20. Try, Try, Try (2000)
“Try, Try, Try” is a single from The Smashing Pumpkins’ fifth studio album, Machina/The Machines of God (2000), written and produced by Billy Corgan, with co-production by Flood. As one of the album’s more accessible and melodic tracks, it combines introspective lyricism with a warm, alternative pop-rock sound, contrasting with the album’s otherwise heavy, industrial leanings.
The song opens with jangly guitar chords and a steady rhythm, evolving into a melancholic yet hopeful chorus. Its production is relatively stripped-down compared to other Machina tracks, allowing the emotional vulnerability in Corgan’s vocals to shine. Thematically, it addresses persistence, emotional fragility, and the desire to heal—“Try to hold on to this heart, a little bit longer” being the song’s emotional anchor.
What elevated “Try, Try, Try” to cultural prominence was its haunting music video, directed by Jonas Åkerlund, which depicted the struggles of a young, heroin-addicted couple. The stark realism and social commentary sparked controversy but also added a visceral layer of meaning to the song’s message.
Though not a major chart hit, “Try, Try, Try” is remembered for its emotional clarity and compassionate tone, serving as a poignant moment in the Pumpkins’ late-period catalog and reflecting a mature, empathetic lyrical shift in Corgan’s songwriting.
「Try, Try, Try」は、2000年にリリースされたThe Smashing Pumpkinsの5枚目のアルバム『Machina/The Machines of God』に収録されたシングルであり、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを担当し、Floodとの共同プロデュースで制作されました。アルバム全体のヘヴィかつインダストリアルな音像とは異なり、この曲はよりメロディックで親しみやすいオルタナティヴ・ポップ調の楽曲です。
軽やかなギターと落ち着いたビートに乗せて展開されるこの曲は、内省的な感情と希望が交差するバラードであり、「Try to hold on to this heart, a little bit longer（この心にもう少しだけしがみついて）」というフレーズがその中心にあります。過去の怒りや虚無から距離を取り、傷つきながらも前に進もうとする姿勢が描かれています。
この曲の印象をより強く残したのは、ヨナス・アカーランドが監督した衝撃的なMVの存在です。若い麻薬中毒のカップルの日常をリアルに描いた映像は、社会的問題を直視するものであり、多くの議論を呼びました。
商業的成功は控えめでしたが、「Try, Try, Try」はThe Smashing Pumpkinsの“共感するまなざし”を示す重要な作品であり、コーガンの作詞世界がより成熟し、優しさと人間味を帯び始めた時期を象徴する1曲です。
19. The Celestials (2012)
“The Celestials” is a mid-tempo ballad by The Smashing Pumpkins, released in 2012 as the lead promotional single from their eighth studio album Oceania. Written and produced by Billy Corgan, the track blends acoustic warmth with soaring electric crescendos, offering a modern evolution of the band’s classic sound.
Musically, “The Celestials” begins with gentle acoustic guitar and string arrangements, gradually expanding into a fuller rock production with layered electric guitars and a climactic finish. The contrast between softness and intensity evokes the dynamics of earlier Pumpkins ballads like “Disarm” and “Tonight, Tonight,” while integrating a matured, refined sonic palette.
Lyrically, the song deals with themes of disillusionment, redemption, and emotional renewal. Lines like “Everything I want is free / ‘Cause I’m a child of the stars you see” suggest a return to innocence and cosmic hope, contrasting with Corgan’s more nihilistic earlier writing. The tone is melancholic but ultimately searching for light.
Critically, “The Celestials” was praised for its melodic beauty and emotional clarity, and it helped reposition the band after a turbulent post-Machina period. While not a chart-topping hit, the song stands as a highlight of Oceania, showcasing Corgan’s continued evolution as a songwriter with both intimacy and ambition.
「The Celestials」は、The Smashing Pumpkinsが2012年にリリースした8枚目のスタジオアルバム『Oceania』からのプロモーション・シングルであり、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを担当しました。この楽曲は、アコースティックとエレクトリックの対比を巧みに用いた構成で、バンド初期の美学を現代的に再構築しています。
冒頭はアコースティックギターとストリングスによる柔らかで繊細な導入で始まり、後半にかけて轟音ギターが重なりクライマックスへと到達する、静と動のコントラストが印象的です。「Disarm」や「Tonight, Tonight」などの過去作を彷彿とさせる一方で、より円熟した音響処理が施されています。
歌詞では、失望や救済、そして再生のテーマが扱われており、「Everything I want is free / ’Cause I’m a child of the stars you see（僕の欲しいものはすべて無料だ／だって僕は星の子だから）」というフレーズには、過去のニヒリズムから一歩踏み出した希望の兆しが感じられます。
商業的な大ヒットには至らなかったものの、「The Celestials」は批評家やファンから高く評価され、アルバム『Oceania』の中でも最もエモーショナルで完成度の高い1曲とされています。混乱の時期を経たThe Smashing Pumpkinsの新たな地平を示す重要な作品です。
18. To Forgive (1995)
“To Forgive” is a somber, introspective ballad from The Smashing Pumpkins’ 1995 double album Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written and produced by Billy Corgan, with co-production by Flood and Alan Moulder, the song represents one of the album’s most emotionally raw and minimalist moments, standing in stark contrast to its more grandiose or aggressive tracks.
Built around sparse instrumentation—mainly clean electric guitar, subdued percussion, and delicate string textures—“To Forgive” highlights Corgan’s vulnerable vocal delivery. Musically restrained yet emotionally potent, the song unfolds slowly, allowing its melancholy to linger and deepen.
Lyrically, it explores the long-lasting wounds of childhood trauma, alienation, and the difficult process of self-forgiveness. The haunting line “I forget to forget nothing is important” echoes themes of emotional paralysis and unresolved pain. Unlike other tracks on the album that externalize angst, “To Forgive” turns inward, making it one of the most personal pieces in the Pumpkins’ catalog.
While never released as a single, “To Forgive” has resonated deeply with listeners for its stark honesty and delicate composition. It serves as a quiet but essential emotional center within Mellon Collie, reflecting Corgan’s gift for crafting vulnerability within an epic framework.
「To Forgive」は、The Smashing Pumpkinsが1995年にリリースした2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』に収録されたバラード曲であり、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを担当し、Floodとアラン・モウルダーとの共同プロデュースで制作されました。アルバムの中でも特に内省的で静謐な楽曲として位置づけられています。
クリーントーンのギター、抑えたパーカッション、繊細なストリングスといった最小限の編成で構成されており、コーガンのかすれたようなヴォーカルが感情の奥深くに迫ります。派手さはないものの、その静かな佇まいの中に痛みと優しさが同居しているような印象を与えます。
歌詞では、幼少期のトラウマや孤独感、そして「許すこと」の難しさが描かれており、「I forget to forget nothing is important（忘れることを忘れてしまった、何も重要ではない）」という一節には、感情の麻痺や自己否定の深さがにじみ出ています。
シングルカットはされていないものの、「To Forgive」はファンの間で非常に高く評価されており、『Mellon Collie』という壮大な作品の中において、静かながらも感情の核心を担う重要な1曲です。ビリー・コーガンの繊細で誠実なソングライティングが最も真っ直ぐに伝わる楽曲のひとつといえるでしょう。
17. Tristessa (1990)
“Tristessa” is the second official single released by The Smashing Pumpkins, issued in 1990 on Sub Pop Records—the legendary Seattle label known for grunge acts like Nirvana and Soundgarden. Written by Billy Corgan, the track was later re-recorded for their debut album Gish (1991), produced by Butch Vig. The song’s title is likely inspired by Jack Kerouac’s novella Tristessa, evoking themes of beauty, melancholy, and spiritual yearning.
Musically, “Tristessa” is a blistering blend of heavy alternative rock and psychedelic influences. It features swirling, distorted guitars, dynamic tempo shifts, and emotionally charged vocals that showcase the band’s raw energy and Corgan’s flair for dramatic tension. The track exemplifies early Smashing Pumpkins: dense yet melodic, aggressive yet emotionally expressive.
Lyrically, the song is impressionistic and abstract, focusing more on mood than narrative. Repetition of the word “Tristessa” adds to its hypnotic, almost chant-like quality, enhancing the track’s mystical atmosphere.
While “Tristessa” didn’t achieve mainstream success, it played a crucial role in attracting attention from major labels and helped secure the band’s deal with Caroline Records. It stands today as a formative piece in the band’s evolution—bridging the raw energy of their early days with the sonic ambition that would define their later work.
「Tristessa」は、The Smashing Pumpkinsが1990年にSub Pop Recordsからリリースした2作目のシングルであり、グランジ黎明期のシアトル・シーンを象徴するレーベルから発表されたことで注目を集めました。ビリー・コーガンが作詞作曲を担当し、翌1991年のデビューアルバム『Gish』では再録されたバージョンが収録されています。タイトルの「Tristessa」は、ジャック・ケルアックの同名小説に由来し、哀しみや美、精神的渇望といったテーマを暗示しています。
楽曲は、轟音のディストーション・ギター、サイケデリックな音響処理、テンポの起伏、そして感情のうねりを感じさせるヴォーカルによって構成されており、初期のPumpkinsらしい激しさと情緒の入り混じったスタイルが色濃く表れています。
歌詞は物語性よりも詩的な印象を重視しており、「Tristessa」という言葉を繰り返すことで、催眠的で神秘的な雰囲気を強調しています。
商業的な成功には至らなかったものの、「Tristessa」はバンドの存在を業界内に印象づけ、後のメジャーデビューへと繋がる重要なステップとなりました。荒削りながらも情熱に満ちたこの曲は、The Smashing Pumpkinsの音楽的探求の始まりを告げる一曲として、今なお多くのファンに支持されています。
16. Thirty-Three (1995)
“Thirty-Three” is the fifth and final single from The Smashing Pumpkins’ 1995 double album Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written and produced by Billy Corgan, the track stands out for its gentle, introspective tone and sparse, acoustic-driven arrangement—a stark contrast to the heavier songs on the album.
Musically, “Thirty-Three” features acoustic guitar, subdued piano, and soft drum programming, creating a warm, reflective atmosphere. Corgan’s understated vocals carry a sense of wistful calm and quiet resignation, signaling a moment of emotional clarity amidst the album’s grander, more chaotic moments.
Lyrically, the song contemplates endings, change, and the passage of time. With lines like “Tomorrow’s just an excuse away,” Corgan touches on themes of impermanence, longing, and spiritual rebirth. Though cryptic, the lyrics feel deeply personal and meditative, reflecting a search for peace and meaning.
The song received critical acclaim for its emotional depth and subtle beauty. It also gained attention for being one of the first major-label singles to be released as an internet download in 1996—making it a minor digital milestone.
“Thirty-Three” remains a beloved fan favorite, showcasing the quieter, more vulnerable side of The Smashing Pumpkins, and highlighting Corgan’s lyrical sensitivity and range as a songwriter.
「Thirty-Three」は、The Smashing Pumpkinsが1995年にリリースした2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』からの5枚目かつ最後のシングルであり、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを手がけた楽曲です。アルバム内の激しさとは対照的に、静謐で内省的な雰囲気が漂う作品として際立っています。
アコースティックギターを基調とし、ピアノや控えめなドラム・プログラミングが加わることで、穏やかで温かみのある音像が構築されています。コーガンの歌声も抑制されており、淡い哀愁と静かな決意が感じられます。
歌詞は「Tomorrow’s just an excuse away（明日はただの言い訳）」といった表現に象徴されるように、時間の流れや終わり、変化、再生といったテーマを内省的に描いています。明確な物語性ではなく、詩的かつ個人的な問いかけが織り込まれた内容となっています。
また、「Thirty-Three」は1996年にメジャーレーベルの楽曲としては初めてインターネットで無料配信されたシングルとしても知られ、デジタル音楽配信の先駆けとなった点でも注目されました。
この楽曲は、The Smashing Pumpkinsの内面性と静かな感受性を象徴する作品としてファンに愛され続けており、ビリー・コーガンの繊細な作家性を際立たせる名曲です。
15. I Am One (1990)
“I Am One” is the debut single by The Smashing Pumpkins, originally released in 1990 through the indie label Limited Potential, and later re-recorded for their 1991 debut album Gish. Written by Billy Corgan and co-produced with Butch Vig, the song served as the band’s introduction to the world, showcasing their signature fusion of psychedelic rock, heavy metal, and post-punk influences.
Musically, “I Am One” bursts with youthful intensity, driven by a raw, galloping guitar riff, pounding drums, and Corgan’s snarling vocals. The interplay between aggressive energy and swirling guitar textures foreshadowed the band’s future sonic experiments. The song’s powerful rhythm and shouted refrains make it one of their most straightforwardly rocking tracks.
Lyrically, “I Am One” is both an assertion of identity and a critique of conformity. The repeated declaration “I am one” can be interpreted as a statement of individualism or a sardonic reflection on the illusion of uniqueness in modern society.
While it didn’t chart commercially, “I Am One” became a cult favorite and a key part of the Pumpkins’ early live sets—often extended with improvised rants by Corgan. It laid the groundwork for the ambitious sonic journeys the band would later undertake.
「I Am One」は、The Smashing Pumpkinsが1990年にインディーレーベルLimited Potentialから初めてリリースしたシングルであり、その後1991年のデビューアルバム『Gish』に再録された初期の代表曲です。ビリー・コーガンが作詞作曲を手がけ、ブッチ・ヴィグとの共同プロデュースで制作されました。
楽曲は、荒々しく疾走感のあるギターリフと、重く響くドラムによって構成されており、初期Pumpkinsの若さと攻撃性が全面に表れた仕上がりです。サイケデリックな音像とハードロック的なエネルギーが融合し、後の作品に繋がるサウンド的実験の萌芽を感じさせます。
「I am one」というフレーズを繰り返す歌詞は、一見自己主張のように聞こえるものの、同時に“個”の幻想や現代社会の画一性への皮肉とも読み取れる内容となっています。
商業的な成功には至らなかったものの、この曲はバンド初期のライブで頻繁に演奏され、時にビリー・コーガンによる即興的なスピーチが挿入されることで知られていました。バンドの精神的・音響的な出発点として位置づけられる、原点的な一曲です。
14. Ava Adore (1998)
“Ava Adore” was released in 1998 as the lead single from The Smashing Pumpkins’ fourth studio album, Adore. Written and produced by Billy Corgan, with co-production from Flood, the song marked a dramatic shift in the band’s sound—moving away from guitar-driven alt-rock toward a more electronic, gothic, and industrial-influenced aesthetic.
Musically, “Ava Adore” is built on brooding synths, processed beats, and distorted bass lines, blending new wave, trip-hop, and darkwave elements. Corgan’s whispered, detached vocals amplify the song’s mood of seduction and alienation. It was a bold sonic reinvention that polarized fans but also demonstrated the band’s artistic risk-taking.
Lyrically, the song explores themes of obsessive love, manipulation, and self-destruction. The iconic line “We must never be apart” recurs like a mantra, underscoring the track’s possessive emotional core.
The song’s music video, directed by Dom and Nic, features continuous, surreal visual sequences that enhance its hypnotic feel. “Ava Adore” achieved commercial success (Top 10 in several countries) and became a symbol of the Pumpkins’ gothic reinvention during the Adore era, helping establish Corgan as an ever-evolving figure in alternative music.
「Ava Adore」は、The Smashing Pumpkinsが1998年にリリースした4枚目のアルバム『Adore』のリードシングルで、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを担当し、Floodとの共同プロデュースで完成されました。この曲は、ギターロック主体の過去作から一転し、エレクトロニカ、ゴシック、インダストリアルの要素を大胆に取り入れたサウンドが特徴です。
重く沈んだシンセサイザー、打ち込みによるビート、そして歪んだベースが生み出すダークな音像に、コーガンの囁くようなヴォーカルが重なり、妖しく退廃的な世界観を構築しています。サウンドの劇的な変化は賛否を呼びましたが、バンドの芸術的冒険心と再定義への意志を示す重要な一歩でした。
歌詞では、執着や自己破壊的な愛情、コントロール欲といったテーマが描かれ、「We must never be apart（僕たちは絶対に離れてはいけない）」というフレーズが何度も繰り返され、病的ともいえる愛の感情が浮かび上がります。
ドム＆ニックが手がけたミュージックビデオは、ワンカット風の幻想的な映像で曲の雰囲気をより際立たせました。
「Ava Adore」は、The Smashing Pumpkinsが“暗黒の耽美”へと舵を切ったAdore時代の象徴であり、コーガンの変化し続ける表現者としての姿勢を印象づけた楽曲です。
13. Rocket (1993)
“Rocket” is the fourth single from The Smashing Pumpkins’ 1993 album Siamese Dream, written by Billy Corgan and produced by Butch Vig. Although not as commercially dominant as “Today” or “Disarm,” the song exemplifies the band’s signature fusion of dreamy textures and aggressive guitar work, further cementing their role in shaping ’90s alternative rock.
Musically, “Rocket” opens with shimmering guitar arpeggios that gradually build into soaring layers of distortion and melody. It blends shoegaze and hard rock influences with dynamic shifts that move from hopeful to explosive. The guitar solo and wall-of-sound approach exemplify the dense, emotionally charged production style that defines Siamese Dream.
Lyrically, the song speaks to youthful longing, emotional escape, and the desire for transformation—“I shall be free” being its simple but powerful refrain. While the lyrics are abstract, they evoke a universal yearning to break free from emotional confines or societal expectations.
The accompanying music video, featuring children building a rocket to escape Earth, mirrors these themes of hope, ambition, and transcendence. “Rocket” may not have achieved chart-topping success, but it remains a beloved track that captures the emotional turbulence and sonic ambition at the heart of The Smashing Pumpkins’ early work.
「Rocket」は、The Smashing Pumpkinsの2ndアルバム『Siamese Dream』（1993年）からの4枚目のシングルであり、ビリー・コーガンが作詞作曲、ブッチ・ヴィグがプロデュースを担当しました。商業的には「Today」や「Disarm」ほどのヒットには至らなかったものの、彼らの音楽性を凝縮した代表的な楽曲の一つです。
楽曲は、繊細なギターアルペジオで始まり、次第に轟音ギターとエモーショナルなメロディに包まれていきます。シューゲイザー的な音響処理とハードロック的なダイナミズムが交差し、バンドの特徴である「静と動の美学」が存分に発揮されています。
歌詞は抽象的ながら、「I shall be free（僕は自由になるだろう）」という繰り返しに象徴されるように、抑圧からの解放や自己変容への渇望が描かれています。内面に潜む希望と逃避願望が交錯するような世界観です。
ミュージックビデオでは、子供たちが自作のロケットで地球を脱出しようとする姿が描かれており、楽曲のテーマである「飛翔」と「解放」を視覚的に補完しています。
「Rocket」は、90年代オルタナティヴ・ロックの中でThe Smashing Pumpkinsが独自に築いた情感と音響の世界を象徴する1曲として、今もなお多くのリスナーに愛され続けています。
12. The Everlasting Gaze (2000)
“The Everlasting Gaze” is the lead single from The Smashing Pumpkins’ 2000 album Machina/The Machines of God. Written and produced by Billy Corgan, with co-production by Flood, the track marks a return to a heavier, industrial-tinged sound following the more electronic and subdued textures of 1998’s Adore.
Musically, the song is defined by thick, distorted guitar riffs, a thunderous rhythm section, and Corgan’s snarling, urgent vocals. It draws on industrial rock and metal influences, reminiscent of Nine Inch Nails or Marilyn Manson, but filtered through the Pumpkins’ uniquely melodic sensibility. Its relentless drive and dark aesthetic set the tone for the grand, concept-heavy Machina album.
Lyrically, “The Everlasting Gaze” delves into themes of fame, artificial identity, and spiritual exhaustion, with Corgan critiquing the emptiness of celebrity and the machinery of the music industry. The chorus line “You know I’m not dead” is both defiant and haunting, reflecting a struggle for authenticity amid disillusionment.
Though it didn’t chart as highly as earlier singles, the song was critically praised for its intensity and ambition. It affirmed the band’s willingness to evolve and confront darker emotional terrain, making it a crucial moment in their late-’90s/early-2000s era.
「The Everlasting Gaze」は、The Smashing Pumpkinsが2000年にリリースしたアルバム『Machina/The Machines of God』のリードシングルで、ビリー・コーガンが作詞作曲・プロデュースを担当し、Floodとの共同プロデュースにより制作されました。
この曲は、前作『Adore』の内省的でエレクトロニックな作風から一転し、ヘヴィでインダストリアルなサウンドが全面に押し出されています。分厚いギターリフ、鋭いビート、そしてコーガンの荒々しいヴォーカルが重なり、圧倒的な音圧と緊迫感を生み出しています。
歌詞では、名声とアイデンティティの空虚さ、そして業界構造への批判が描かれており、「You know I’m not dead（僕はまだ死んじゃいない）」というフレーズには、消費される存在への抵抗と、自分自身の再定義への意志が込められています。
商業的なヒットには至らなかったものの、その攻撃的で芸術的な姿勢は高く評価され、Machinaというコンセプチュアルな作品の幕開けとして重要な役割を果たしました。「The Everlasting Gaze」は、バンドの2000年代初頭におけるサウンド進化と精神的探求を象徴する一曲です。
11. Siva (1991)
“Siva” is the first single released by The Smashing Pumpkins, featured on their 1991 debut album Gish. Written by Billy Corgan and produced by Butch Vig, the track introduced the band’s signature mix of heavy riffs, psychedelic textures, and dynamic shifts to the world, laying the foundation for their future sound.
Musically, “Siva” fuses thunderous hard rock guitar with dreamy, Eastern-influenced breakdowns and shifting time signatures. It opens with a hypnotic, looping riff and builds into explosive choruses, combining elements of metal, shoegaze, and alt-rock in a way that felt both aggressive and meditative.
Lyrically, the song is cryptic but rich in spiritual and emotional symbolism. The title refers to “Shiva,” the Hindu deity associated with destruction and rebirth, though Corgan stated he spelled it “Siva” to create a distance from religious specificity. Thematically, the song wrestles with desire, surrender, and transformation—common motifs in Corgan’s early writing.
While not a commercial hit, “Siva” was pivotal in establishing the band’s identity and caught the attention of the alternative rock scene in the early ’90s. Its mix of intensity and transcendence made it a live staple and an enduring fan favorite that captures the raw, unfiltered ambition of the Pumpkins’ early years.
「Siva」は、The Smashing Pumpkinsのデビューアルバム『Gish』（1991年）に収録されている楽曲で、彼らにとって初のシングルとしてリリースされた重要な1曲です。ビリー・コーガンが作詞作曲し、ブッチ・ヴィグがプロデュースを担当しました。
重厚なギターリフとトライバルなビート、そしてサイケデリックで東洋的なブレイクダウンが融合したこの曲は、オルタナティヴ・ロック、ハードロック、シューゲイザーの要素を併せ持ち、バンド初期のサウンド美学を明確に打ち出しています。ループのように繰り返されるリフと爆発的なコーラスが、攻撃性と瞑想的な静けさの両方を同時に感じさせます。
タイトルの「Siva」は、ヒンドゥー教の神「Shiva（シヴァ）」に由来していますが、コーガンは宗教的な限定性を避けるために意図的にスペルを変えたと語っています。歌詞は抽象的ながらも、欲望、変容、そして自己放棄といった精神的テーマが貫かれています。
商業的なヒットには至らなかったものの、「Siva」はオルタナシーンにおいてThe Smashing Pumpkinsの存在を強く印象づけた楽曲であり、以後の彼らの表現世界を予感させる出発点となりました。今なおライブでの定番曲として演奏されるなど、ファンから根強い支持を受ける初期の名曲です。
10. Soma (1993)
“Soma” is a fan-favorite deep cut from Siamese Dream (1993), The Smashing Pumpkins’ second studio album. Written by Billy Corgan and James Iha, and produced by Butch Vig, the track is often praised for its emotional intensity, dynamic structure, and sonic layering—hallmarks of the Pumpkins’ early sound.
“Soma” begins as a slow-burning ballad with gentle, dreamy guitar tones and soft vocals, gradually building to an explosive climax marked by distorted guitars and thunderous drums. Clocking in at over six minutes, the song showcases a wide emotional range, moving from melancholic reflection to cathartic release.
Lyrically, “Soma” explores the numbness and loss that follow a breakup, using the title—an allusion to the sedative drug in Brave New World—to evoke emotional detachment and self-medication. The line “I’m all by myself, as I’ve always felt” encapsulates the solitude at the heart of the song.
Although never released as a single, “Soma” is widely regarded as one of The Smashing Pumpkins’ most powerful compositions. Its hypnotic atmosphere and epic structure have earned it lasting acclaim, making it a key emotional and sonic pillar of Siamese Dream and a defining moment in the band’s early legacy.
「Soma」は、The Smashing Pumpkinsの2ndアルバム『Siamese Dream』（1993年）に収録された楽曲であり、ビリー・コーガンとジェームズ・イハの共作によって生まれました。ブッチ・ヴィグがプロデュースを手がけ、バンド初期の特徴である重層的なギターサウンドと感情の振れ幅が見事に表現された名曲です。
静かでドリーミーなギターと穏やかなヴォーカルで始まり、6分以上かけてじわじわとエネルギーを高め、終盤には轟音ギターと激しいドラムによる壮大なクライマックスへと突入します。このダイナミクスの美しさと緊張感が、ファンの間で高い評価を受けています。
タイトルの「Soma」は、オルダス・ハクスリーの小説『すばらしい新世界』に登場する鎮静剤に由来し、感情の麻痺や失恋後の虚無感を象徴しています。「I’m all by myself, as I’ve always felt（ずっとそうだったように、ひとりぼっち）」という一節に、孤独と自己喪失の痛みがにじみ出ています。
シングルではないものの、「Soma」は*『Siamese Dream』*の感情的・音響的な核を成す重要な1曲として、多くのファンから愛され続けています。その繊細さと爆発力は、Smashing Pumpkinsの芸術性を如実に示す傑作といえるでしょう。
09. Zero (1995)
“Zero” is a standout single from The Smashing Pumpkins’ 1995 double album Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written by Billy Corgan and co-produced with Flood and Alan Moulder, the track is one of the band’s most aggressive and iconic, showcasing a stripped-down, industrial-tinged rock sound.
Musically, “Zero” is driven by chugging, palm-muted guitar riffs, tight drums, and a relentless, mechanical energy. It clocks in at just under three minutes but leaves a lasting impact with its intensity and attitude. The minimalist production—no solos, no bridges—amplifies its raw power and sense of alienation.
Lyrically, the song deals with themes of self-loathing, nihilism, and identity loss, encapsulated in the famously bleak line: “Emptiness is loneliness / and loneliness is cleanliness / and cleanliness is godliness / and God is empty, just like me.” These words became emblematic of 1990s existential angst.
“Zero” not only resonated with disaffected youth but also became a cultural marker—bolstered by Billy Corgan’s black “ZERO” shirt, which became iconic in itself. The track helped further define the Pumpkins’ edgy aesthetic and established them as one of the leading voices of alternative rock’s darker, more introspective side.
「Zero」は、1995年リリースの2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』に収録された代表的なシングルであり、ビリー・コーガンが作詞作曲を担当し、Floodとアラン・モウルダーとの共同プロデュースによって制作されました。
この曲は、パンキッシュで工業的な質感を持ったギターリフ、タイトなドラム、そして約3分という短い時間の中に凝縮された爆発力が特徴です。ギターソロもブリッジも存在しないミニマルな構成が、逆にその無機質さと切迫感を際立たせています。
歌詞は自己嫌悪や虚無感、そしてアイデンティティの喪失といったテーマを扱い、「Emptiness is loneliness / and loneliness is cleanliness / and cleanliness is godliness / and God is empty, just like me（空虚は孤独、孤独は清潔、清潔は神聖、そして神は空虚、まるで俺みたいに）」というフレーズは、90年代の精神的な空洞を象徴する名句として語り継がれています。
また、コーガンがライブやMVで着用していた「ZERO」と書かれた黒いシャツも象徴的なアイテムとなり、バンドのビジュアルとメッセージ性を際立たせました。
「Zero」はThe Smashing Pumpkinsの反抗的かつ内省的な側面を凝縮した名曲であり、90年代オルタナティヴ・ロックのダークな美学を体現した作品として今なお強い影響力を持ち続けています。
08. Cherub Rock (1993)
“Cherub Rock” is the opening track and lead single from The Smashing Pumpkins’ landmark 1993 album Siamese Dream. Written by Billy Corgan and produced by Butch Vig, the song sets the tone for the album with its soaring guitars, layered fuzz tones, and explosive energy.
Musically, it features a powerful intro with cascading distortion and a driving rhythm, embodying the band’s signature blend of shoegaze textures and hard rock aggression. The production showcases meticulous layering, with walls of guitar sound that became a defining trait of Siamese Dream.
Lyrically, “Cherub Rock” is a scathing critique of the alternative rock scene’s hypocrisy and obsession with authenticity. Corgan vents frustration toward the indie elite and critics who dismissed the band for signing to a major label. The line “Who wants honey / as long as there’s some money” delivers biting sarcasm about the industry’s double standards.
Though not the band’s biggest commercial hit, “Cherub Rock” was crucial in establishing their credibility and sonic identity. It became a fan favorite, received a Grammy nomination, and solidified Siamese Dream as one of the essential albums of the 1990s.
「Cherub Rock」は、1993年にリリースされたThe Smashing Pumpkinsの2ndアルバム『Siamese Dream』のオープニング曲であり、リードシングルとして発表されました。ビリー・コーガンが作詞作曲を手がけ、ブッチ・ヴィグがプロデュースを担当しています。
この曲は、歪んだギターのアルペジオで幕を開け、厚みのあるギターレイヤーと激しいリズムによって一気に爆発的なサウンドへと展開します。シューゲイザー的な質感とハードロックの攻撃性が融合したサウンドは、『Siamese Dream』全体の方向性を象徴しています。
歌詞では、オルタナティヴ・ロック界隈に蔓延する“純粋性”や“インディー至上主義”への批判が込められており、メジャーデビュー後に受けた偏見や業界のダブルスタンダードに対する怒りが表現されています。「Who wants honey / as long as there’s some money（ハチミツなんていらない、金があればいい）」というフレーズには、皮肉が滲んでいます。
商業的には中ヒットにとどまったものの、グラミー賞にノミネートされるなど批評家からの評価は高く、バンドの芸術性と立ち位置を確立した重要な1曲です。今なおライブで演奏されることの多い、ファンに愛される代表作です。
07. Rhinoceros (1991)
“Rhinoceros” is a standout track from The Smashing Pumpkins’ debut album Gish, released in 1991. Written by Billy Corgan and produced by Butch Vig, the song marks one of the earliest examples of the band’s ability to fuse heavy rock dynamics with dreamy psychedelia—a formula that would later define their sound.
Musically, “Rhinoceros” builds gradually, beginning with delicate, echoing guitar lines and soft vocals before erupting into distorted, swirling climaxes. The track is notable for its dynamic range, using restraint and eruption in equal measure, reflecting Corgan’s admiration for bands like My Bloody Valentine and Black Sabbath.
Lyrically, the song is impressionistic and open to interpretation, but it evokes themes of detachment, passivity, and existential drift. The line “She knows, and she knows, and she knows” becomes a hypnotic mantra, giving the song a trance-like atmosphere.
Though not a commercial single, “Rhinoceros” gained recognition for its artistic ambition and became a fan favorite. It helped establish The Smashing Pumpkins as more than just another alt-rock band—highlighting their emotional range and sonic layering early in their career. “Rhinoceros” stands as a cornerstone of Gish and a hint at the epic scope the band would explore in later works.
「Rhinoceros」は、The Smashing Pumpkinsのデビューアルバム『Gish』（1991年）に収録された代表的な楽曲であり、ビリー・コーガンが作詞作曲、ブッチ・ヴィグがプロデュースを担当しました。本作は、バンド初期における“轟音と夢想的サウンドの融合”を体現する楽曲であり、後の彼らの音楽性を予見させるものです。
冒頭は繊細なギターフレーズと囁くようなヴォーカルで始まり、次第に歪んだギターと重厚なリズムによるクライマックスへと展開していく構成が特徴です。抑制と爆発を行き来するダイナミクスは、コーガンが影響を受けたMy Bloody ValentineやBlack Sabbathへのオマージュとも言えるアプローチです。
歌詞は抽象的かつ詩的で、「She knows, and she knows, and she knows（彼女は知っている）」というフレーズが繰り返され、夢の中にいるような陶酔感を生み出しています。内面的な迷いや、現実からの浮遊感が滲み出る内容です。
シングルとしては大きな商業的成功を収めなかったものの、ファンの間では根強い人気を持ち、バンドの表現力と芸術性の高さを初期から証明した重要な1曲です。『Gish』という作品の核であり、彼らの壮大な音世界の出発点とも言える存在です。
06. Tonight, Tonight (1996)
“Tonight, Tonight” is one of The Smashing Pumpkins’ most ambitious and celebrated songs, released in 1996 as the fourth single from Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written by Billy Corgan and co-produced with Flood and Alan Moulder, the song stands out for its sweeping orchestral arrangement, featuring a full string section performed by the Chicago Symphony Orchestra.
Musically, it departs from the band’s heavy alt-rock roots, embracing a grand, cinematic sound with dramatic strings, bold dynamics, and a waltz-like rhythm. Lyrically, “Tonight, Tonight” is an anthem of hope, transformation, and resilience, with lines like “The impossible is possible tonight” offering a rare sense of optimism in the band’s often introspective catalog.
The song’s cultural impact was magnified by its iconic music video, inspired by Georges Méliès’ 1902 silent film A Trip to the Moon. Its whimsical, vintage aesthetic won critical acclaim and multiple MTV Video Music Awards.
“Tonight, Tonight” showcased the band’s artistic versatility and elevated them beyond the grunge scene. It remains a pinnacle of their career—an emotional and sonic triumph that blended rock, classical, and visual art into a unified, unforgettable statement.
「Tonight, Tonight」は、1996年にリリースされたThe Smashing Pumpkinsの代表曲の一つで、2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』からの4枚目のシングルです。ビリー・コーガンが作詞作曲し、Floodとアラン・モウルダーとの共同プロデュースにより制作されました。
この曲は、バンドのヘヴィなオルタナ・ロックから一線を画し、シカゴ交響楽団による壮大なストリングスアレンジを取り入れたシネマティックなサウンドが特徴です。3拍子のリズムと劇的な構成が、楽曲にクラシカルで感動的な雰囲気を与えています。
歌詞は「The impossible is possible tonight（不可能が今夜、可能になる）」というフレーズに象徴されるように、希望や変化、再生の力を高らかに歌い上げています。内省的な曲が多い彼らの中で、珍しく前向きなメッセージが込められた楽曲です。
ジョルジュ・メリエスの1902年の映画『月世界旅行』に着想を得たミュージックビデオも話題となり、MTVビデオ・ミュージック・アワードを多数受賞しました。
「Tonight, Tonight」は、バンドの芸術的なレンジの広さを示すとともに、ロックとクラシック、映像芸術を融合させた壮大な表現として今なお高く評価されています。
05. Today (1993)
“Today” is a breakout single by The Smashing Pumpkins, released in 1993 from their second album Siamese Dream. Written by Billy Corgan and produced by Butch Vig, the song became one of the band’s most iconic hits, blending bright, catchy melodies with deeply ironic and dark lyrical content—a juxtaposition that became a signature of their sound.
Musically, “Today” features shimmering, layered guitars and a memorable, upbeat riff that gives the impression of optimism. However, the lyrics reveal a darker narrative: Corgan wrote the song during a period of deep depression and even suicidal ideation. Lines like “Today is the greatest day I’ve ever known” are delivered with irony, masking emotional turmoil beneath a veneer of brightness.
The contrast between the song’s radiant sound and bleak emotional core struck a chord with listeners and critics alike. Its success helped solidify the band’s place in the 1990s alternative rock scene and set the tone for Siamese Dream’s broader emotional and sonic palette.
The accompanying music video—depicting an ice cream truck driver escaping suburban monotony—added a surreal, bittersweet layer to the track’s meaning. “Today” remains a defining moment in The Smashing Pumpkins’ career and a cornerstone of 1990s rock.
「Today」は、The Smashing Pumpkinsが1993年に発表した楽曲で、2ndアルバム『Siamese Dream』からのシングルです。ビリー・コーガンが作詞作曲し、ブッチ・ヴィグがプロデュースを担当したこの曲は、彼らのブレイクのきっかけとなった代表作の一つです。
明るくキャッチーなギターリフとメロディーに彩られたこの曲は、表面的にはポジティブな印象を与える一方で、実際の歌詞はその真逆を描いています。コーガンはこの曲を、重度のうつ状態と自殺願望を抱えていた時期に書き上げており、冒頭の「Today is the greatest day I’ve ever known（今日は人生で最高の日）」という一節も、皮肉と痛みに満ちています。
明るさと闇のコントラストが際立つこの作品は、聴く者に複雑な感情を喚起し、90年代のオルタナティヴ・ロックにおける独自の位置を確立しました。アイスクリームトラックで郊外をさまようMVも、日常の虚無と逃避願望を象徴的に表現しています。
「Today」は、バンドの初期の成功を決定づけた重要な楽曲であり、今なお90年代ロックの象徴として語り継がれています。
04. Bullet with Butterfly Wings (1995)
“Bullet with Butterfly Wings” is one of The Smashing Pumpkins’ most recognizable songs, released in 1995 as the lead single from their ambitious double album Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written by Billy Corgan and produced by Flood, Alan Moulder, and Corgan himself, the track marks a darker, heavier turn in the band’s sound, blending grunge with industrial and hard rock influences.
Musically, the song features a gritty, chugging guitar riff and an explosive chorus, contrasted by quieter, tense verses. Lyrically, it dives into themes of frustration, disillusionment, and powerlessness—especially within fame and the music industry. The iconic chorus line, “Despite all my rage, I am still just a rat in a cage,” became a defining anthem of 1990s angst and existential dread.
The song earned the band their first Grammy Award for Best Hard Rock Performance and reached No. 22 on the Billboard Hot 100. Its accompanying music video, set in a grim, mud-covered wasteland, enhanced its apocalyptic tone and cemented its cultural impact.
“Bullet with Butterfly Wings” played a pivotal role in establishing The Smashing Pumpkins’ global stature and confirmed Corgan’s reputation as a generational voice articulating alienation, rebellion, and emotional complexity.
「Bullet with Butterfly Wings」は、The Smashing Pumpkinsが1995年にリリースした楽曲で、2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』のリードシングルとして発表されました。ビリー・コーガンが作詞作曲を担当し、Flood、アラン・モウルダー、そしてコーガン自身がプロデュースを手がけています。
荒々しく歪んだギターリフと爆発的なサビが特徴のこの曲は、バンドのよりダークでヘヴィな音楽性を象徴する作品です。静かなヴァースと対照的に、サビでは「Despite all my rage, I am still just a rat in a cage（どんなに怒っていても、俺はただの檻の中のネズミ）」というフレーズが繰り返され、抑圧と自己否定、そして名声の虚しさを叫ぶように歌われます。
この曲は全米チャートでトップ25入りを果たし、グラミー賞「最優秀ハードロック・パフォーマンス賞」を受賞するなど、商業的・批評的にも高い評価を得ました。泥にまみれた終末的な映像美が印象的なミュージックビデオも話題を呼び、90年代の“怒り”と“閉塞感”を象徴するアンセムとして定着しました。
The Smashing Pumpkinsの世界的地位を確立し、コーガンを“時代の声”として位置づけた重要な1曲です。
03. Mayonaise (1993)
“Mayonaise” is a deep cut from The Smashing Pumpkins’ seminal 1993 album Siamese Dream, co-written by Billy Corgan and James Iha, and produced by Butch Vig. Though never released as a single, it has become one of the band’s most beloved and critically acclaimed tracks, often cited by fans as a hidden masterpiece within their catalog.
Musically, “Mayonaise” exemplifies the band’s signature blend of distortion and melody, opening with a gentle guitar swell that slowly erupts into soaring fuzz-drenched guitars and emotionally charged vocals. Its dynamic shifts between quiet introspection and explosive catharsis are emblematic of the band’s sound during this era.
Lyrically, the song touches on themes of longing, vulnerability, and existential searching. Though the lyrics are abstract, they evoke a strong emotional resonance, capturing the bittersweet tension between hope and disillusionment. The lines “Fool enough to almost be it / Cool enough to not quite see it” express a sense of self-aware uncertainty.
Despite its understated presence in the band’s commercial output, “Mayonaise” has achieved cult status and is frequently ranked among their best songs. It reflects the emotional and sonic depth that defined Siamese Dream, and continues to resonate with listeners decades later.
「Mayonaise」は、1993年の名盤『Siamese Dream』に収録された楽曲で、ビリー・コーガンとジェームズ・イハの共作によるものです。シングルとしてのリリースはなかったものの、ファンの間では“隠れた名曲”として非常に高い人気を誇り、しばしばバンドのベストソングとしても挙げられます。
楽曲は静かなギターノイズの立ち上がりから始まり、やがてフィードバックと歪んだギターによって感情的なクライマックスへと導かれます。繊細さと爆発力を併せ持つこの構成は、Smashing Pumpkinsの音楽スタイルを象徴しています。
歌詞は一見抽象的ですが、「Fool enough to almost be it / Cool enough to not quite see it（なりかけるには愚かすぎて／気づくにはクールすぎる）」というようなフレーズに、希望と迷い、そして傷つきやすさが同居する心情が滲み出ています。
派手なプロモーションがなかったにもかかわらず、本曲は長年にわたり愛され、Siamese Dreamの感情的な深みと音の美学を象徴する存在となりました。今なお多くのリスナーの心に静かに響く、バンドの真髄とも言える楽曲です。
02. 1979 (1996)
“1979” is one of The Smashing Pumpkins’ most iconic tracks, released in 1996 as the second single from their double album Mellon Collie and the Infinite Sadness. Written and produced by Billy Corgan, with co-production by Flood and Alan Moulder, the song departs from the band’s usual dense guitar-driven sound and embraces a more atmospheric, loop-based production with elements of dream pop and electronica.
Musically, “1979” is built on a steady, mid-tempo groove, soft vocals, and shimmering guitar textures, evoking a feeling of suburban melancholy and youthful reflection. The lyrics are a nostalgic, almost impressionistic look at adolescence, capturing the fleeting, in-between moments of teenage life — “just innocence and reckless wonder.”
The track became a massive commercial and critical success, peaking in the top 20 of the Billboard Hot 100 and earning a Grammy nomination. Its music video, depicting a group of suburban teens roaming freely at night, further cemented the song’s cultural resonance as an anthem of bittersweet youth.
For the band, “1979” marked a turning point, showcasing a more introspective and experimental direction. It remains a fan favorite and a defining moment in 1990s alternative rock, reflecting both personal memory and generational mood.
「1979」は、The Smashing Pumpkinsの代表曲の一つであり、1996年に2枚組アルバム『Mellon Collie and the Infinite Sadness』からのセカンドシングルとしてリリースされました。作詞作曲はビリー・コーガン、プロデュースはFloodとアラン・モウルダーとの共同で行われ、バンドのこれまでの轟音ギターサウンドとは一線を画す、ループ的でドリーミーな音像が特徴です。
淡く繊細なギター、控えめなヴォーカル、そしてミッドテンポのリズムによって、郊外に暮らす10代の感傷と自由を描き出しています。歌詞は青春の儚さと無邪気さを回想するようなトーンで綴られ、「ただの無垢と無謀な驚き」といった言葉が象徴的に響きます。
アメリカのビルボードチャートでトップ20入りし、グラミー賞にもノミネートされた本作は、商業的にも批評的にも大きな成功を収めました。夜の郊外をさまよう若者たちを描いたミュージックビデオも印象的で、90年代の“若さの空虚さと美しさ”を象徴する映像作品として評価されています。
この曲はバンドの音楽的変化を象徴し、実験的かつ内省的な方向性を示す転機となりました。今なお多くのファンに愛され、90年代オルタナティヴ・ロックの金字塔として語り継がれています。
01. Disarm (1994)
“Disarm” is a haunting ballad by The Smashing Pumpkins, released in 1994 as the third single from their acclaimed album Siamese Dream. Written and produced by frontman Billy Corgan, alongside Butch Vig, the song diverges from the band’s signature loud-quiet-loud alt-rock dynamics and instead embraces a more orchestral, emotionally direct sound. Built around acoustic guitar, sweeping string arrangements, and subtle percussive accents like bells, “Disarm” showcases a raw, confessional vocal performance that reveals Corgan’s personal struggles and childhood trauma.
Lyrically, the song explores themes of emotional repression, inner violence, and the pain of growing up in a dysfunctional family. Lines like “The killer in me is the killer in you” are simultaneously accusatory and self-reflective, capturing the cyclical nature of hurt and anger. Despite—or because of—its emotional intensity, the song resonated deeply with audiences and became one of the band’s most beloved tracks.
“Disarm” played a crucial role in broadening The Smashing Pumpkins’ appeal beyond grunge and alternative rock circles, demonstrating their versatility and lyrical depth. It helped establish Billy Corgan as a complex songwriter unafraid to confront personal demons, and remains a cultural touchstone of 1990s alternative music.
「Disarm」は、The Smashing Pumpkinsが1994年にリリースした楽曲で、2ndアルバム『Siamese Dream』からの3枚目のシングルです。フロントマンのビリー・コーガンが制作・作詞作曲を担当し、ブッチ・ヴィグとの共同プロデュースにより完成しました。ノイズとギターが支配するバンドの代表的なサウンドとは異なり、この曲はアコースティックギターとストリングス、鐘の音などを用いた繊細で壮麗な編曲が特徴です。
歌詞はコーガン自身の幼少期のトラウマや、家庭内での感情的な痛みに向き合うもので、「The killer in me is the killer in you（僕の中の殺意は君の中の殺意）」という一節が象徴するように、加害と被害の連鎖、そして抑圧された怒りを詩的かつ切実に描いています。
この曲は、グランジやオルタナティヴ・ロックの枠を超えて幅広いリスナーに支持され、The Smashing Pumpkinsの表現力と深みを象徴する代表曲となりました。コーガンの作家性と感情表現の豊かさを際立たせたこの作品は、90年代のオルタナティヴ音楽の中でも特に記憶に残る一曲です。