20. Hyper Music (2001)
“Hyper Music” appears on Muse’s second studio album Origin of Symmetry (2001) and was released as a double A-side single with their cover of “Feeling Good.” Produced by John Leckie, the song is a furious, compact burst of distorted guitar riffs, aggressive bass, and explosive energy, clocking in at just over 3 minutes. It stands as one of Muse’s most confrontational and punk-influenced tracks.
Lyrically, “Hyper Music” delivers a scathing breakup message, with Matt Bellamy expressing bitterness and emotional detachment. Lines like “You don’t love me, but you love my mind” speak to the pain of being admired for intellect or image rather than true connection. The sarcastic and snarling delivery adds to the song’s caustic tone.
Musically, the track features unusual chord progressions, tight syncopation, and sudden dynamic shifts—elements that typify Muse’s early sound. While not their most commercially successful single, “Hyper Music” became a fan favorite for its raw energy and cathartic release.
The track reflects the heavier, more experimental side of Origin of Symmetry, standing in stark contrast to its more melodic counterparts. It encapsulates Muse’s early defiance and volatility, offering a glimpse into their evolution from angsty outsiders to arena-filling innovators.
「Hyper Music（ハイパー・ミュージック）」は、2001年のアルバム『Origin of Symmetry』に収録された楽曲であり、同作の中でも特に攻撃的で衝動的なエネルギーを持つ一曲です。ジョン・レッキーのプロデュースによって制作され、「Feeling Good」との両A面シングルとしてもリリースされました。わずか3分強の長さながら、歪んだギターリフと怒涛のリズム、そして噛みつくようなボーカルで、圧倒的な勢いを放っています。
歌詞は、冷酷な別れをテーマにしており、〈You don’t love me, but you love my mind〉という一節には、人格ではなく知性やイメージだけを評価されることへの怒りや失望が込められています。皮肉と憎しみに満ちたボーカルは、その感情をさらに鋭く際立たせています。
音楽的には、不安定なコード進行や変則的なリズム、急激なダイナミクスの変化が特徴で、Muse初期の実験性と鋭さを象徴するナンバーです。商業的な大ヒットには至りませんでしたが、ファンの間ではライブ映えする楽曲として高く評価されており、Museの“怒れる若者”としての側面を色濃く残す作品です。
19. Apocalypse Please (2003)
“Apocalypse Please” opens Muse’s 2003 album Absolution with dramatic flair and apocalyptic urgency. Produced by Rich Costey, the track is built around thunderous piano chords, militaristic drumming, and Matt Bellamy’s impassioned vocals. Its theatrical arrangement and grandiose scale immediately set the tone for the album’s exploration of destruction, religion, and moral reckoning.
Lyrically, the song critiques fanatical belief systems and the human desire for cataclysm as a form of validation. Lines like “This is the end of the world / And it’s just the beginning” suggest an ironic tension between doom and renewal. Bellamy takes aim at religious extremism, portraying it as a force that both craves and engineers apocalypse.
Musically, “Apocalypse Please” combines classical influence with rock bombast, evoking comparisons to Queen and Rachmaninoff. Though not released as a major single, it became a fan favorite and a powerful opening number in live performances.
The track encapsulates Muse’s talent for fusing philosophical and political themes with emotional intensity and sonic drama. As the gateway into Absolution, it functions like a theatrical overture—announcing Muse’s ambition to tackle nothing less than the end of the world, both literally and spiritually.
「Apocalypse Please（アポカリプス・プリーズ）」は、2003年のアルバム『Absolution』のオープニングを飾る壮大な楽曲であり、Museの世界観を強烈に提示する一曲です。リッチ・コスティのプロデュースにより、重厚なピアノコードと軍隊的なドラム、そしてマシュー・ベラミーの情熱的なボーカルが交錯し、終末的な緊張感を持つ壮麗なサウンドが展開されます。
歌詞は、黙示録的な世界を待望する狂信的な宗教観や、人間が自己正当化のために破滅を望むという皮肉な心理を風刺しています。〈This is the end of the world / And it’s just the beginning〉という一節には、終わりと始まりが背中合わせにあるという逆説的なビジョンが込められています。
音楽的にはクラシックの影響とロックの爆発力が融合し、Queenやラフマニノフに通じるドラマ性を持っています。シングルカットはされていないものの、ライブではオープニングに用いられることも多く、ファンの間で高い人気を誇る楽曲です。
「Apocalypse Please」は、宗教、終末、信念といった壮大なテーマをMuseらしい激情とともに描き出し、『Absolution』という作品全体の導入として完璧に機能しています。
18. Muscle Museum (1999)
“Muscle Museum” is the third single from Muse’s debut album Showbiz (1999), produced by John Leckie. The song is an early example of Muse’s fusion of grunge-influenced alternative rock with theatrical dynamics and emotional volatility. With its shifting dynamics—quiet verses giving way to explosive choruses—it showcases the band’s signature loud/soft contrast and Bellamy’s falsetto-laced vocals.
Lyrically, “Muscle Museum” deals with alienation, repressed emotion, and the social performance of happiness. The cryptic title is a combination of two consecutive dictionary entries: “muscle” and “museum,” suggesting a fascination with the body, display, and internal conflict. Lines like “She had something to confess / But you don’t have the time” reflect emotional neglect and societal indifference.
Though not a massive chart success, the song helped define Muse’s early identity and received critical acclaim for its ambition and intensity. It became a fan favorite and was accompanied by a striking music video that satirizes the pressure to appear happy in suburban life.
“Muscle Museum” marked Muse’s arrival as emotionally intense and stylistically bold newcomers in the British rock scene, laying the groundwork for their future fusion of vulnerability, rage, and theatricality.
「Muscle Museum（マッスル・ミュージアム）」は、1999年にリリースされたMuseのデビューアルバム『Showbiz』からのサードシングルであり、初期Museの音楽的特徴を色濃く反映した楽曲です。ジョン・レッキーのプロデュースにより、グランジ的なオルタナティブ・ロックの影響と、ドラマティックなダイナミクスが融合。静かなヴァースから爆発的なサビへの展開は、Museの代名詞とも言える「静と動」のコントラストを見事に体現しています。
タイトル「Muscle Museum」は辞書で「muscle（筋肉）」と「museum（博物館）」が隣り合っていたことから名付けられた造語で、人間の身体性や感情の「展示」、あるいは内面の葛藤を象徴しています。〈She had something to confess / But you don’t have the time〉といった歌詞には、感情が抑圧された社会や、無関心の中での孤独が表現されています。
商業的な成功は限定的でしたが、サバービア（郊外生活）の虚飾を風刺したMVとともに、ファンの間で根強い人気を誇り、Museが持つ内省性・怒り・演劇性といった要素の原点を示す楽曲として評価されています。
17. Knights of Cydonia (2006)
“Knights of Cydonia,” released in 2006 as the final track and third single from Black Holes and Revelations, is one of Muse’s most ambitious and theatrical songs. Produced by Rich Costey, the song blends space rock, surf guitar, Ennio Morricone-style Western motifs, and progressive rock into a genre-defying epic. The six-minute track opens with futuristic synths and galloping rhythms before erupting into a triumphant, rebellious anthem.
Lyrically, the song champions resistance and self-empowerment, with lines like “No one’s going to take me alive” resonating as defiant declarations of personal and political freedom. Its title references “Cydonia,” a region on Mars known for conspiracy theories about alien structures—adding a sci-fi mythos to its rebellious spirit.
The accompanying music video, styled as a spaghetti western-sci-fi parody, became a cult classic. Though unconventional for radio, the track became a fan favorite and one of Muse’s most celebrated live staples, often extended with improvisational jams.
“Knights of Cydonia” captures Muse at their most unrestrained—fusing cinematic imagination, sonic maximalism, and political urgency. It has since been hailed as a modern rock classic, embodying the band’s vision of rock as both spectacle and resistance.
「Knights of Cydonia（ナイツ・オブ・サイドニア）」は、2006年のアルバム『Black Holes and Revelations』のラストトラックにして、サードシングルとしてもリリースされた、Museの中でも最も壮大でシアトリカルな楽曲のひとつです。リッチ・コスティのプロデュースにより、スペース・ロック、サーフ・ギター、エンニオ・モリコーネ風の西部劇的要素、プログレッシブ・ロックが融合した、約6分に及ぶジャンル横断的な大作に仕上がっています。
イントロの近未来的なシンセと蹄のようなリズムから始まり、やがて「No one’s going to take me alive（誰にも俺の命は奪わせない）」という決意に満ちたリフレインへと到達し、個人の自由や抵抗の意志を力強く訴えます。タイトルにある「Cydonia（サイドニア）」は火星の地名で、古くからUFOや人工建造物説などの陰謀論が語られており、楽曲に神話的なSF的スケールを加えています。
スパゲッティ・ウエスタンとSFを融合させたMVもカルト的な人気を誇り、ラジオ向きではない構成にもかかわらず、ライブでは定番かつ最高潮を飾る楽曲として親しまれています。「Knights of Cydonia」は、Museがロックを単なる音楽ではなく“壮大なスペクタクル”として提示するアーティストであることを象徴する一曲です。
16. Feeling Good (2001)
Muse’s rendition of “Feeling Good” was released in 2001 as part of their second studio album Origin of Symmetry. Originally written by Anthony Newley and Leslie Bricusse for the 1964 musical The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd, the song has been covered by many, including Nina Simone. Muse’s version stands out for transforming the soulful classic into a dark, theatrical alt-rock anthem.
Produced by John Leckie, their interpretation features distorted bass, sparse drums, and Matt Bellamy’s haunting vocals—starting with a whisper and rising into a defiant crescendo. The arrangement replaces the original’s jazzy optimism with a tense, ironic undercurrent, aligning with Muse’s dystopian themes.
While initially met with mixed reactions due to its radical departure from previous versions, the cover became a fan favorite and one of Muse’s most recognizable recordings. It has since been praised for its bold reinterpretation and emotional power.
“Feeling Good” exemplifies Muse’s ability to reframe familiar material through their unique lens—infusing it with drama, subversion, and grandeur. It remains a staple in their live sets and a testament to their versatility as artists.
「Feeling Good（フィーリング・グッド）」は、2001年のアルバム『Origin of Symmetry』に収録されたカバー曲で、元は1964年のミュージカル『The Roar of the Greasepaint – The Smell of the Crowd』のためにアンソニー・ニューリーとレスリー・ブリカスによって書かれた楽曲です。ジャズやソウルの名手ニーナ・シモンによるバージョンでも知られていますが、Museのカバーはそのイメージを覆す、ダークで劇的なオルタナティブ・ロックへの再構築がなされています。
ジョン・レッキーによるプロデュースのもと、歪んだベースライン、ミニマルなドラム、そしてマシュー・ベラミーの緊張感に満ちたボーカルが特徴。ささやくような導入から始まり、やがて抗うような力強いクライマックスへと昇華します。原曲の持つ解放感や希望を、むしろ皮肉的に、あるいは逆説的に描き出しているとも言えます。
当初はその大胆な解釈に賛否が分かれたものの、現在ではファンの間で非常に高い人気を誇り、ライブでも頻繁に披露される定番曲です。Museの多面性と、既存の楽曲を独自の世界観で再構築する能力の高さを証明する一曲となっています。
15. Butterflies and Hurricanes (2003)
“Butterflies and Hurricanes,” featured on Muse’s 2003 album Absolution, is a bold, genre-defying track that exemplifies the band’s grand ambition and emotional reach. Produced by Rich Costey, the song blends alternative rock with orchestral flourishes, most notably in its dramatic Rachmaninoff-inspired piano interlude performed by Matt Bellamy, which anchors the track’s cinematic arc.
The title references the butterfly effect, suggesting that small actions can trigger monumental changes—a theme that underpins the lyrics’ message of resilience, transformation, and personal power. Lines like “Best, you’ve got to be the best / You’ve got to change the world” are both motivational and existential, urging the listener to rise amid chaos.
Musically, the song shifts between electronic textures, militaristic drum patterns, and symphonic grandeur, culminating in a triumphant climax. It’s one of Muse’s most structurally dynamic songs and showcases their fusion of classical and rock elements at its peak.
Though not a major commercial single, it remains a fan favorite and a critical standout. “Butterflies and Hurricanes” represents Muse at their most ambitious—blurring genre boundaries while delivering a powerful message about agency and change.
「Butterflies and Hurricanes（バタフライズ・アンド・ハリケーンズ）」は、2003年のアルバム『Absolution』に収録された、Museの音楽的野心と芸術性が最も際立つ楽曲のひとつです。リッチ・コスティによるプロデュースのもと、オルタナティブ・ロックにオーケストラ的要素が加わり、とりわけラフマニノフ風のピアノ・インタールード（マシュー・ベラミーによる演奏）が楽曲の中盤に登場することで、劇的でシネマティックな展開を作り出しています。
タイトルは「バタフライ効果」に由来し、小さな行動が大きな変化を引き起こすというカオス理論を暗示しています。〈Best, you’ve got to be the best / You’ve got to change the world〉という歌詞は、混沌の中でも自らの力で世界を変えようとする意志を力強く鼓舞します。
音楽的には、電子的なテクスチャ、軍隊的なリズム、そして壮大なシンフォニック展開が交錯し、Museのクラシックとロックの融合美学を象徴しています。シングルとしての成功は限定的でしたが、ファンの間では根強い人気を誇り、バンドの中でも最も構造的に野心的かつ感情的な作品のひとつとして語り継がれています。
14. Uprising (2009)
“Uprising” was released in 2009 as the lead single from Muse’s fifth studio album The Resistance. Produced by the band and mixed by Mark Stent, the song combines glam rock stomp, synth-pop elements, and political defiance into one of Muse’s most anthemic tracks. Its distorted, marching bassline and fuzz-heavy guitars draw comparisons to classic acts like Queen and David Bowie, while maintaining the dystopian grandeur Muse is known for.
Lyrically, “Uprising” is a call to resist manipulation, media control, and authoritarian systems. Lines like “They will not force us / They will stop degrading us” are rallying cries against oppression and blind conformity. The song encapsulates Muse’s long-standing interest in rebellion, surveillance, and individual freedom.
“Uprising” became one of Muse’s most commercially successful songs, peaking at #9 on the UK Singles Chart and topping the U.S. Alternative Songs chart for 17 weeks. It received widespread acclaim for its infectious hook and bold message, becoming a staple in live performances and protest contexts.
The track solidified Muse’s image as a band unafraid to merge politics with arena-sized rock, blending accessibility with urgency. “Uprising” remains a defining anthem of 21st-century resistance in popular music.
「Uprising（アップライジング）」は、2009年にリリースされたMuseの5枚目のスタジオ・アルバム『The Resistance』のリードシングルであり、バンドの政治的・反体制的なスタンスを前面に押し出した代表曲です。バンド自身によるプロデュース、マーク・ステントによるミキシングによって、グラムロック的なリズム、シンセ・ポップの要素、そしてディストピア的な世界観が融合した壮大なアンセムが完成しました。
歪んだベースとマーチのようなリズムが印象的で、QueenやDavid Bowieなどへのオマージュを感じさせつつ、Museらしい未来的で緊張感のあるサウンドが展開されます。
歌詞は、メディアによる洗脳や抑圧的な社会構造への抵抗を訴えるもので、〈They will not force us / They will stop degrading us〉というリフレインは、自由と尊厳を守るための決意を力強く表現しています。
この曲は全米オルタナティブ・チャートで17週連続1位を記録し、イギリスでもトップ10入りするなど、商業的にも大きな成功を収めました。以後、ライブや抗議活動の場でも多用される代表的な楽曲となり、Museの“抵抗の象徴”としての立ち位置を確固たるものとしました。
13. Hysteria (2003)
“Hysteria” is one of Muse’s most iconic and electrifying tracks, released in 2003 as the third single from their third studio album Absolution. Produced by Rich Costey, the song is instantly recognizable for its aggressive and technically demanding bassline—considered one of the best in rock history—performed by Chris Wolstenholme. Matt Bellamy’s soaring vocals and razor-sharp guitar work add layers of tension and catharsis, while Dom Howard’s tight drumming propels the song forward with relentless urgency.
Lyrically, “Hysteria” explores themes of obsession, emotional turmoil, and the consuming nature of desire. The refrain “I want it now, I want it now” captures a frantic need for connection, even at the cost of sanity. The song’s intensity mirrors the chaos of internal conflict and emotional overload.
While not a chart-topping hit, “Hysteria” became a staple of Muse’s live shows and a fan favorite, often praised for its explosive energy and instrumental complexity. It also helped cement Muse’s reputation as one of the most technically proficient and theatrically intense rock bands of the 2000s. “Hysteria” remains a defining moment in their discography—bridging raw emotion with musical virtuosity.
「Hysteria（ヒステリア）」は、2003年のアルバム『Absolution』に収録された、Museの代表的な楽曲のひとつであり、その圧倒的なエネルギーと技巧的な演奏で知られています。リッチ・コスティによるプロデュースのもと制作され、クリス・ウォルステンホルムが奏でるアグレッシブで複雑なベースラインは、ロック史上でも屈指の名演と称されています。マシュー・ベラミーの切迫感あふれるボーカルと鋭利なギター、ドム・ハワードのタイトなドラムが絡み合い、緊張感と爆発力に満ちたサウンドを生み出しています。
歌詞は、欲望と執着、内面的な混乱をテーマにしており、〈I want it now, I want it now〉というリフレインは、感情の制御を失った衝動と、つながりへの渇望を象徴しています。精神の崩壊寸前の切実な感情が音楽と完璧に呼応しています。
商業的には大ヒットには至らなかったものの、ライブでの定番曲として長年愛されており、その技術的完成度と感情的爆発力は、Museの魅力を象徴する存在となっています。「Hysteria」は、激情と演奏技術の融合を見事に体現した傑作です。
12. Citizen Erased (2001)
“Citizen Erased,” the centerpiece of Muse’s 2001 album Origin of Symmetry, is a sprawling, genre-defying epic that showcases the band’s ambitious songwriting and sonic experimentation. Clocking in at over seven minutes, the track blends heavy alternative rock with progressive structures, ambient textures, and classical piano interludes. Co-produced by Muse and John Leckie, it remains one of the most critically acclaimed and beloved deep cuts in the band’s catalog.
Thematically, the song explores identity loss, surveillance, and societal conformity. Lyrics like “Wash me away / Clean your body of me” express a yearning to break free from imposed roles and erasure by societal systems. Matt Bellamy’s vocals range from rage to vulnerability, guiding the listener through a dynamic emotional journey.
Musically, “Citizen Erased” transitions from crushing riffs to serene breakdowns, symbolizing internal conflict and transformation. Its intricate structure and philosophical depth helped define Origin of Symmetry as a landmark in early 2000s alternative rock.
Though never released as a single, it has become a cult favorite and is frequently cited by fans and critics as one of Muse’s masterpieces. “Citizen Erased” exemplifies the band’s ability to fuse intensity with introspection, challenging both musical and existential boundaries.
「Citizen Erased（シティズン・イレースド）」は、2001年のアルバム『Origin of Symmetry』の核となる楽曲であり、Museの創造性と実験精神が凝縮された壮大なコンポジションです。7分を超えるこの楽曲は、ヘヴィなオルタナティブ・ロック、プログレッシブな構成、アンビエントな質感、クラシカルなピアノのインタールードなど、多層的な要素が巧みに融合されています。バンドとジョン・レッキーの共同プロデュースによる本作は、批評家やファンの間で長年にわたり高く評価されてきました。
歌詞では、「市民」としてのアイデンティティの消去や、監視社会、同調圧力への反発といったテーマが描かれています。〈Wash me away / Clean your body of me〉というフレーズには、社会によって押し付けられる役割や存在の抹消に対する苦悩と、それを超えたいという切実な願いが込められています。
楽曲構成も、轟音のギターと静寂なパートが交互に現れ、内面的な葛藤と変容を音で体現しています。シングルカットはされていないものの、ライブでも人気が高く、Museの哲学的かつ情熱的な側面を象徴する傑作とされています。
11. Unintended (1999)
“Unintended,” released in 1999 as the fifth single from Muse’s debut album Showbiz, showcases the band’s softer, more intimate side. Produced by John Leckie, the song is a stark contrast to the album’s louder, angst-filled tracks, featuring acoustic guitar, gentle melodies, and minimal instrumentation. It stands out as a tender ballad rooted in vulnerability and romantic sincerity.
Lyrically, “Unintended” expresses the quiet, unexpected emergence of love as a source of healing. Lines like “You could be my unintended / Choice to live my life extended” reflect a delicate emotional surrender, portraying love as both redemptive and unforeseen. Matt Bellamy’s restrained vocal performance enhances the sense of fragility and longing.
Although it did not chart high commercially at the time, “Unintended” gained popularity as a fan favorite, often cited for its emotional resonance and raw honesty. It has become a staple in acoustic sets and an emblem of Muse’s emotional range beyond their bombastic soundscapes.
The song remains a touching reminder of the band’s early vulnerability and lyrical directness, offering a glimpse into the introspective beginnings of a group that would later become known for their epic, futuristic style.
「Unintended（アンインテンド）」は、1999年のデビューアルバム『Showbiz』からの5枚目のシングルであり、初期Museの中でも特に繊細で親密な一面を示すバラードです。プロデュースはジョン・レッキー。アルバム内の他のエモーショナルで激しい楽曲とは対照的に、この曲はアコースティック・ギターを中心としたシンプルな構成で、静かに愛を語ります。
歌詞では、意図せずに現れた恋が癒しや再生の源となる様子が描かれています。〈You could be my unintended / Choice to live my life extended〉というフレーズは、思いがけず訪れた愛に身を委ねる柔らかな感情を象徴しています。マシュー・ベラミーの抑制されたボーカルも、この曲の儚く誠実な雰囲気を引き立てています。
商業的には大きなヒットには至らなかったものの、ファンの間では根強い人気を誇り、アコースティックセットでは定番の一曲です。のちに壮大なサウンドを展開していくMuseにとって、「Unintended」はその原点ともいえる、静かな感情と率直な表現を体現した貴重な作品です。
10. Madness (2012)
“Madness” was released in 2012 as the second single from Muse’s sixth studio album, The 2nd Law. Produced by the band and longtime collaborator David Campbell, the song marked a significant stylistic shift, embracing minimalism, electronic influences, and a restrained emotional intensity. With echoes of Queen’s “I Want to Break Free” and the smooth sensuality of George Michael’s “Faith,” “Madness” blends dubstep textures, R&B grooves, and ambient synth layers into a sleek, slow-burning track.
Lyrically, it reflects personal conflict and reconciliation, inspired in part by an argument Matt Bellamy had with his then-partner. The phrase “I have finally seen the light” signals self-awareness, vulnerability, and a desire for emotional clarity amidst turmoil. Bellamy’s vocal performance gradually builds from introspective murmurs to soaring resolution, mirroring the song’s emotional arc.
The track was a commercial success, reaching #1 on Billboard’s Alternative Songs chart and earning Grammy nominations. Its clean production, emotional restraint, and genre fusion helped Muse reach new audiences and reshape their public image—from bombastic rockers to sophisticated sonic architects. “Madness” stands as one of the band’s most refined and resonant works, balancing intimacy and innovation in a way that defined The 2nd Law era.
「Madness（マッドネス）」は、2012年にリリースされたMuseの6枚目のアルバム『The 2nd Law』のセカンドシングルであり、バンドにとって大きな音楽的転換点となった楽曲です。デヴィッド・キャンベルとの共同プロデュースにより、これまでのドラマティックな構成から一転し、ミニマルで洗練されたサウンドが追求されています。ダブステップ、R&B、エレクトロニカの要素が融合し、ジョージ・マイケルの「Faith」やQueenの「I Want to Break Free」を彷彿とさせるセクシーで内省的なトーンが特徴です。
歌詞は、マシュー・ベラミーが当時のパートナーと口論した実体験をもとに書かれており、葛藤と和解、自己認識への過程が描かれています。〈I have finally seen the light〉というフレーズは、混乱の中でようやく真実にたどり着いたという気づきを象徴しています。
商業的にも成功を収め、アメリカのビルボード・オルタナティブ・チャートで1位を獲得し、グラミー賞にもノミネートされました。過剰な演出を排し、抑制された感情表現と緻密な音作りによって、Museは新たなリスナー層にもアプローチし、より成熟したアーティスト像を築くことに成功しました。
09. Sing for Absolution (2003)
“Sing for Absolution,” released in 2003 as part of Absolution, is one of Muse’s most haunting and emotionally rich ballads. Produced by Rich Costey and the band, the song unfolds with melancholic piano lines, ambient synths, and subdued drums, building into a soaring, cinematic climax. It highlights Muse’s ability to balance intimacy and grandeur, with Matt Bellamy’s vocals shifting from fragile whispers to impassioned cries.
Lyrically, the song deals with guilt, redemption, and existential yearning. The phrase “Sing for absolution” suggests a desperate plea for forgiveness—be it personal, spiritual, or societal. Lines like “Lips are turning blue / A kiss that can’t renew” evoke images of emotional decay and longing for a lost connection.
While not as commercially dominant as some of Muse’s other singles, “Sing for Absolution” has become a cult favorite for its emotional depth and atmospheric sound. Its music video, depicting the band escaping Earth in a dystopian future, complements the song’s apocalyptic tone.
The track reflects the thematic core of Absolution, which frequently explores the tension between destruction and salvation. “Sing for Absolution” stands as a testament to Muse’s ability to fuse introspection with epic scope, creating music that resonates both internally and cosmically.
「Sing for Absolution（シング・フォー・アブソリューション）」は、2003年のアルバム『Absolution』に収録された、Museの中でも特に内省的かつ叙情的なバラードです。リッチ・コスティとバンドによるプロデュースのもと、憂いを帯びたピアノ、アンビエントなシンセ、控えめなドラムが重なり合い、最終的には壮大なクライマックスへと展開していきます。マシュー・ベラミーの繊細な囁き声から激情あふれる歌声への変化が、感情の振れ幅を鮮やかに描き出します。
歌詞では、「赦し」や「救済」、そして「存在の意味」をテーマに、個人的・宗教的・社会的な罪の意識と贖罪への渇望が描かれます。〈Lips are turning blue / A kiss that can’t renew〉という一節は、失われたつながりと感情の枯渇を象徴しています。
シングルとしては大ヒットとは言えませんが、その深い情感と幻想的なサウンドにより、ファンの間で高い評価を受け続けています。終末的な世界観のMVも、楽曲のテーマと見事にリンクしています。破壊と救済のはざまで揺れる『Absolution』というアルバムの核をなす一曲であり、Museの精神的深みとスケール感を象徴する作品です。
08. Map of the Problematique (2006)
“Map of the Problematique” is a standout track from Muse’s 2006 album Black Holes and Revelations, produced by Rich Costey. The title is inspired by a concept from systems thinking and global strategy, referring to a complex web of interrelated global problems. Sonically, the track merges electronic rock, industrial textures, and atmospheric synths, drawing clear influence from Depeche Mode and ’80s new wave, while maintaining Muse’s signature grandiosity.
Built on a driving, processed bassline and layered synths, the song conveys a sense of tension and existential anxiety. Matt Bellamy’s lyrics deal with emotional alienation, disillusionment, and the breakdown of human connection, as he sings, “Life will flash before my eyes / So scattered and lost.” The production’s icy precision and relentless rhythm reinforce the themes of isolation and mechanized despair.
Although never released as a physical single, “Map of the Problematique” became a fan favorite and a live staple—often enhanced with extended intros or visual effects during performances. It exemplifies Muse’s ability to explore philosophical and societal concerns within an epic musical framework, balancing intellect and emotion. The track remains one of their most sonically innovative and thematically rich works.
「Map of the Problematique（マップ・オブ・ザ・プロブレマティーク）」は、2006年のアルバム『Black Holes and Revelations』に収録された楽曲であり、Museの中でも特に哲学的かつ実験的な作品として知られています。タイトルは、複雑に絡み合う世界的課題の相関図を意味するシステム思考の用語に由来しており、政治・社会・感情といった多層的な問題意識が背景にあります。
音楽的には、デペッシュ・モードや1980年代のニューウェーブからの影響を強く感じさせるエレクトロニック・ロックで、冷たいシンセの音色と加工されたベースラインが不安と緊張感を巧みに演出。〈Life will flash before my eyes / So scattered and lost〉という歌詞は、現代における人間関係の断絶や孤独、内面の崩壊を示唆しています。
シングルとしての公式リリースはなかったものの、ライブでは定番の人気曲となり、視覚効果やアレンジが加えられることも多く、ファンの間で高く評価されています。理知的な構造と感情の爆発が共存する本作は、Museのサウンド進化と思想的深みを象徴する一曲です。
07. Bliss (2001)
“Bliss,” released in 2001 as the third single from Origin of Symmetry, is one of Muse’s most emotionally charged and sonically euphoric songs. Co-produced by the band and John Leckie, the track combines soaring synth arpeggios, distorted bass, and Matt Bellamy’s impassioned vocals to create a sense of ecstatic urgency and yearning. It blends progressive rock, synth-rock, and spacey electronic textures in a way that set Muse apart from their peers.
Lyrically, “Bliss” deals with themes of idealization, transcendence, and the unattainable—expressing a desire to lose oneself in something pure and beautiful, even if it’s unreachable. Lines like “Everything about you is how I’d wanna be” convey longing not just for another person, but for a state of perfection or emotional escape.
The song became a fan favorite and remains one of Muse’s most powerful live staples, often performed with extended outros that heighten its dramatic effect. Though not a massive commercial hit, it exemplifies Muse’s early ambition and emotional maximalism. “Bliss” stands as a luminous example of how the band fused emotional vulnerability with grand sonic landscapes—bridging human intensity and cosmic scale.
「Bliss（ブリス）」は、2001年のアルバム『Origin of Symmetry』からのサードシングルであり、Museの中でも特に感情的かつ陶酔的なエネルギーに満ちた楽曲です。ジョン・レッキーとバンドによる共同プロデュースで、疾走感のあるシンセ・アルペジオと歪んだベースライン、そしてマシュー・ベラミーの情熱的なボーカルが融合し、恍惚とした切迫感を生み出しています。プログレッシブ・ロック、シンセ・ロック、スペーシーなエレクトロニカの要素が交錯するサウンドは、当時のロックシーンにおけるMuseの異彩を際立たせました。
歌詞では、「理想」や「超越」、「手の届かない美しさ」への憧れが描かれており、〈Everything about you is how I’d wanna be〉という一節は、他者への憧れだけでなく、自分自身の理想像への希求をも表しています。
商業的には大ヒットとは言えませんが、ライブでは定番曲として高い人気を誇り、アウトロでの爆発的な演奏が観客の熱狂を誘います。初期Museの美学とスケール感、そして情緒の極限を象徴する名曲です。
06. Starlight (2006)
“Starlight,” released in 2006 as the second single from Black Holes and Revelations, marked a softer, more emotional side of Muse. Produced by Rich Costey, the track contrasts with the band’s usual intensity by embracing a more melodic, pop-rock structure with soaring vocals and a bright, anthemic piano hook. It became one of their most accessible and beloved tracks worldwide.
Lyrically, “Starlight” explores themes of distance, longing, and perseverance—believed to be inspired in part by the band’s own feelings of disconnection while touring. The line “I’ll never let you go, if you promise not to fade away” encapsulates a desperate plea to hold onto love and meaning amid chaos.
The song’s more mainstream sound helped Muse gain wider appeal, especially in the U.S., where “Starlight” was their first major radio hit. The music video, set on a ship adrift at sea, reinforces the metaphor of emotional isolation and the search for something grounding.
“Starlight” stands out as a pivotal moment in Muse’s career, showing their ability to craft emotionally resonant music without sacrificing their grand, cinematic style. It remains a staple in their live shows and a fan favorite for its universal themes and uplifting tone.
「Starlight（スターライト）」は、2006年にリリースされたアルバム『Black Holes and Revelations』からのセカンドシングルで、Museの中でも特に親しみやすく、感情的な側面が際立った楽曲です。リッチ・コスティのプロデュースにより、バンドの持つ劇的な美学を保ちつつも、明るいピアノのフレーズとメロディアスなポップ・ロックの構成によって、より大衆的なサウンドへとアプローチしています。
歌詞は「距離」や「喪失への恐れ」、「希望の維持」をテーマにしており、ツアー生活の中で感じた孤独や切実なつながりへの渇望が反映されているとされています。〈I’ll never let you go, if you promise not to fade away〉というフレーズは、混沌とした世界の中で愛や意味を失わずにいたいという願いを象徴しています。
「Starlight」はアメリカでもラジオヒットとなり、Museが国際的な成功を収める上で重要な役割を果たしました。海上の船で撮影されたMVも、孤立感と希望の探求という楽曲の世界観を視覚的に強調しています。ライブでも定番曲であり、多くのファンに愛され続ける名曲です。
05. Time Is Running Out (2003)
“Time Is Running Out,” released as the lead single from Muse’s 2003 album Absolution, marked the band’s commercial breakthrough, especially in the U.S. Produced by Rich Costey and Muse, the track showcases a funk-influenced bassline, staccato rhythms, and a gripping sense of urgency—balancing mainstream appeal with the band’s signature theatricality.
Musically, it blends alternative rock with pop sensibility, featuring a tight groove and catchy vocal hooks while maintaining an undercurrent of paranoia and tension. Matt Bellamy’s vocals oscillate between restraint and desperation, heightening the emotional stakes of the lyrics.
Lyrically, the song explores themes of manipulation, fear, and impending collapse—both personal and societal. The repeated line “our time is running out” evokes a sense of irreversible momentum toward destruction or surrender, possibly reflecting global anxieties post-9/11 and pre-Iraq War.
“Time Is Running Out” became Muse’s first Top 10 UK single and remains one of their most recognizable songs. Its sleek production and political undertones helped broaden their fan base and marked a turning point in their transition from cult favorites to global rock icons. The track’s infectious energy and existential edge continue to resonate with listeners today.
「Time Is Running Out（タイム・イズ・ランニング・アウト）」は、2003年のアルバム『Absolution』からのリードシングルとしてリリースされ、Museにとって商業的なブレイクスルーとなった重要な一曲です。リッチ・コスティとバンドによる共同プロデュースで、ファンキーなベースラインとタイトなリズム、緊張感に満ちた構成が印象的です。これまでの劇的なスタイルを保ちつつも、よりポップな側面を打ち出したサウンドとなっています。
歌詞では、操作されることへの恐怖や、避けられない崩壊・喪失をテーマにしており、「our time is running out（僕たちの時間は尽きかけている）」というフレーズが、個人レベルの苦悩と社会的な不安を重ね合わせています。特に、9.11以降の世界情勢や戦争の影響が背景にあるとも解釈されます。
この曲はMuse初のUKトップ10ヒットとなり、国際的な注目を集めるきっかけとなりました。その後の世界的成功へと繋がる転機となった作品であり、緊迫したメッセージ性と中毒性のあるリズムは、今なお多くのリスナーに響き続けています。
04. New Born (2001)
“New Born” is the explosive second track from Muse’s 2001 album Origin of Symmetry, co-produced by the band and David Bottrill. The song begins with a haunting, minimalist piano melody before erupting into aggressive guitar riffs and a driving rhythm, blending classical influences with hard rock and progressive elements—an early hallmark of Muse’s distinctive sound.
Lyrically, “New Born” reflects themes of technological alienation, societal control, and the loss of individuality. Matt Bellamy envisions a dystopian future in which humans surrender to machines and systems, losing emotional connection and autonomy. His intense vocal delivery, along with the track’s dynamic shifts, underscores the urgency of its message.
Musically, the contrast between the delicate piano intro and the explosive guitar-laden sections exemplifies Muse’s mastery of tension and release. The song became a staple of their live performances, often extended with improvised instrumental breakdowns and solos.
“New Born” helped cement Muse’s status as one of the most ambitious and theatrical rock bands of the 2000s. Its fusion of high-concept lyricism with virtuosic performance showcased the band’s growing artistic confidence and influence, laying the groundwork for their evolution into arena rock icons.
「New Born（ニュー・ボーン）」は、2001年のアルバム『Origin of Symmetry』に収録されたMuseの代表的な楽曲であり、バンドとデヴィッド・ボットリルによる共同プロデュース作品です。静かに始まるミニマルなピアノ旋律から、激しいギターリフと緊迫感のあるリズムへと展開する構成は、クラシックとハードロック、プログレッシブな要素を融合させた初期Museの象徴的なスタイルを体現しています。
歌詞では、テクノロジーの進化によって人間性が失われていく未来像が描かれており、機械やシステムに支配されることで「個」が消えていく危機感が込められています。ベラミーの激情を帯びたボーカルと曲全体の緩急が、このテーマに迫真性を与えています。
「New Born」はライブでも定番の楽曲で、演奏中にアドリブのブレイクやソロが加えられることも多く、そのパフォーマンス性の高さで知られています。Museが高い芸術性とスケール感を併せ持つバンドとして進化していく上で、重要な礎となった楽曲です。
03. Supermassive Black Hole (2006)
“Supermassive Black Hole” marked a bold shift in Muse’s sound when it was released as the lead single from their 2006 album Black Holes and Revelations. Produced by Rich Costey and the band, the track fuses alternative rock with electronic beats, funk grooves, and elements of industrial and R&B—drawing comparisons to Prince, Nine Inch Nails, and even Daft Punk. Matt Bellamy’s falsetto-laced vocals add a sensual and eerie quality, while the fuzzy basslines and glitchy guitar textures create a hypnotic, otherworldly atmosphere.
Lyrically, the song delves into themes of seductive power, self-destruction, and emotional voids, with the “supermassive black hole” serving as a metaphor for an all-consuming, inescapable force—be it love, fame, or psychological collapse.
Upon release, the song divided fans but ultimately became one of Muse’s biggest hits, peaking at #4 in the UK and earning international acclaim. Its inclusion in pop culture (notably the Twilight film) introduced the band to new audiences, while its genre-defying approach influenced a wave of experimental rock. “Supermassive Black Hole” remains a defining moment in Muse’s career, encapsulating their ability to reinvent themselves while maintaining intensity and theatricality.
「Supermassive Black Hole（スーパー・マッシヴ・ブラック・ホール）」は、2006年のアルバム『Black Holes and Revelations』からの先行シングルとしてリリースされ、Museにとって大胆な音楽的転換点となった楽曲です。リッチ・コスティとバンドによるプロデュースで、オルタナティブ・ロックに加え、エレクトロニカ、ファンク、インダストリアル、R&Bの要素が融合。プリンスやナイン・インチ・ネイルズ、ダフト・パンクとも比較されるスタイルが話題となりました。
マシュー・ベラミーのファルセットを多用したボーカルは官能的かつ不穏で、ファズの効いたベースラインや歪んだギターサウンドが、引き込まれるような異世界的ムードを生み出しています。
歌詞では、破壊的な愛や自己崩壊、魅惑と喪失のテーマが扱われ、「supermassive black hole」はすべてを飲み込む抗えない力の象徴として描かれています。
リリース当初は賛否を呼びましたが、最終的にUKチャートで4位を記録し、映画『トワイライト』への起用で世界的な知名度を獲得。Museの革新性とジャンル横断的な美学を象徴する重要な楽曲です。
02. Plug In Baby (2001)
“Plug In Baby,” released in 2001 as the lead single from Origin of Symmetry, is one of Muse’s most iconic songs. Produced by John Leckie, the track opens with a now-legendary neoclassical guitar riff, inspired by Bach, showcasing Matt Bellamy’s virtuosic playing and dramatic flair. Sonically, the song blends alternative rock, hard rock, and baroque influences, pairing aggressive guitar tones with falsetto vocals and dynamic tempo shifts.
Lyrically, “Plug In Baby” reflects themes of detachment, technological alienation, and emotional dependency. The metaphor of a “plug in baby” alludes to artificial or synthetic connections, possibly critiquing the mechanization of intimacy in a digital age. Bellamy’s intense delivery adds emotional weight to the song’s surreal, dystopian imagery.
The track was a commercial and critical success, peaking at #11 on the UK Singles Chart and becoming a staple in Muse’s live shows, celebrated for its explosive energy and crowd-igniting riff. Culturally, it marked Muse’s arrival as a major force in early 2000s rock, and helped define their signature sound—melodramatic, technically ambitious, and unapologetically grandiose. “Plug In Baby” remains a fan favorite and a key chapter in the band’s rise to global acclaim
「Plug In Baby（プラグ・イン・ベイビー）」は、Museが2001年にリリースしたセカンドアルバム『Origin of Symmetry』の先行シングルであり、彼らの代表曲の一つです。プロデュースはジョン・レッキー。冒頭のバッハ風のネオクラシカルなギターリフは、マシュー・ベラミーの技巧と美学を象徴する要素として広く知られています。オルタナティブ・ロック、ハードロック、そしてバロック音楽が融合したサウンドは、Muse独自の劇的な世界観を形成しています。
歌詞は「感情の機械化」や「人工的なつながり」をテーマにしており、「Plug In Baby」という言葉は、テクノロジーに依存した関係性の比喩として解釈されます。ベラミーのファルセットと緊張感あふれる演奏が、不安と依存の感情を強調しています。
商業的にも成功し、イギリスのチャートで11位を記録。以降、ライブでは定番曲となり、観客を熱狂させるギターリフで知られています。Museが国際的な成功を収める転機となった重要な楽曲であり、その野心的かつ壮大なスタイルを確立する一曲です。
01. Stockholm Syndrome (2003)
“Stockholm Syndrome” is a standout track from Muse’s 2003 album Absolution, produced by Rich Costey and the band themselves. The song exemplifies Muse’s fusion of alternative rock, progressive metal, and classical influences, driven by Matt Bellamy’s aggressive guitar riffs, complex piano arpeggios, and a rhythmically intricate backbone from bassist Chris Wolstenholme and drummer Dom Howard.
Lyrically, the song explores toxic love, control, and emotional entrapment, drawing metaphorical inspiration from the psychological phenomenon known as Stockholm syndrome—where captives begin to empathize with their captors. Bellamy’s anguished vocals and the song’s dramatic structure amplify its themes of obsession and inner turmoil, creating a sense of claustrophobia and manic intensity.
Musically, it marked a shift toward heavier, more confrontational sounds in Muse’s discography and became a fan favorite for live performances due to its raw energy and emotional catharsis. The track also helped solidify Muse’s reputation for blending virtuosity with melodrama, influencing the alternative and prog-rock scenes in the 2000s. “Stockholm Syndrome” stands as a landmark in Muse’s artistic evolution, bridging their early experimentalism with the theatrical rock sound they would later perfect.
「Stockholm Syndrome（ストックホルム・シンドローム）」は、Museが2003年にリリースしたアルバム『Absolution』に収録された代表曲の一つです。リッチ・コスティとバンド自身によってプロデュースされ、オルタナティブ・ロックとプログレッシブ・メタル、クラシックの要素が融合した重厚なサウンドが特徴です。マシュー・ベラミーの歪んだギターリフや、クラシカルなピアノの旋律、複雑なリズムセクションが楽曲の緊張感を高めています。
歌詞は、ストックホルム症候群という心理現象に着想を得ており、支配と執着、抜け出せない関係性を描いています。ベラミーの切迫したボーカルとドラマティックな構成が、内面の混乱や感情の爆発を鋭く表現しています。
この曲は、バンドの音楽的進化の転機とも言えるもので、後の劇的なロックスタイルへの架け橋となりました。ライブでの定番曲としても知られ、ファンからの支持も高く、Museの攻撃的かつ感情的な側面を象徴する重要な作品です。