20. How the West Was Won and Where It Got Us (1997)
“How the West Was Won and Where It Got Us” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in 1997 as the fourth and final single from their tenth studio album “New Adventures in Hi-Fi”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is alternative rock.
The lyrics of “How the West Was Won and Where It Got Us” are enigmatic and open to interpretation. The song explores themes of misfortune, loss, and the consequences of progress. The lyrics contain various metaphors and references that contribute to the song’s overall meaning and significance.
“How the West Was Won and Where It Got Us” had a significant cultural impact. It was the final R.E.M. single and music video to feature Bill Berry until “#9 Dream” in 2007. The song was performed live only throughout various shows during the promotion of “Up” in 1998 and 1999. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「How the West Was Won and Where It Got Us」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、 R.E.M.の楽曲です。10 枚目のスタジオアルバム「New Adventures in Hi-Fi」からの4枚目の シングルとして、1997年にリリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルはオルタナティブロックです。
「How the West Was Won and Where It Got Us」の歌詞は、謎めいており、解釈 の余地があります。この曲は、不幸、喪失、進歩の consequences のテーマを探求しています。歌詞には、曲の全体的な意味と重要性に貢献するさまざまなメタファーや言及が含まれています。
「How the West Was Won and Where It Got Us」は、大きな文化的影響を与えました。2007年の「#9 Dream」まで、ビル・ベリーがフィーチャーされたR.E.M.の最後のシングルとミュージックビデオとなりました。この曲は、1998年から1999年にかけて行われた「Up」のプロモーション期間中のさまざまなショーでのみライブで演奏されました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
19. Feeling Gravitys Pull (1985)
“Feeling Gravitys Pull” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in 1985 as the opening track on their critically acclaimed album “Fables of the Reconstruction”. The song was produced by Joe Boyd and R.E.M. The genre of the song is a mix of folk rock, jangle pop, alternative country, psychedelic folk, Southern rock, and Southern gothic.
The lyrics of “Feeling Gravitys Pull” are enigmatic and open to interpretation. The song explores themes of isolation, uncertainty, and the weight of external forces influencing one’s life. The song’s title itself suggests a sense of being pulled down, both physically and metaphorically, by the force of gravity. This could symbolize the pressures and burdens that individuals may carry, feeling overwhelmed and unable to escape their circumstances.
“Feeling Gravitys Pull” has solidified its status as a fan favorite among R.E.M.’s dedicated fan base. Its introspective and emotionally charged lyrics, combined with the band’s distinct musical style, have created a lasting impact on listeners who continue to appreciate and connect with the song’s themes. The song is considered a pivotal song in R.E.M.’s discography and has contributed to the band’s enduring legacy.
「Feeling Gravity’s Pull」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1985年にリリースされた、批評家の称賛を浴びたアルバム「Fables of the Reconstruction」の1曲目として 収録されています。この曲は、ジョー・ボイドとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、フォークロック、ジャングルポップ、オルタナティブカントリー、サイケデリックフォーク、サザンロック、サザンゴシックのミックスです。
「Feeling Gravity’s Pull」の歌詞は、謎めいており、解釈の余地があります。この曲は、孤立、不確かさ、そして外からの力が私たちの人生に影響を与える weight のテーマを探求しています。曲のタイトル自体 が、重力の力によって物理的にも比喩的にも引き寄せられている感じを示唆しています。これは、個人があるかもしれないプレッシャーや負担を象徴しており、圧倒され、自分の状況から逃れることができないと感じていることを表している可能性があります。
「Feeling Gravity’s Pull」は、R.E.M.の熱心なファンベースの中で、ファンの間で人気曲であるという地位を確立しました。内省的でありながら感情的な歌詞と、バンドの独特な音楽スタイルが組み合わさることで、リスナーに lasting impact を与え、彼らは曲のテーマを理解し、共感し続けています。この曲は、R.E.M.のディスコグラフィーにおいて重要な曲とされており、バンドの不朽の遺産に貢献しています。
18. Wolves, Lower (1982)
“Wolves, Lower” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in 1982 as part of their debut EP, “Chronic Town”. The song was produced by Mitch Easter and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and post-punk.
The lyrics of “Wolves, Lower” are enigmatic, with themes of suspicion and a sense of being on the edge. The song’s title and lyrics suggest a struggle or conflict, possibly reflecting the band’s own struggles as they were starting out.
“Wolves, Lower” had a significant cultural impact. It was one of the first songs that introduced R.E.M.’s unique sound to the world. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom. Peter Buck, the band’s guitarist, has mentioned that the song was “head and shoulders above the rest” of the band’s earlier material.
「Wolves, Lower」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1982年に発表されたデビューEP「Chronic Town」に収録され、ミッチ・イースターとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとポストパンクの融合です。
「Wolves,Lower」の歌詞は謎めいており、疑惑や瀬戸際にいるような感覚をテーマにしています。曲のタイトルと歌詞は、バンド が活動を始めたばかりの頃に直面したであろう葛藤を反映しているのかもしれません。
「Wolves, Lower」は大きな文化的影響を与え、R.E.M.の独特の音を世界に紹介した最初の楽曲の1つとなりました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。バンドのギタリストであるピーター・バックは、この曲はバンドの初期の作品の中で「頭一つ抜けていた」と述べています。
17. Driver 8 (1985)
“Driver 8” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in September 1985 as the second single from their third album, “Fables of the Reconstruction”. The song was produced by Joe Boyd and R.E.M. The genre of the song is a mix of country rock, folk rock, and jangle pop.
The lyrics of “Driver 8” depict the demanding nature of work, particularly of a train driver who is urged to rest after a prolonged shift. The song uses the metaphor of the “Driver 8” and his voyage to delve into broader subjects like life’s journey and the pursuit of objectives. The song refers to the Southern Crescent, a passenger train operated by the Southern Railroad until 1979.
“Driver 8” had a significant cultural impact. The song peaked at number 22 on the U.S. Billboard Mainstream Rock Tracks chart. The song represents the dream of the United States of America and what it may become. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「Driver 8」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1985年9月に3枚目のアルバム「Fables of the Reconstruction」の2枚目のシングルとしてリリースされました。この曲は、ジョー・ボイド とR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、カントリーロック、フォークロック、ジャングルポップのミックスです。
「Driver8」の歌詞は、長時間のシフトの後、休息を促される列車の運転手の 仕事のように、仕事の要求の厳しい性質を描写しています。この曲は、「Driver 8」と彼の航海というメタファーを使って、人生の旅や目標の追求など、より広範なテーマを掘り下げています。この曲は、サザン鉄道が197 9年まで運行していた旅客列車「サザン・クレッセント」のことを指しています。
「Driver 8」は、大きな文化的影響を与えました。この曲は、米国のビルボードメインストリームロックトラックチャートで22位に到達しました。この曲は、アメリカ合衆国の夢とその行く末を表現しています。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
16. Finest Worksong (1988)
“Finest Worksong” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in March 1988 as the third and final single from their fifth studio album, “Document”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and funk metal.
The lyrics of “Finest Worksong” carry a political message, describing the working-class life, particularly the struggle of blue-collar workers and their exploitation. The song conveys a message of revolution and the power of the working class. It reflects the frustration and disillusionment of a generation that has lost faith in the institutions that govern them, and calls for action to create a better future.
“Finest Worksong” had a significant cultural impact. It peaked at number 50 on the UK Singles Chart in April 1988, at the time the group’s highest-charting single in the UK. The song’s message of revolution and the power of the working class inspired a generation of musicians to create politically charged music. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「Finest Worksong」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1988年の3月 に5枚目のスタジオアルバム「Document」からの3 枚目の最後のシングルとしてリリース されました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルはオルタナティブロックとファンクメタルのミックスです。
「Finest Worksong」の歌詞 は、 ブルーカラーワーカーの苦悩や搾取など、労働者階級の生活を描いた政治的 メッセージを伝えています。この曲は、革命と労働者階級の 力のメッセージ を伝えています。支配する機構への信頼を失った世代のフラストレーションと幻滅 を反映しており、より良い未来を創造するための行動を呼びかけています。
「Finest Worksong」は、大きな文化的影響を与え ました。1988年4月に英国 のシングルチャートで50位に達し、当時英国でグループが最高位にランクインしたシングルとなりました。革命と 労働者階級の力のメッセージは、世代を超え てミュージシャンに政治的な音楽を作ることを刺激しました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました 。
15. Bittersweet Me (1996)
“Bittersweet Me” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in October 1996 as the second single from their tenth studio album, “New Adventures in Hi-Fi”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock.
The lyrics of “Bittersweet Me” convey a sense of disillusionment and disconnect. The opening verse speaks of moving across the earth and being lost in the process, with the line “I don’t know who you are anymore” expressing a feeling of estrangement. The chorus, with its repeated lines “I couldn’t taste it, I’m tired and naked, I don’t know what I’m hungry for, I don’t know what I want anymore,” captures the confusion and weariness that comes with questioning one’s desires and the meaning behind them.
“Bittersweet Me” had a significant cultural impact. The song was a bigger hit in the United States than the first single from the album, “E-Bow the Letter”, except on the Modern Rock Tracks chart, where the first single’s number-two peak bested the number-six peak of “Bittersweet Me”. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「Bittersweet Me」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1996年10月に10枚目のスタジオアルバム「New Adventures in Hi-Fi」の2枚目のシングルとしてリリースされました 。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックのミックスです。
「Bittersweet Me」の歌詞は、幻滅と疎外の感覚を伝えています。オープニングの歌詞は 、地球上を移動してその過程で失われていくこと を語り、「もうあなたは誰かわからない」という歌詞は、疎外感を表しています。何度も繰り返される「私はそれを味わうことができなかった、 私は疲れていて裸だ、私は自分が何を求めているのかわからない、もう何を求めているのかわからない」という歌詞は、自分の欲望とその背後にある意味を疑問視することによって生じる混乱と倦怠感を捉えています。
「Bittersweet Me」は、大きな文化的影響を与えました。この曲は、アルバムの1stシングル「E-Bow the Letter」よりも米国でヒットし、モダンロックチャート では1stシングルの2位が「Bittersweet Me」の6位を上回りましたが、その他のチャートでは上回りました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
14. The One I Love (1987)
“The One I Love” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in August 1987 as the first single from their fifth studio album, “Document”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock.
The lyrics of “The One I Love” are often misinterpreted as a love song. However, the song’s sparse lyrics actually depict a manipulative man who heartlessly uses women before coldly dumping them. The song’s lyrics include: “This one goes out to the one I love / This one goes out to the one I’ve left behind / A simple prop to occupy my time / This one goes out to the one I love”.
“The One I Love” had a significant cultural impact. It was R.E.M.’s first hit single, reaching No. 9 on the US Billboard Hot 100, No. 14 in Canada, and later reached No. 16 on the UK Singles Chart in its 1991 re-release. The song’s success contributed to R.E.M.’s transition from an Athens, Georgia gem on the rise to an inescapable airwave presence. The song is included on R.E.M. Live (2007) and was also included in Activision’s Guitar Hero World Tour and Guitar Hero on Tour: Decades, both in 2008, as well as Harmonix’s Rock Band 4 (2015).
「The One I Love」は、アメリカのオルタナティブロックバンドR.E.M.の曲で、1987年8月に5枚目のスタジオアルバム「Document」の最初のシングルとしてリリースされました。この曲はスコット・リットとR.E.M.によって制作されました。この曲のジャンルはオルタナティブロックのミックスです。
「TheOne I Love」の歌詞は、しばしばラブソングと誤解されます。しかし、この曲のわずかな歌詞は、冷たく捨てる前に女性を無情に利用する操作的な男を実際に描いています。この曲の歌詞には次のものがあります。「これは私が愛する人に送ります/これは私が置き去りにした人に送ります/私の時間を占めるシンプルな小道具/これは私が愛する人に送ります」
「The One I Love」は大きな文化的影響を与えました。R.E.M.の最初のヒットシングルで、米国ビルボードホット100で9位、カナダで14位を獲得し、1991年の再リリースで英国シングルチャートで16位を獲得しました。この曲の成功は、R.E.M.の移行に貢献しました。アテネ、ジョージア州の宝石から避けられない空中波の存在へと成長しています。この曲はR.E.M.Live（2007）に収録されており、2008年のActivisionのGuitarHero World TourとGuitar Hero on Tour：Decades、およびHarmonixのRock Band 4（2015）にも収録されています。
13. Strange Currencies (1995)
“Strange Currencies” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in April 1995 as the fourth single from their ninth studio album, “Monster”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and soul.
The lyrics of “Strange Currencies” are about unrequited love and the complexities of relationships. The protagonist is grappling with the idea of trying to win over someone who may not reciprocate their feelings. The title “Strange Currencies” symbolizes the intricacies of love and the emotional transactions that occur within relationships. It implies that love can be a form of currency, with its own set of idiosyncrasies that are difficult to understand and navigate.
“Strange Currencies” had a significant cultural impact. It reached number nine on the UK Singles Chart and peaked at number 47 in the United States. While “Strange Currencies” might not be one of R.E.M.’s most commercially successful songs, its significance lies in its contribution to the band’s diverse discography. It further solidified their reputation as a group capable of thought-provoking and emotionally rich songwriting.
「Strange Currencies」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1995年4月に、9枚目のスタジオアルバム「Monster」からの4枚目のシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとソウルがミックスされています。
「StrangeCurrencies」の歌詞は、片思いと人間関係の複雑さを歌っています。主人公は、自分の気持ちに答えてくれない かもしれない人を振り向かせようとする気持ちと格闘しています。「Strange Currencies」というタイトルは、愛の複雑さと、人間関係の中で起こる感情的な取引を象徴しています。愛は通貨のようなものであり、理解したり、うまく 付き合っていくのが難しい独自の性質を持っていることを示唆しています。
「Strange Currencies」は、大きな文化的影響を与えました。英国のシングルチャートで9位にランクインし、米国では47位に達しました。「Strange Currencies」は、R.E.M.の商業的に最も成功した曲の1つではないかもしれませんが、その意義は、R.E.M.の多様なディスコグラフィーに貢献したことです。それは、考えさせられるような感情的に豊かな作詞作曲ができるグループとしての彼らの評判をさらに確固たるものにしました。
12. Electrolite (1996)
“Electrolite” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in December 1996 as the third single and closing track from their tenth studio album, “New Adventures in Hi-Fi”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of folk pop and jangle pop.
The lyrics of “Electrolite” are about the two-year period Michael Stipe spent living in Santa Monica and the trips he would take to people-watch on Mulholland Drive. The song is a piano-based ballad to Los Angeles, Hollywood icons, and the closing 20th century. The title of the song references what Stipe referred to as the “electrolyte blanket”, looking out at Los Angeles at night from the hills, or looking down from an airplane.
“Electrolite” had a significant cultural impact. It reached the top 40 in Canada, Finland, Iceland, and the United Kingdom but stalled at number 96 on the US Billboard Hot 100. The song is one of Michael Stipe’s favorite R.E.M. songs as well as one of Radiohead lead singer Thom Yorke’s; Radiohead has covered the song. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「Electrolite」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1996 年 12月に、10枚目のスタジオアルバム「New Adventures in Hi-Fi」の3枚目のシングルで 最後の曲として リリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、フォークポップとジャングルポップのミックスです。
「Electrolite」の歌詞は、マイケル・スタイプがサンタモニカに住んでいた2年間と、マルホランドドライブに 繰り出して人間観察をした旅行について歌っています。この曲は、ロサンゼルス、ハリウッドのアイコン、そして20世紀の終わりに向けて書かれたピアノベースのバラードです。曲のタイトルは、スタイプが「 電解質の毛布」と呼んでいたことにちなんでおり、丘から夜のロサンゼルスを見下ろしたり、飛行機から見下ろしたりすることを意味しています。
「Electrolite」は、大きな文化的影響を与えました。カナダ、フィンランド、アイスランド、イギリスのトップ40に入りましたが、米国のビルボードホット100では96位にとどまりました。この曲は、マイ ケル・スタイプが一番好きなR.E.M.の曲の1つであり、レディオヘッドのボーカリスト、トム・ヨークのお気に入りの曲の1つでもあります。レディオヘッドはこの曲をカバーしています。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
11. Man on the Moon (1992)
“Man on the Moon” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in November 1992 as the second single from their eighth album, “Automatic for the People”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and country rock.
The lyrics of “Man on the Moon” were written by lead singer Michael Stipe, and the music by drummer Bill Berry and guitarist Peter Buck. The song is a tribute to comedian Andy Kaufman, with numerous references to his career including his Elvis impersonation, wrestling, and the film “My Breakfast with Blassie”. The song’s title and chorus refer to Moon landing conspiracy theories, as an oblique allusion to rumors that Kaufman’s death in 1984 was faked.
“Man on the Moon” had a significant cultural impact. It reached number 30 on the US Billboard Hot 100, number 17 on the US Cash Box Top 100, number 18 on the UK Singles Chart, and number one in Iceland. It remains one of R.E.M.’s most popular songs and was included on the compilations “In Time: The Best of R.E.M. 1988–2003” and “Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982–2011”. The song gave its name to Miloš Forman’s Kaufman biopic “Man on the Moon” (1999), and features prominently in the film’s soundtrack.
「Man on the Moon」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1992年11月に、8枚目のアルバム「Automatic for the People」からの2枚目のシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・リット とR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとカントリーロックのミックスです。
「Manon the Moon」の歌詞は、ボーカルのマイケル・スタイプによって書かれ、音楽はドラマーのビル・ベリー とギタリストのピーター・バックによって書かれました。この曲は、コメディアンのアンディ・カウフマンへのオマージュであり、彼のエルビスの物まね、レスリング、映画「ブレック ファースト・ウィズ・ブレイシー」など、彼のキャリアに数多く言及しています。曲のタイトルとコーラスは、1984年に亡くなったカウフマンの死が偽装されたという噂に斜めに allusion した月面着陸陰謀説を指しています。
「Man on the Moon」は、大きな文化的影響を与えました。 米国のビルボードホット100では30位、米国のキャッシュボックストップ100では17位、英国のシングルチャートでは18位、アイスランドでは1位に達しました。R.E.M.の最も人気のある曲の1つであり、コンピレーションアルバム「イン・タイム：ザ・ベスト・オブ・R.E.M.1988– 2003」と「パート・ライズ、パート・ハート、パート・トゥルース、パート・ガーベッジ 1982–2011」に収録されました。この曲は、ミロシュ・フォアマンのカウフマンの伝記映画「マン・オン・ザ・ムーン」(1999年)のタイトルにもなりました。この映画のサウンドトラックにも prominently 使われています。
10. So. Central Rain (I'm Sorry) (1984)
“So. Central Rain (I’m Sorry)” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in May 1984 as the first single from their second studio album, “Reckoning”. The song was produced by Mitch Easter and Don Dixon. The genre of the song is a mix of alternative rock and jangle pop.
The lyrics of “So. Central Rain (I’m Sorry)” are enigmatic and poetic, revealing a narrative of heartbreak and regret. The song’s opening lines set a melancholy tone, and the chorus is a cathartic cry of apology. The song is about a man trying to call a girl and apologize for some unnamed wrong. The two never connect, for various reasons.
“So. Central Rain (I’m Sorry)” had a significant cultural impact. It became the second R.E.M. single to chart on the Billboard Hot 100, peaking at number 85. The band premiered the song on the NBC television show Late Night with David Letterman in 1983 before it even had a title, in what was the band’s first national television appearance. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「So.Central Rain (I’m Sorry)」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1984年5月に2枚目のスタジオアルバム「Reckoning」からの最初のシングルとしてリリースされました。この曲は、Mitch Easter とDon Dixonによってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとジャングルポップのミックスです。
「So.Central Rain (I’m Sorry)」の歌詞は、謎めいていて詩的であり、心痛と後悔の物語を明らかにしています。この 曲の冒頭は憂鬱なトーンで始まり、コーラスはカタルシス的な謝罪の叫びです。この曲は、ある男性が女の子に電話して、名前のない過ちを謝ろうとしている様子を描いています。2人は、様々な 理由で、決してつながりません。
「So.Central Rain (I’m Sorry)」は、大きな文化的影響を与えました。ビルボードホット100で85位に達し、チャートインしたR.E.M.の2枚目のシングルとなりました。このバンドは、タイトルが決まる前の1983年にNBCのテレビ番組「レイトナイト・ウィズ・デビッド・レターマン」でこの曲を初披露し、これが彼らの最初の全国テレビ出演となりました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
09. Everybody Hurts (1993)
“Everybody Hurts” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in April 1993 as a single from their eighth studio album, “Automatic for the People”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of rock, soft rock, and gospel.
The lyrics of “Everybody Hurts” are straightforward and empathetic. The song is a reminder that it’s okay to feel overwhelmed by life’s challenges, but we shouldn’t give up. Instead, we should have faith that things will get better. The song acknowledges that everyone experiences pain and sadness at some point in their lives.
“Everybody Hurts” had a significant cultural impact. It peaked at number 29 on the US Billboard Hot 100. The song’s message of hope has resonated with audiences worldwide, inspiring countless covers, including versions by Miley Cyrus and Alicia Keys. In addition, its music video gained popularity for highlighting various forms of emotional pain experienced by teenagers. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「Everybody Hurts」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1993年4月に、8枚目のスタジオアルバム「Automatic for the People」からのシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、ロック、ソフトロック、ゴスペルのミックスです。
「Everybody Hurts」の歌詞は、率直で共感的です。この曲は、人生の試練に圧倒されても大丈夫、諦めてはいけないという気持ちのreminderです。代わりに、 物事は良くなると信じる faith を持つべきです。この曲は、誰もが人生のある時点で痛みや悲しみを経験することを認めています。
「Everybody Hurts」は、大きな文化的影響を与えました。米国のビルボードホット100では29位に到達しました。この 曲の希望のメッセージは、世界中の聴衆に共鳴し、マイリー・サイラスやアリシア・キーズによるバージョンなど、数え切れないほどのカバーを生み出しました。さらに、ミュージックビデオは、10代の若者が経験するさまざまな形の感情的な痛みを強調したことで、人気を博しました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
08. E-Bow the Letter (1996)
“E-Bow the Letter” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in August 1996 as the first single from their tenth studio album, “New Adventures in Hi-Fi”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of folk rock and avant-rock.
The lyrics of “E-Bow the Letter” are complex and enigmatic. The song is about Michael Stipe’s friend, the actor and musician River Phoenix. The title refers to the EBow, an electromagnetic field-generating device that induces sustained vibration in an electric guitar string, creating a violin-like effect. This device is present in the track and appears in the music video.
“E-Bow the Letter” had a significant cultural impact. It reached number two on the Billboard Modern Rock Tracks chart and entered the top 10 on the Adult Alternative Songs ranking. The song features American singer-songwriter and “Godmother of Punk” Patti Smith performing backing vocals. The song was a departure from the more straightforward rock sound of R.E.M.’s earlier albums, and it marked the beginning of a more adventurous phase in the band’s career.
「E-Bow the Letter」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1996年8月に10枚目のスタジオアルバム「New Adventures in Hi-Fi」からの最初のシングルとしてリリースされました。この曲は 、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、フォークロックとアバンギャルド・ロックのミックスです。
「E-Bowthe Letter」の歌詞は、複雑で謎めいています。この曲は、マイケル・ スタイプの友人であり、俳優兼ミュージシャンのリバー・フェニックスについて歌っています。タイトルは、電気ギターの弦に持続的な振動を誘導してバイオリンのような音を作り出す電磁界発生装置であるEBow を指しています。この装置はトラック中で使用されており、ミュージックビデオにも登場します。
「E-Bow the Letter」は、大きな文化的影響を与えました。ビルボードモダンロックチャートでは2位を 獲得し、アダルト・アルタナティブ・ソングチャートではトップ10入りを果たしました。この曲には、アメリカのシンガーソングライターであり、「パンクのゴッドマザー」 であるパティ・スミスがバッキングボーカルとして参加しています。この曲は、R.E.M.の初期のアルバムのよりストレートなロックサウンドから脱却したものであり、バンドのキャリアにおけるより冒険的なフェーズの始まりを告げました。
07. Fall On Me (1986)
“Fall On Me” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in August 1986 as the first single from their fourth album, “Lifes Rich Pageant”. The song was produced by Don Gehman and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock, folk rock, and jangle pop.
The lyrics of “Fall On Me” are highly metaphorical. The song was initially about acid rain and its effects on the environment. However, Michael Stipe, the band’s lead vocalist, stated that the finished version of the song is a general oppression song. The song is something of a duet between Stipe and Mike Mills, with the two of them sharing vocals prominently during the bridge and chorus.
“Fall On Me” had a significant cultural impact. It peaked at number 94 on the Billboard Hot 100. The song was one of the band’s early compositions about environmentalism. The song also transitioned from their murky lyrics and jangling guitar of their first three albums to a more accessible sound influenced by producer Don Gehman. Early on in their career, Michael Stipe commented this was his favorite R.E.M. song.
「Fall On Me」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1986年8月に4枚目のアルバム「Lifes Rich Pageant」からの最初のシングルとしてリ リースされました。 この曲は、ドン・ゲイマンとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロック、フォークロック、ジャングルポップのミックスです。
「FallOn Me」の歌詞は、非常に比喩的です。この曲は当初、酸 性雨とその環境への影響について歌っていました。しかし、バンドのリードボーカリストであるマイケル・スタイプは、完成したバージョンの曲は一般的な抑圧の歌であると述べています。この曲は、スタイプとマイク・ ミルズの2人がブリッジとコーラスで目立つようにボーカルを共有している、一種のデュエットです。
「Fall On Me」は、大きな文化的影響を与えました。ビルボードホット100で94位に達しました。この曲は、バンドが環境問題について書いた初期の楽曲の1つでした。この曲はまた、最初の3枚の アルバムで特徴的だった暗くて唸るような歌詞とギターから、プロデューサーのドン・ゲイマンの影響を受けたよりアクセスしやすいサウンドへと移行しました。マイケル・スタイプは、キャリアの初期にこの曲を彼の好きなR.E.M.の曲とコメントしています。
06. It's the End of the World As We Know It (And I Feel Fine) (1987)
“It’s the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)” is a song by the American alternative rock band R.E.M., first appearing on their 1987 album, “Document”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and post-punk.
The lyrics of the song are known for their quick-flying, seemingly stream of consciousness rant with many diverse references. The song reflects on the state of society, politics, and the media, questioning their role and impact. The repeated phrase “and I feel fine” suggests a sense of personal resilience and empowerment in the face of chaos.
The song had a significant cultural impact. It reached No. 69 in the US Billboard Hot 100 and later reaching No. 39 on the UK Singles Chart on its re-release in December 1991. The song was included on the 2001 Clear Channel memorandum of songs thought to be “lyrically questionable” after the September 11 terrorist attacks. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom.
「It’s the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R .E.M.の楽曲で、1987年のアルバム「Document」に初収録されています。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとポストパンクのミックスです。
この曲の歌詞は、一見意識の流れのように、様々なことに言及した、素早く飛び交う言葉で知られています。この曲は、社会、政治、メディアの在り方や影響力について疑問を呈しています。「そして私は元気だ」という繰り返しのフレーズは、カオスに直面しても、個人的な回復力と力を示唆しています。
この 曲は、大きな文化的影響を与えました。米国のビルボードホット100では69位を記録し、1991年12月に再リリースされた際には英国のシングルチャートで39位に達しました。この曲は、2001年の9月11日のテロ攻撃後に「歌詞に問題がある」と考えられた曲のメモランダム に含まれていました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。
05. Orange Crush (1988)
“Orange Crush” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in December 1988 as the first single from their sixth studio album, “Green”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock and power pop.
The lyrics of “Orange Crush” are politically charged. The song is about a young man from America who played football, leaving to go to war in Vietnam. The song’s title refers to the chemical defoliant Agent Orange used in the Vietnam War. The rapid-fire drums that open the song mimic the noise of a machine-gun.
“Orange Crush” had a significant cultural impact and was a commercial success. It reached number one as a promotional single on both the Mainstream and Modern Rock Tracks. It peaked at number 28 on the UK Singles Chart, making it the band’s then-highest chart hit in Britain. The song’s success contributed to R.E.M.’s global success and stardom. The song was placed on R.E.M.’s Warner Bros. Records compilation “In Time: The Best of R.E.M. 1988–2003” in 2003.
「Orange Crush」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1988年 12月に、6 枚目のスタジオアルバム「Green」からの最初のシングルとしてリリースされました。この曲は、 スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロックとパワーポップのミックスです。
「OrangeCrush」の歌詞は、政治的な内容です。この曲は、アメリカ出身の若い男性が、ベトナム戦争に従軍するため、 フットボールを辞めて戦地に向かう物語を描いています。曲のタイトルは、ベトナム戦争で使用された枯葉剤であるオレンジ剤を指しています。曲のオープニングを飾るマシンガンのような音は、機関銃の音が モチーフとなっています。
「Orange Crush」は、大きな文化的影響を与え、商業的に成功しました。メインストリームロックとモダンロックの両方のチャートで、プロモーションシングルとして1位を獲得しました。英国のシングルチャートでは28位を記録し、当時、英国で最高位のヒット曲となりました。この曲の成功は、R.E.M.の世界的な成功とスターダムに貢献しました。この曲は、2003年にR.E.M.のワーナーブラザーズレコードのコンピレーションアルバム「InTime: The Best of R.E.M.1988–2003」に収録されました。
04. Radio Free Europe (1981)
“Radio Free Europe” is the debut single by the American alternative rock band R.E.M., released in 1981. The song was produced by Mitch Easter and R.E.M. The genre of the song is a mix of alternative rock, punk rock, alternative pop, and indie rock.
The lyrics of “Radio Free Europe” are known for their trademark unintelligibility. The song reflects the band’s fascination with the concept of freedom, both in artistic expression and socio-political contexts. Michael Stipe, the band’s lead vocalist, often embraced ambiguity and symbolism in his songwriting.
The song holds significant cultural and artistic value in the world of music. It received critical acclaim, and its success earned the band a record deal with I.R.S. Records. The song is ranked number 389 in Rolling Stone’s 500 Greatest Songs of All Time. In 2009, it was added to the Library of Congress’s National Recording Registry for setting “the pattern for later indie rock releases by breaking through on college radio in the face of mainstream radio’s general indifference”. The song played a pivotal role in establishing R.E.M.’s unique sound and distinctive identity.
「Radio Free Europe」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.のデビューシングルであり、1981年にリリースされました。この曲は、Mitch EasterとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロック、パンクロック、オルタナティブポップ、インディーロックのミックスです。
「Radio Free Europe」の歌詞は、特徴的な不明瞭さを持っていることで知られています。この曲は、芸術的な表現と社会政治的な文脈の両方において、自由という概念 に対するバンドの憧れを反映しています。バンドのリードボーカリストであるマイケル・スタイプは、彼のソングライティングにおいて、曖昧さと象徴主義を頻繁に取り入れています。
この曲は、音楽の世界において、重要な文化的および芸術 的価値を持っています。批評家の称賛を受け、その成功により、バンドはI.R.S.レコードとのレコード契約を獲得しました。この曲は、ローリングストーンの「史上最高の500曲」で389位にランクインしています。2009年に、メインストリームのラジオが一般的に無関心な中で大学ラジオを突破して、後のインディーロックリリースのための原型を作ったとして、米国議会図書館の国立録音レジストリに追加されました。この曲は、R.E.M.の独特なサウンドと特徴的なアイデンティティを確立する上で重要な役割を果たしました。
03. Drive (1992)
“Drive” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in September 1992 as the lead single from their eighth studio album, “Automatic for the People”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The song’s genre is a mix of alternative rock and folk rock.
The lyrics of “Drive” are cryptic and abstract, with themes of individuality and the freedom to make one’s own choices. Mike Mills, the band’s bassist and multi-instrumentalist, stated that “Drive” is “just telling kids to take charge of their own lives”. The lyrics also contain political undertones, with references to President George H.W. Bush.
“Drive” had a significant cultural impact and was a commercial success. It peaked at number 28 on the US Billboard Hot 100 and number 11 on the UK Singles Charts. The song’s success contributed to R.E.M.’s transition from alternative cult status to full-blown arena rock stars. Despite its popularity, “Drive” was left out of the band’s Warner Bros. Records “best of” compilations. However, its influence on R.E.M.’s career and its enduring popularity among fans is undeniable.
「Drive」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1992年9月に、彼らの8枚目のスタジオアルバム「Automatic for the People」からの最初のシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・ リットとR.E.M.によってプロデュースされました。この曲のジャンルは、オルタナティブロックとフォークロックのミックスです。
「Drive」の歌詞は、難解で抽象的で、個性と自分の選択肢を自由に選択するというテーマを扱っています。バンドのベーシスト兼マルチインストゥルメンタリストのマイク・ミルズは、「Drive」は「子供たちに自分の人生を自分で切り開くよう促しているだけ」だと述べています。歌詞には、ジョージ・H ・W・ブッシュ大統領への言及など、政治的な含みも込められています。
「Drive」は、大きな文化的影響を与え、商業的に成功しました。米国のビルボードホット100で28位、英国のシングルチャートで11位を記録しました。この曲の成功は、R.E.M.がオルタナティブなカルト的人気から、本格的なアリーナロックスターへの転換を遂げるのに貢献しました。人気にもかかわらず、「Drive」はバンドのワーナーブラザーズ・レコードの「best of」コンピレーションには収録されませんでした。しかし、R.E.M.のキャリアに与えた影響と、ファンの間で今でも人気があることは否定できません。
02. Nightswimming (1993)
“Nightswimming” is a song by the American alternative rock band R.E.M., released in July 1993 as the fifth single from their eighth album, “Automatic for the People”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The song’s genre is a mix of baroque pop and baroque rock.
The song is a ballad featuring singer Michael Stipe accompanied only by bassist Mike Mills on piano. The lyrics of “Nightswimming” are a nostalgic look back by Stipe to his childhood spent on the secluded shores of lakes and ponds. These secluded places symbolize freedom and autonomy for many American teens.
“Nightswimming” has left an indelible mark on the music landscape, earning critical acclaim and enduring popularity. Its inclusion in the 1992 album “Automatic for the People” ensured that it reached a wide audience and became a touchstone for fans of R.E.M. and lovers of introspective rock music alike. The song captures the essence of fleeting moments of freedom and self-expression, reminding us of the beauty and joy that can be found in simplicity.
「Nightswimming」は、アメリカのオルタナティブロックバンド、R.E.M.の楽曲です。1993年7月に、8枚目のアルバム「Automatic for the People」からの5枚目のシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。この曲のジャンルは、バロックポップとバロックロックのミックスです。
この曲は、ボーカルのマイケル・スタイプが、ピアノのマイク・ミルズのみを伴奏に歌うバラードです。「Nightswimming」の歌詞は、スタイプが湖や池の静かな岸辺で過ごした子供時代を懐かしむノスタルジックな内容となっています。これらの静かな場所は、多くのアメリカの 十代の若者にとって自由と自立の象徴となっています。
「Nightswimming」は、音楽界に消えない足跡を残し、批評家の称賛と永続的な人気を獲得しました。1992年のアルバム「Automatic for the People」に収録されたことで、幅広い聴衆に届き、R.E.M.のファンや内省的なロックミュージック愛好家にとっての試金石となりました。この曲は、一瞬の自由と自己表現の本質を捉え、シンプルさの中に潜む美しさと喜びを私たちに思い出させてくれます。
01. Losing My Religion (1991)
“Losing My Religion” is a song by the American alternative rock band R.E.M. It was released in February 1991 as the first single from their seventh studio album, “Out of Time”. The song was produced by Scott Litt and R.E.M. The song’s genre is a mix of alternative rock, folk rock, and jangle pop.
The song is built on a mandolin riff and is about unrequited love. The phrase “losing my religion” is a southern expression meaning “at the end of one’s rope” or “losing one’s temper”. Michael Stipe, the lead singer, stated that the song’s theme is not about religion but a love song about unrequited love.
The song had a significant cultural impact. It became R.E.M’s biggest hit, reaching No. 4 on the Billboard Hot 100 and expanding the group’s popularity beyond its original fan-base. The song’s success skyrocketed the band into music stardom. The song has been featured in various films, television shows, and video games, contributing to its enduring cultural significance.
「Losing My Religion」は、1991年2月に発表されたアメリカのオルタナティブロックバンドR.E.M.の楽曲で、7枚目のスタジオアルバム「Out of Time」からの最初のシングルとしてリリースされました。この曲は、スコット・リットとR.E.M.によってプロデュースされました。ジャンルは、オルタナティブロック、フォークロック、ジャングルポップのミックスです。
この曲は、マンドリンのリフを基盤に、片思いについて歌われています。「losingmy religion」というフレーズは、南部の方言で「 もう限界だ」や「キレる」という意味です。リードボーカルのマイケル・スタイプは、この曲のテーマは宗教ではなく、片思いについてのラブソングであると述べています。
この曲は、大きな文化的影響を与えました。R.E.M.の最大のヒット曲となり、ビルボードホット100で4位を獲得し、その人気をオリジナルのファン層を超えて広めました。この曲の成功により、バンドは音楽のスターダムにのし上がりました。この曲は、様々な映画、テレビ番組、ビデオゲームで取り上げられ、その文化的意義を永続させています。