さと深さを再認識させてくれる一曲です。
19. The Best of Both Worlds (2016)
Released in 2006 as the opening theme song for Disney Channel’s Hannah Montana, “The Best of Both Worlds” became the defining anthem of the Hannah Montana franchise and Miley Cyrus’s early career. Written by Matthew Gerrard and Robbie Nevil and produced by Gerrard, the song is an upbeat, guitar-driven pop-rock track that blends teen pop with a light rock edge, perfectly capturing the dual-identity concept at the heart of the show.
Lyrically, the song celebrates the fun and fantasy of living a double life—ordinary teenager by day, pop star by night. With lines like “You get the best of both worlds / Chill it out, take it slow, then you rock out the show”, it captures the dream of having it all, appealing to its young audience’s desire for both normalcy and stardom.
The track became instantly iconic, not just as a TV theme but as a symbol of a generation raised on Disney Channel. It introduced Miley Cyrus to the world, embedding her voice and persona into pop culture. Though later overshadowed by her more mature work, “The Best of Both Worlds” remains a nostalgic cornerstone of her career and early 2000s teen pop.
「The Best of Both Worlds」は、2006年にディズニー・チャンネルのドラマ『Hannah Montana』のオープニングテーマとして登場し、Miley Cyrus（ハンナ・モンタナ名義）の初期キャリアを象徴する楽曲となりました。作詞作曲はMatthew GerrardとRobbie Nevil、プロデュースもGerrardが担当。ティーンポップとライトなロックサウンドを融合させた、元気でキャッチーなギター主体のポップロック曲です。
歌詞は、“普通のティーン”と“ポップスター”という二重生活を楽しむことを描いており、「ゆっくり楽しんで、それからステージでロックする」というように、両方の世界の“いいとこ取り”ができるという夢のようなライフスタイルが明るく表現されています。若い視聴者にとっては、日常の自分と憧れの自分の両立というファンタジーを体現した、理想的なアイドル像でした。
この曲はテレビ主題歌という枠を超え、ディズニー・チャンネル世代にとってのアイコンとなり、Miley Cyrusの声と存在を世界に知らしめる役割を果たしました。後年のより成熟した作品に比べると素朴で明快ですが、「The Best of Both Worlds」は今なお彼女のキャリアの原点として、そして2000年代のティーンポップを象徴する一曲として、強いノスタルジーと共に愛され続けています。
18. Younger Now (2017)
“Younger Now” was released in August 2017 as the title track and second single from Miley Cyrus’s sixth studio album. Co-written and produced by Cyrus and Oren Yoel, the song represents a clear shift from the provocative personas of her Bangerz and Dead Petz eras toward a more introspective, country-tinged pop sound rooted in self-reflection and emotional growth.
Musically, “Younger Now” draws inspiration from classic pop and soft rock with subtle touches of Americana, echoing the simplicity of 1950s and ’60s nostalgia. Its melody is gentle yet resolute, underscoring lyrics that speak of change and self-acceptance. The refrain—“Change is a thing you can count on”—is central to the song’s philosophy.
Lyrically, Cyrus reflects on how she’s evolved without disowning her past, asserting that she’s “not afraid of who I used to be.” The track functions as both a personal and artistic reconciliation—a middle ground between rebellion and grounded authenticity.
While not a commercial juggernaut, “Younger Now” was praised for its sincerity and marked a mature moment of clarity in Miley’s career. It signaled a desire to reintroduce herself on her own terms, with vulnerability replacing spectacle and self-awareness guiding her next artistic chapter.
「Younger Now」は、2017年8月にリリースされたMiley Cyrusの6枚目のスタジオアルバムの表題曲かつセカンドシングルであり、彼女が『Bangerz』や『Dead Petz』で見せた過激な表現から一転し、より内省的でオーセンティックな方向性への転換を示す重要な楽曲です。作詞・作曲およびプロデュースはMiley自身とOren Yoelによって手がけられました。
音楽的には、50〜60年代のクラシックポップやアメリカーナに影響を受けた、シンプルで温かみのあるサウンドが特徴。派手さを排し、メロディとメッセージ性を重視した構成の中で、「変化は唯一確かなもの（Change is a thing you can count on）」というリフレインが楽曲全体の精神を象徴しています。
歌詞では、自分がどう変わってきたかを率直に見つめつつ、「過去の自分を恐れていない」と歌い、過去を否定せずに受け入れる姿勢が描かれています。この楽曲は、アーティストとしても人間としても、激動の時期を経て自己和解を果たしたMileyの新たな章の幕開けといえるでしょう。
商業的成功は控えめだったものの、その誠実さと温かみのあるメッセージは高く評価され、派手な演出よりも“ありのまま”の感情を大切にするCyrusの成長を感じさせる作品として、ファンから根強く支持されています。
17. Plastic Hearts (2020)
Released in November 2020 as the title track from Miley Cyrus’s seventh studio album, “Plastic Hearts” encapsulates the glam-rock and synth-pop fusion that defines the era. Co-written by Cyrus with Ryan Tedder, Ali Tamposi, and Andrew Watt (who also produced the track), the song features punchy drums, sharp guitar licks, and neon-lit synths that nod to 1980s rock influences like Billy Idol and Blondie.
Lyrically, “Plastic Hearts” is a reflection on emotional detachment and the contradictions of fame and intimacy. Lines like “I just wanna feel something / But I keep feeling nothing” and “I don’t even miss you anymore” reveal a hardened vulnerability beneath the song’s confident tone. It’s a portrait of someone searching for real connection while navigating an artificial world.
The track sets the thematic and sonic tone for the entire Plastic Hearts album—gritty yet polished, nostalgic yet forward-facing. It marked a fully realized reinvention of Cyrus as a rock-influenced, genre-bending artist, earning praise for its authenticity and sharp production.
While not released as a single, “Plastic Hearts” quickly became a fan favorite and a mission statement for this transformative phase of Miley’s career, balancing emotional rawness with high-octane pop-rock flair.
「Plastic Hearts」は、2020年11月にリリースされたMiley Cyrusの7枚目のスタジオアルバムの表題曲であり、彼女の“グラムロック・リインベンション”を象徴する作品です。Ryan Tedder、Ali Tamposi、Andrew Watt（プロデュースも担当）と共作されたこの楽曲は、80年代のBilly IdolやBlondieに影響を受けた、鋭いギターリフと煌びやかなシンセ、ドラムが特徴のグラム＆シンセ・ポップの融合サウンドを展開します。
歌詞では、感情の空虚さや人間関係の不確かさ、そして名声の中での孤独が描かれています。「何かを感じたいのに、何も感じられない」「もうあなたのことも恋しくない」といったフレーズには、傷ついた自我と感情の硬直が垣間見えます。自信に満ちた表層の裏に、繊細で複雑な心理が潜んでいることが分かります。
本楽曲はシングルとしてはリリースされなかったものの、アルバム全体のサウンドとテーマを体現する“核”としてファンから高い支持を受けています。煌びやかでありながら荒削り、懐かしさと現代性が交錯するこの曲は、Cyrusの音楽的・人格的な再定義を決定づけた一曲です。
「Plastic Hearts」は、Miley Cyrusがジャンルの壁を越え、ポップアイコンからロックアーティストへと大胆に進化したことを証明する、象徴的な楽曲となっています。
16. Start All Over (2007)
“Start All Over”, released in December 2007 as the second single from Miley Cyrus’s debut solo album Meet Miley Cyrus, is a high-energy pop-rock track that showcases her early efforts to step out from her Hannah Montana persona. Written by Fefe Dobson and Anne Preven, and produced by Rock Mafia, the song combines driving guitar riffs, upbeat drums, and Miley’s youthful, slightly raspy vocals to create an anthem of emotional reset and personal agency.
Lyrically, the song captures the feeling of wanting to erase past missteps and begin again—whether in love or life. With lines like “I’m gonna start all over, out of the fire and into the flame,” Cyrus expresses the messy, impulsive side of adolescence, but with a tone of resilience and empowerment. It was one of the first songs to present Miley as a teenager navigating real-life emotions outside the Disney formula.
While it didn’t achieve the commercial success of “See You Again,” the song was a staple of her early concerts and resonated with fans for its rebellious yet relatable spirit. “Start All Over” stands as an important piece in her evolution, marking the early stages of self-definition and independence in her career.
「Start All Over」は、2007年12月にリリースされたMiley Cyrusのソロデビューアルバム『Meet Miley Cyrus』からのセカンドシングルであり、彼女が“Hannah Montana”の枠を越えて個人としての表現に踏み出した初期の楽曲のひとつです。Fefe DobsonとAnne Prevenが作詞・作曲し、Rock Mafiaがプロデュースを担当。ギター主体のポップロックに疾走感のあるドラム、そして若々しく少しハスキーなMileyのボーカルが印象的な一曲です。
歌詞では、過去の失敗や関係をリセットし、「もう一度最初からやり直す（Start All Over）」という衝動が描かれています。「炎から抜け出して、また新たな炎へ」というラインには、若さゆえの混沌と再出発への強い意志が込められています。単なるラブソングではなく、自己決定と再生の感情が重なった、思春期の不安定さと力強さが共存する内容です。
「See You Again」ほどの商業的成功は収めなかったものの、ライブでは定番曲として親しまれ、ファンからは“等身大のMiley”として支持されました。この曲は、アイドル的存在から一人の表現者へと歩み始めるCyrusの姿勢を示す初期の証であり、その後の“Can’t Be Tamed”や“Bangerz”へとつながる自立の萌芽を感じさせる重要な一曲です。
15. Used To Be Young (2023)
Released in August 2023, “Used To Be Young” is a poignant ballad that reflects on Miley Cyrus’s past with tenderness and clarity. Co-written by Cyrus with Michael Pollack and Gregory “Aldae” Hein, and produced by Shawn Everett and Kid Harpoon, the song strips away the glam and spectacle often associated with her work, opting instead for an emotionally raw, piano-led pop arrangement.
Lyrically, it’s a heartfelt reckoning with her wild, youthful years—“I know I used to be crazy, I know I used to be fun”—but without regret. The song doesn’t apologize, nor does it romanticize the past; it simply honors who she was and how far she’s come. It’s a meditation on growth, identity, and the tension between public perception and personal truth.
“Used To Be Young” arrived as a standalone release following Endless Summer Vacation, timed with a reflective televised interview special. Though understated in production, the song garnered praise for its emotional vulnerability and mature self-awareness.
This track is not just a look back—it’s a quiet declaration of present wholeness. It reaffirms Cyrus’s artistic evolution into a thoughtful, introspective voice in pop music, capable of balancing spectacle with sincere reflection.
「Used To Be Young」は、2023年8月にリリースされたMiley Cyrusによる感傷的なバラードであり、彼女の過去を優しく、そして静かな誠実さで見つめ直す楽曲です。Michael PollackとGregory “Aldae” Heinとの共作で、プロデュースはShawn EverettとKid Harpoonが担当。華やかさや過激さを排した、ピアノを基調とする繊細なポップソングに仕上がっています。
歌詞では、「昔はクレイジーだった」「楽しい存在だった」と自らを振り返りつつ、それを後悔するわけでも美化するわけでもなく、“ただそうだった”と肯定的に受け入れる姿勢が描かれています。若さゆえの奔放さと、それを通過してきた今の自分との対話が静かに綴られており、過去の自分への愛と、今ここにある落ち着きが共存しています。
この楽曲は『Endless Summer Vacation』のリリース後に単独で発表され、同時に放送されたインタビュー特番では、彼女自身が人生を語る姿が注目されました。派手な演出やサウンドではなく、むしろその“静けさ”こそが楽曲の核心であり、Cyrusの成熟した表現力を象徴しています。
「Used To Be Young」は、過去に蓋をするのではなく、そのすべてを自分の一部として抱きしめるような、静かで深い自己肯定の歌です。Miley Cyrusが“語るアーティスト”として次のフェーズへ進んだことを印象づける、非常にパーソナルかつ普遍的な一曲となっています。
14. See You Again (2007)
Originally released in 2007 as the lead single from Miley Cyrus’s debut studio album Meet Miley Cyrus, “See You Again” marked her official emergence as a solo artist distinct from her Hannah Montana persona. Written by Cyrus, Antonina Armato, and Tim James—and produced by Armato and James (as Rock Mafia)—the track blends teen pop with synth-rock and dance-pop elements, driven by a pulsating beat and confident vocals.
Lyrically, the song captures the rush of adolescent attraction and awkward anticipation, describing a girl nervously obsessing over a romantic crush she hopes to see again. The iconic chorus—“I got my sights set on you, and I’m ready to aim”—balances youthful vulnerability with a sense of self-assurance.
“See You Again” was Miley’s first major mainstream hit, reaching No. 10 on the Billboard Hot 100 and gaining popularity across pop and dance charts. Its infectious energy, bold sound, and stylish production made it a fan favorite and a staple of late 2000s teen pop. It also served as a major turning point in Cyrus’s career, signaling her breakout from Disney and hinting at the edgier, more independent artist she would become in the following decade.
「See You Again」は、2007年にリリースされたMiley Cyrusのソロデビューアルバム『Meet Miley Cyrus』のリードシングルであり、彼女が“Hannah Montana”というキャラクターを超えて、ソロアーティストとして本格的に歩み始めた記念碑的な楽曲です。作詞・作曲はMiley自身とRock MafiaのAntonina Armato、Tim Jamesによって行われ、プロデュースも彼らが担当。シンセロックやダンスポップの要素を取り入れた、リズミカルでエネルギッシュなサウンドが特徴です。
歌詞では、ある男の子への強い片想いと、その人に再び会えることへのドキドキ感が描かれます。サビの「狙いを定めた、もう逃さない（I got my sights set on you, and I’m ready to aim）」というフレーズには、ティーンエイジャーらしい情熱と少しの大胆さが感じられます。
この曲はMileyにとって初の本格的なヒットとなり、Billboard Hot 100では10位にランクイン。そのキャッチーなメロディとスタイリッシュなプロダクションは多くの若者を魅了し、2000年代後半のティーンポップを代表する一曲として定着しました。
「See You Again」は、Miley Cyrusが“子役”から“アーティスト”へと変貌を遂げる始まりを告げた楽曲であり、その後の挑発的でジャンル横断的なキャリアの布石となる重要なステップです。
13. Nobody’s Perfect (2007)
Released in 2007 as part of the Hannah Montana 2: Meet Miley Cyrus album, “Nobody’s Perfect” is one of the most iconic tracks from Miley Cyrus’s Disney Channel era. Written by Matthew Gerrard and Robbie Nevil and produced by Gerrard, the song blends bubblegum pop and teen rock, built around infectious guitar riffs and a catchy chorus designed to empower young listeners.
Lyrically, the song delivers a message of self-acceptance and resilience. With lines like “Everybody makes mistakes, everybody has those days,” it reassures listeners—especially teens—that imperfection is natural and okay. Delivered through the Hannah Montana persona, the song walks the line between performance and sincerity, offering encouragement in a fun, sing-along format.
“Nobody’s Perfect” quickly became a fan favorite and a defining number in Miley’s early live shows, especially during Best of Both Worlds tour performances. It remains a nostalgic anthem for many who grew up with Hannah Montana, representing a moment when Disney pop stars were used as role models for navigating adolescence.
Though musically simple, its positive message and cultural impact have given it enduring relevance, especially as fans revisit Cyrus’s early work in light of her later, more complex artistic transformations.
「Nobody’s Perfect」は、2007年にリリースされた『Hannah Montana 2: Meet Miley Cyrus』に収録された楽曲であり、Miley Cyrusの“ハンナ・モンタナ時代”を象徴する代表曲の一つです。Matthew GerrardとRobbie Nevilによって作詞作曲され、Gerrardがプロデュースを担当。キャッチーなギターリフとティーン向けのポップロック要素を融合させた、明るく前向きなバブルガムポップソングです。
歌詞は、「誰だって間違える、そんな日もある」と繰り返すことで、完璧である必要はないというメッセージを伝えています。特に思春期のリスナーにとって、失敗しても大丈夫だと感じさせてくれる安心感があり、“自分らしさ”を受け入れる大切さを優しく肯定してくれる楽曲です。
この曲はすぐにファンの間で人気を集め、Cyrusがハンナ・モンタナとして行った『Best of Both Worlds Tour』でも定番曲となりました。シンプルながらも心に残るメッセージとポップなメロディーで、多くの若者にとって青春の一部として記憶されています。
後のCyrusのアーティストとしての進化を振り返るうえでも、「Nobody’s Perfect」は“ロールモデル”としての役割を担っていた過去を象徴する、重要な一曲と言えるでしょう。
12. Who Owns My Heart (2010)
Released in October 2010 as the second single from Miley Cyrus’s third studio album Can’t Be Tamed, “Who Owns My Heart” is a sleek electropop-dance track that explores the blurred lines between physical attraction and emotional connection. Co-written by Cyrus along with Antonina Armato, Tim James, and Devrim Karaoglu, and produced by Rock Mafia, the song builds on a pulsating beat and shimmering synth layers, echoing the European dance-pop sound of the late 2000s.
Lyrically, the song questions the authenticity of romantic feelings experienced in a nightclub setting—“Is it love or is it art?”—suggesting that the sensory overload of music, lights, and movement may be manipulating the heart. It reflects a moment of emotional confusion and youthful self-inquiry, wrapped in a glossy, club-ready package.
The music video, directed by Robert Hales, contrasts scenes of Cyrus preparing in an elegant mansion with her wild transformation into a glamorous club persona, symbolizing duality and the construction of desire. While the song was a bigger hit in Europe than in the U.S., it has since gained cult appreciation for its infectious production and reflective theme.
“Who Owns My Heart” highlights Cyrus’s continued exploration of identity, sensuality, and the interplay between performance and emotion.
「Who Owns My Heart」は、2010年10月にリリースされたMiley Cyrusの3rdアルバム『Can’t Be Tamed』からのセカンドシングルであり、身体的魅力と本物の感情との境界線を問いかけるダンスポップ曲です。Antonina Armato、Tim James、Devrim Karaogluとの共作で、プロデュースはRock Mafiaが担当。ヨーロッパのクラブミュージックに影響を受けた煌びやかなエレクトロポップ・サウンドが特徴です。
歌詞では、音楽と熱気に包まれたクラブの中での感情が本物なのか、それとも幻想なのかを問いかけます。「それは愛なの？それとも芸術？」というラインは、外的な刺激が自分の心をどう動かしているのか分からなくなるという、若さゆえの揺らぎと感覚の迷いを表しています。
MV（監督：Robert Hales）では、豪邸での準備シーンと、クラブでのセクシーで華やかな姿との対比が描かれ、欲望と演出、感情の二面性を象徴しています。この楽曲はアメリカでは商業的成功には至らなかったものの、ヨーロッパ諸国では一定の人気を博し、近年では“隠れた名曲”として再評価されています。
「Who Owns My Heart」は、Miley Cyrusが『Can’t Be Tamed』期において自己表現やセクシュアリティ、感情の複雑性を探求していたことを示す象徴的な一曲です。
11. Fly on the Wall (2008)
“Fly on the Wall” was released in November 2008 as the second single from Miley Cyrus’s second studio album, Breakout. Written by Cyrus along with Antonina Armato and Tim James (of the production team Rock Mafia), the track blends electro-pop with rock elements, featuring gritty guitar riffs, a danceable beat, and a darkly playful tone.
The song uses the metaphor of a “fly on the wall” to critique invasive media attention and obsessive ex-lovers. Lyrically, Cyrus addresses someone who wants to see every part of her life—“You don’t understand what it is / That makes me tick, but you wish you did”—with sarcasm and frustration. It was one of the first major pop songs where she addressed the scrutiny of fame, especially as a teenage celebrity navigating her transition from Hannah Montana.
Although it didn’t achieve massive commercial success compared to some of her other hits, “Fly on the Wall” was praised for its edgy production and marked an early experimentation with a darker, more assertive sound. It signaled Cyrus’s desire to push beyond the boundaries of Disney pop and start shaping her own musical identity, setting the stage for the bold reinventions that would follow in the next decade.
「Fly on the Wall」は2008年11月にリリースされたMiley Cyrusの2枚目のスタジオアルバム『Breakout』からのセカンドシングルであり、彼女の“脱・Hannah Montana”期における初期の重要な一曲です。作詞・作曲はCyrus本人とRock MafiaのAntonina Armato、Tim Jamesによって手がけられ、エレクトロポップとロックを融合させたサウンドが特徴。ザラついたギターリフとダンサブルなビートが、当時のティーンポップには珍しいダークな雰囲気を醸し出しています。
歌詞では、プライバシーを覗き見ようとするメディアや元恋人を「壁のハエ」に例え、監視されることへの苛立ちや皮肉が込められています。「私を理解していないのに、理解したがる」というラインには、表面的な注目と内面への無理解への拒絶が表現されています。
この楽曲は大ヒットには至らなかったものの、その挑戦的なサウンドと“アイドル像”からの脱却の兆しが批評家からは好意的に受け止められました。Mileyが単なるティーンスターではなく、自らの音楽的ビジョンを模索し始めたことを示す初期のステップであり、のちの『Can’t Be Tamed』や『Bangerz』といった変身の前触れとなる重要な楽曲です。
10. Mother’s Daughter (2019)
Released in June 2019 as the lead single from Miley Cyrus’s EP She Is Coming, “Mother’s Daughter” is a fierce, feminist anthem co-written with Andrew Wyatt and Alma Miettinen, and produced by Wyatt. The track blends trap-pop and electro-rock elements, marked by heavy beats, distorted synths, and a defiant vocal delivery that channels Cyrus’s punk-pop energy.
Lyrically, the song is a bold declaration of bodily autonomy, self-empowerment, and generational strength. Lines like “Don’t f** with my freedom”* and “I came back to get me some” position Cyrus as both an individual and a symbolic daughter of collective resistance. The title references not only her literal mother but also the inherited fight of women and marginalized people against systemic control.
The accompanying music video, directed by Alexandre Moors, features powerful imagery including LGBTQ+ activists, women with disabilities, breastfeeding mothers, and other symbols of resistance and identity. It reinforces the song’s message of radical inclusivity and personal sovereignty.
“Mother’s Daughter” became an LGBTQ+ and feminist rallying cry, further distancing Cyrus from past controversies and reaffirming her as a politically engaged, culturally attuned pop force. It marked a return to aggressive self-expression and genre fusion while foreshadowing the sonic diversity of her later album Plastic Hearts.
「Mother’s Daughter」は2019年6月にリリースされたEP『She Is Coming』のリードシングルであり、Miley Cyrusのフェミニズム的メッセージを前面に押し出した力強いアンセムです。Andrew Wyatt（プロデューサー）とフィンランドのアーティストAlma Miettinenとの共作で、トラップポップやエレクトロロックの要素を融合した、攻撃的かつエネルギッシュなサウンドが特徴です。
歌詞は「自由を侵すな（Don’t f*** with my freedom）」というフレーズをはじめとして、身体的自己決定権や女性のエンパワーメント、抑圧への抵抗を高らかに宣言する内容となっています。タイトルの「母の娘」は、実の母を指すと同時に、歴史的・社会的に抑圧と戦ってきた“母なる存在たち”の意志を受け継ぐ者としての自覚をも意味します。
MV（監督：Alexandre Moors）は、多様な身体やジェンダー、母性、セクシュアリティを象徴する人物たちをフィーチャーし、ラディカルなインクルージョン（包摂性）と個人の主権を視覚的に強調しています。
この曲はLGBTQ+やフェミニスト・コミュニティの間で共感を呼び、“Bangerz”時代の過激さとは異なる形で、政治性と自己表現を融合させた新たなCyrus像を確立しました。また、この路線は後の『Plastic Hearts』におけるジャンル横断的なサウンドと社会意識にもつながる伏線として機能しています。
09. Malibu (2017)
Released in May 2017 as the lead single from her sixth studio album Younger Now, “Malibu” marked a significant shift in Miley Cyrus’s musical direction and public image. Co-written with producer Oren Yoel, the song adopts a breezy, soft pop-rock and folk-pop style, stripping away the edgy provocation of her Bangerz and Dead Petz eras in favor of a more organic, introspective sound.
Lyrically, “Malibu” is a love letter to renewal and serenity, written during a period of personal reconciliation with actor Liam Hemsworth. Lines like “I never would’ve believed you if three years ago you told me I’d be here writing this song” reveal a sense of emotional growth and surprised joy. The song celebrates vulnerability, grounded love, and nature as sources of healing.
Though it received mixed reviews upon release, many praised its understated charm and the shift toward authenticity. The accompanying sun-soaked music video, featuring Cyrus barefoot in the California landscape, reinforced the track’s themes of simplicity and emotional rebirth.
“Malibu” represented a turning point in Miley’s career—trading spectacle for sincerity—and laid the groundwork for the more mature, reflective tone she would later explore more deeply in Plastic Hearts and Endless Summer Vacation.
「Malibu」は、2017年5月にリリースされたMiley Cyrusの6枚目のアルバム『Younger Now』からのリードシングルであり、彼女の音楽性とパブリックイメージにおける大きな転換点を示す楽曲です。プロデューサーのOren Yoelとの共作で、ポップ・ロックやフォーク・ポップの要素を取り入れた柔らかく穏やかなサウンドが特徴です。『Bangerz』や『Dead Petz』期の攻めた表現から一転し、内省的かつ自然体なトーンへと舵を切りました。
歌詞では、俳優Liam Hemsworthとの関係を再構築した時期に書かれたとされ、心の安らぎや再出発の喜びが描かれています。「3年前にこの歌を書くことになるなんて言われても、信じられなかった」というラインには、予想外の再会と感情的成長への驚きと喜びが滲み出ています。
当初は賛否が分かれたものの、その素朴で誠実なトーンは多くのリスナーに新鮮に映り、好意的な評価も受けました。海辺で自然と戯れるCyrusを映したMVも、楽曲のテーマである“シンプルな愛”や“癒しとしての自然”を視覚的に補完しています。
「Malibu」は、Miley Cyrusがセンセーショナルな演出を離れ、自身の内面に立ち返った誠実な音楽表現への第一歩を象徴する一曲であり、その後の『Plastic Hearts』『Endless Summer Vacation』へと続く成熟したスタイルの萌芽を感じさせます。
08. Flowers (2023)
Released in January 2023 as the lead single from her album Endless Summer Vacation, “Flowers” became a global smash hit and a defining moment in Miley Cyrus’s career. Written by Cyrus alongside Gregory “Aldae” Hein and Michael Pollack, and produced by Kid Harpoon and Tyler Johnson, the song features a smooth blend of disco-pop, funk, and retro-leaning soul influences. Its relaxed groove contrasts with the strength and clarity of its lyrical message.
“Flowers” is a self-love anthem born from heartbreak, widely interpreted as a response to Cyrus’s past relationship with actor Liam Hemsworth. The lyrics reframe loss into empowerment, most notably in the chorus: “I can buy myself flowers, write my name in the sand…” The song flips Bruno Mars’s “When I Was Your Man” to emphasize autonomy and emotional independence.
The track’s immense popularity, bolstered by its viral music video and strategic release on Hemsworth’s birthday, helped it top charts worldwide—including the Billboard Hot 100—and sparked widespread cultural conversations. “Flowers” reasserted Cyrus’s relevance in the pop landscape, not through provocation, but through emotional clarity, subtle wit, and mature reinvention. It is now considered a modern pop classic and a landmark in her artistic evolution.
「Flowers」は2023年1月にリリースされたMiley Cyrusのアルバム『Endless Summer Vacation』のリードシングルであり、世界的な大ヒットを記録した代表曲です。Gregory “Aldae” Hein、Michael Pollackとの共作で、プロデュースはKid HarpoonとTyler Johnsonが担当。ディスコポップやファンク、ソウルの要素を取り入れた洗練されたサウンドに、静かな自信を湛えたボーカルが重なります。
この楽曲は、かつての恋愛（特に俳優Liam Hemsworthとの関係）を背景にしながら、失恋を自己肯定と再生へと昇華したセルフラブ・アンセムです。特に「自分で花を買えるし、自分の名前を砂に書ける」と歌うサビは、Bruno Marsの「When I Was Your Man」に対するアンサーとしても解釈され、過去の依存を超えた自己充足のメッセージが多くの共感を呼びました。
MVも話題となり、Hemsworthの誕生日に合わせてリリースされたタイミングの巧妙さも相まって、Billboard Hot 100を含む多くの国で1位を獲得。感情の明晰さと節度のあるユーモアによって、Mileyは挑発ではなく成熟した再解釈でポップ界に再び確固たる存在感を示しました。
「Flowers」は、Cyrusの芸術的進化を象徴するモダンなポップクラシックとして、今後も語り継がれる1曲です。
07. Angels Like You (2020)
“Angels Like You” is a heartfelt ballad from Miley Cyrus’s 2020 album Plastic Hearts, co-written with Ali Tamposi, Ryan Tedder, and Andrew Watt (who also produced the track). Marked by its restrained yet emotionally potent pop-rock sound, the song showcases Cyrus’s raw, husky vocals layered over rich guitar melodies and a soaring chorus.
The lyrics delve into themes of regret, emotional self-awareness, and letting go of love for someone else’s sake. The central line—“Angels like you can’t fly down here with me”—expresses the painful realization that the narrator’s flaws make them unworthy of the pure-hearted person they love. Unlike her more defiant anthems, this track is introspective and self-critical, adding vulnerability and nuance to her Plastic Hearts era.
Critically acclaimed, “Angels Like You” became a fan favorite, praised for its lyrical depth and classic rock influences. The live performance at a socially distanced vaccine event in 2021 further underscored its resonance, as Cyrus dedicated it to the collective effort to heal. The song stands as one of her most emotionally mature works, bridging the aesthetics of glam rock with confessional songwriting, and cementing her position as a dynamic artist who thrives in vulnerability as much as power.
「Angels Like You」は、2020年リリースのアルバム『Plastic Hearts』に収録されたバラードで、Miley CyrusがAli Tamposi、Ryan Tedder、Andrew Watt（プロデューサーも兼任）と共に手がけた楽曲です。シンプルなギターを基調としたポップ・ロック調のサウンドに乗せて、Cyrusのハスキーで感情を込めた歌声が静かに、しかし力強く響きます。
歌詞は、自己認識と別れの痛みに満ちており、相手のために自分が身を引くという切ない決断を描いています。特に「Angels like you can’t fly down here with me（あなたのような天使は、私のいる場所にはいられない）」というフレーズに、愛しているからこそ手放すという複雑な感情が凝縮されています。これは『Plastic Hearts』の中でも異彩を放つ、内省的で繊細な一曲です。
批評家からはその誠実な歌詞と70年代ロックに通じる音作りが高く評価され、ファンの間でも人気の高い楽曲となりました。2021年にワクチン普及イベントで披露されたライブバージョンでは、社会全体への思いを込めて歌われ、さらに深い共鳴を呼びました。
「Angels Like You」は、Miley Cyrusが“強さ”だけでなく“弱さ”をも音楽に昇華させた、成熟したアーティストとしての表現力を証明する一曲です。
06. Can’t Be Tamed (2010)
Released in May 2010 as the lead single from her third studio album of the same name, “Can’t Be Tamed” marked Miley Cyrus’s first major breakaway from her Disney image. Written by Cyrus, Antonina Armato, and Tim James, and produced by Rock Mafia, the song blends electropop with dance-pop and synth-rock elements, creating an edgy and rebellious sound that reflected her desire for autonomy.
The lyrics are a bold statement of independence and self-definition, with Cyrus declaring she won’t conform to anyone’s expectations. Lines like “I can’t be tamed, I can’t be blamed” underline her shift away from the wholesome image cultivated during her Hannah Montana years. Musically, the track was influenced by the dancefloor sounds of the late 2000s, featuring pounding beats and layered electronic textures.
The music video further emphasized her transformation, with dark, provocative imagery that generated controversy at the time but also symbolized artistic liberation. Although the song received mixed reviews upon release, it has since been reappraised as a significant milestone in her evolution.
“Can’t Be Tamed” remains a defining moment in Cyrus’s career—both as a declaration of independence and as a cultural artifact capturing her emergence as a complex, self-directed pop artist.
「Can’t Be Tamed」は2010年5月にリリースされたMiley Cyrusの3枚目のスタジオアルバムの表題曲であり、ディズニー的イメージからの決別を明確に打ち出した初めてのシングルです。作詞にはCyrus自身と、Antonina Armato、Tim Jamesが参加し、プロデュースはRock Mafiaが担当。エレクトロポップやダンスポップ、シンセロックの要素を融合させた、攻撃的で自由を象徴するようなサウンドが特徴です。
歌詞では、「私は誰にも飼いならされない（Can’t Be Tamed）」というメッセージを軸に、期待や制約に縛られずに生きる決意を表現しています。これは、かつての「Hannah Montana」時代のイメージを打ち破り、自己を新たに定義しようとする強い意志の表れです。
ミュージックビデオでは、鳥かごの中から解放されるシンボリックな演出や挑発的な衣装が話題を呼び、一部で物議を醸しましたが、同時に“脱アイドル化”と“芸術的自己解放”の象徴ともなりました。
当初は批評家から賛否両論を受けたものの、近年ではCyrusの変化と成長を象徴する重要な楽曲として再評価されています。「Can’t Be Tamed」は、ポップスターとしての新たな自我の誕生を告げる、転換点となる一曲です。
05. Party In The U.S.A. (2009)
Released in August 2009, “Party in the U.S.A.” is one of Miley Cyrus’s most enduring pop anthems. Written by Jessie J, Dr. Luke (Lukasz Gottwald), and Claude Kelly, and produced by Dr. Luke, the track blends catchy pop melodies with subtle hip-hop elements, reflecting the crossover pop sound of the late 2000s. Although originally intended for Jessie J, the song found new life with Miley’s distinct vocal tone and youthful energy.
Lyrically, the song tells the story of a young woman moving to Los Angeles, feeling out of place but finding comfort through familiar music—specifically Jay-Z and Britney Spears. It celebrates music as a source of identity, belonging, and confidence, making it relatable for young listeners navigating change and self-discovery.
The track became an instant hit, peaking at No. 2 on the Billboard Hot 100 and becoming a pop culture staple. Over time, it has also taken on symbolic significance in moments of national sentiment, often played at political rallies or patriotic events, despite its light-hearted origin. “Party in the U.S.A.” marks an important moment in Miley’s career, bridging her Hannah Montana fame and her early steps into mainstream pop stardom.
「Party In The U.S.A.」は2009年8月にリリースされ、Miley Cyrusの代表的なポップアンセムとして長く親しまれている楽曲です。Jessie J、Dr. Luke（Lukasz Gottwald）、Claude Kellyによって作詞・作曲され、プロデュースはDr. Lukeが担当。当初はJessie J自身のために書かれた楽曲でしたが、Cyrusの若々しくキャッチーな歌声によって新たな魅力が引き出されました。
歌詞は、ロサンゼルスに引っ越してきた主人公が不安を感じながらも、Jay-ZやBritney Spearsといった自分にとっての“音楽的な帰属感”に支えられ、前向きになっていく様子を描いています。音楽がアイデンティティと安心感を与える存在であることをテーマに、若者の心に響く構成となっています。
Billboard Hot 100で2位を記録し、ティーンポップの枠を超えて広くヒットした本曲は、軽快で親しみやすいメロディも相まって、米国内では愛国的イベントや政治集会などでも象徴的に使用されることが増えていきました。
「Party In The U.S.A.」は、Cyrusが『Hannah Montana』から脱却し、メインストリームのポップアーティストとしての第一歩を踏み出した重要な楽曲でもあります。彼女の“移行期”を象徴する一曲として、今なお多くの人に愛されています。
04. Wrecking Ball (2013)
Released in August 2013 as the second single from Bangerz, “Wrecking Ball” became one of Miley Cyrus’s most commercially successful and emotionally intense songs. Written by MoZella, Stephan Moccio, Sacha Skarbek, Lukasz “Dr. Luke” Gottwald, and Henry “Cirkut” Walter (the latter two also producing), the ballad combines vulnerable lyrics with a dramatic pop production that builds to a thunderous chorus.
Lyrically, the song captures the emotional wreckage of a collapsing relationship. The metaphor of the “wrecking ball” represents Cyrus’s passionate love crashing into a partner’s defenses, only to be met with emotional devastation. Her vocal delivery is raw and aching, particularly in lines like “I never meant to start a war”, revealing regret and longing.
The accompanying music video, directed by Terry Richardson, generated massive controversy and viral attention, featuring Cyrus swinging nude on a wrecking ball—both a literal and symbolic representation of vulnerability and destruction. The video amplified the song’s themes while fueling debates about artistic expression and media sensationalism.
“Wrecking Ball” topped the Billboard Hot 100 and solidified Miley’s post-Disney identity as a provocative, emotionally complex artist. It remains a defining moment in her career, blending raw emotion, pop spectacle, and personal reinvention.
「Wrecking Ball」は、2013年8月にアルバム『Bangerz』からの第2弾シングルとしてリリースされ、Miley Cyrusのキャリアにおける最大級のヒット曲かつ感情的なクライマックスとなる作品です。作詞・作曲にはMoZella、Stephan Moccio、Sacha Skarbek、そしてプロデューサーのDr. LukeとCirkutが関わっています。パワフルなポップ・バラードでありながら、静かな導入から劇的なサビへと展開する構成が特徴です。
歌詞では、破れた恋愛の痛みと、壊れていく関係の中で自らが「破壊者（Wrecking Ball）」となってしまったことへの後悔と悲しみが描かれます。「戦争を始めたかったわけじゃない」というラインに込められた後悔の感情と、切実なボーカルが強い印象を残します。
MVはTerry Richardsonが監督を務め、ヌードで鉄球に乗るという映像が大きな話題を呼びました。象徴的なビジュアルとセンセーショナルな演出は、楽曲の持つ破壊と裸の感情を視覚的に表現しつつ、世間から賛否を巻き起こしました。
この曲はBillboard Hot 100で1位を獲得し、Cyrusがディズニースターから脱却し、挑発的かつ感情豊かなアーティストとして生まれ変わったことを強く印象づけた名曲です。
03. The Climb (2009)
Released in 2009 as part of the Hannah Montana: The Movie soundtrack, “The Climb” is one of Miley Cyrus’s most iconic ballads and a key moment in her transition from Disney star to serious vocalist. Written by Jessi Alexander and Jon Mabe, and produced by John Shanks, the song is a country-pop power ballad with inspirational overtones. It showcases Cyrus’s emotive vocal delivery, backed by soft guitar strumming and soaring orchestration.
Lyrically, “The Climb” speaks to perseverance, inner strength, and finding meaning in the journey rather than the destination. The chorus line “It’s the climb” became an anthem of resilience and self-belief, resonating deeply with audiences across age groups. The song’s universal message, paired with Cyrus’s heartfelt performance, gave it crossover appeal beyond the film’s original target demographic.
Critically praised and commercially successful, “The Climb” topped Billboard’s Adult Contemporary chart and became a staple at graduation ceremonies and motivational playlists. It also marked a pivotal point in Cyrus’s career, signaling her ability to deliver emotionally grounded material and move beyond the teen pop persona. Even years later, the song remains one of her most beloved and enduring tracks, often revisited in live performances with renewed emotional power.
「The Climb」は、2009年に映画『Hannah Montana: The Movie』のサウンドトラックとして発表され、Miley Cyrusのキャリアにおいて最も象徴的なバラードの一つです。Jessi AlexanderとJon Mabeによって書かれ、John Shanksがプロデュースしたこの楽曲は、カントリーとポップが融合した力強くも繊細なバラードで、Cyrusの感情豊かなボーカルが印象的です。
歌詞のテーマは「努力」「内なる強さ」「目的地ではなくその過程に意味がある」という普遍的なメッセージで、「It’s the climb（登っていくことが大切）」というフレーズが、多くの人々の心に残る励ましの言葉となりました。映画の枠を超えて広く支持され、卒業式やモチベーションを高める場面でよく用いられる楽曲となっています。
BillboardのAdult Contemporaryチャートで1位を獲得するなど商業的にも成功を収めた本作は、Mileyがディズニースターのイメージを超えて、感情表現豊かなシンガーとしての可能性を示した重要な作品です。キャリア初期の代表曲でありながら、今もライブで披露されることが多く、彼女の“原点”として愛され続けています。
02. We Can’t Stop (2013)
“We Can’t Stop,” released in June 2013, marked a radical departure for Miley Cyrus, initiating her controversial yet defining Bangerz era. Produced by Mike Will Made-It and co-written by Cyrus alongside Rock City, Douglas Davis, and Ricky Walters (the latter two credited due to the interpolation of “La Di Da Di”), the track fuses mellow hip-hop beats with laid-back pop-R&B vocals, reflecting the rise of trap-influenced pop in the early 2010s.
Lyrically, the song is an anthem of youthful rebellion, hedonism, and self-expression, asserting a right to personal freedom. Lines like “It’s our party, we can do what we want” and “Remember only God can judge ya” became generational mantras for unapologetic living. The hazy, slow-tempo vibe contrasts with the party themes, creating a languid yet defiant atmosphere.
The music video, featuring surreal party imagery and provocative visuals, stirred major media attention and helped redefine Cyrus’s public persona—from Disney starlet to boundary-pushing pop provocateur. The track’s cultural impact was immense: it polarized audiences but resonated with many as a declaration of artistic liberation. “We Can’t Stop” cemented Cyrus’s commitment to transformation, disruption, and the blurred lines between pop and hip-hop aesthetics.
「We Can’t Stop」は2013年6月にリリースされ、Miley Cyrusが“Bangerz”時代へと突入するきっかけとなった楽曲です。この曲はMike Will Made-Itがプロデュースし、Rock Cityや、曲中で引用されている「La Di Da Di」の作者であるDouglas Davis（Doug E. Fresh）とRicky Walters（Slick Rick）らと共に作詞されています。サウンドはヒップホップとR&Bの要素を取り入れた、スローで煙たいようなビートが特徴で、当時のトラップ・ポップ潮流の先駆け的存在となりました。
歌詞では、若者の自由、快楽主義、そして自己表現の権利を高らかに謳い上げています。「自分たちのパーティーなんだから、好きにしていい」「神様だけが私を裁ける」といったフレーズは、その時代の若者の“無敵感”や反抗心を象徴する言葉として広まりました。
MVでは奇抜で挑発的なビジュアルが話題を呼び、Cyrusはかつてのディズニースターから一気に“攻めるポップアイコン”へと転身。メディアやファンの間で賛否両論を巻き起こしながらも、その影響力は絶大で、「We Can’t Stop」は彼女の“変身願望”と“ジャンルの越境”を体現した代表曲となりました。
01. Midnight Sky (2020)
Released in August 2020, “Midnight Sky” marks a bold turning point in Miley Cyrus’s artistic evolution. Co-written and co-produced by Cyrus along with Andrew Watt, Louis Bell, and Ali Tamposi, the song is an empowering synth-driven pop-rock anthem heavily inspired by 1980s icons such as Stevie Nicks and Joan Jett. Its driving synth bassline, raspy vocals, and disco-rock flair recall the glam energy of Fleetwood Mac’s “Edge of Seventeen”, to which Cyrus later paid direct homage with the remix “Edge of Midnight.”
Lyrically, “Midnight Sky” reflects a declaration of independence and self-definition following public breakups. Cyrus sings unapologetically about reclaiming her freedom, owning her narrative, and rejecting societal expectations placed on women—especially in the spotlight. The repeated line “I was born to run, I don’t belong to anyone” encapsulates her fierce autonomy.
The track was met with critical acclaim and became a cultural moment, reinforcing Cyrus’s identity as a genre-fluid, boundary-pushing artist. It also served as a key single leading up to her Plastic Hearts album, cementing her embrace of glam rock and pop fusion. The music video, directed by Cyrus herself, is a visual celebration of sensuality, confidence, and self-determination.
「Midnight Sky」は、2020年8月にリリースされたMiley Cyrusの代表的な転機となる楽曲です。プロデューサーにはAndrew Watt、Louis Bell、Ali Tamposiらが参加し、80年代のStevie NicksやJoan Jettにインスパイアされたサウンドが特徴です。シンセ・ベースとグラム・ロック的なアレンジが印象的で、Fleetwood Macの「Edge of Seventeen」へのオマージュも込められ、のちに両曲を融合させたリミックス「Edge of Midnight」も発表されました。
歌詞は、自立と自己決定の宣言であり、パブリックな別れを経験したCyrusが、他人の期待やルールに縛られず、自分自身の生き方を貫く姿勢を力強く表現しています。「I was born to run, I don’t belong to anyone」というラインがその象徴です。
この楽曲は批評的にも高く評価され、Cyrusの「ジャンルを超える存在」としての立ち位置をさらに強固にしました。『Plastic Hearts』への布石としても重要であり、彼女がロックやディスコの文脈をポップに再構築するセンスを示した作品となっています。セルフディレクションによるMVも、その視覚的自立性を際立たせています。