20. Cosmic Love (2009)
“Cosmic Love” by Florence + The Machine is a mesmerizing track from their debut album, *Lungs* (2009). The song was written by Florence Welch and Isabella Summers, and produced by Paul Epworth, with additional production from Summers. Musically, it blends art pop, big music, and indie rock, creating an ethereal yet somber soundscape.
The lyrics of “Cosmic Love” explore themes of love and heartbreak, using celestial imagery to convey the emotional turmoil of a failed relationship. Welch’s powerful vocals deliver lines like “The stars, the moon, they have all been blown out,” illustrating the darkness and blindness that love can bring. The song captures the intensity of love’s highs and lows, and the struggle to find light in the midst of emotional darkness.
Culturally, “Cosmic Love” received critical acclaim and is often regarded as one of the best songs on the album. It charted at number 51 on the UK Singles Chart and became the band’s highest-charting song in Ireland. The song’s success helped solidify Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes. Its inclusion in various TV shows and media further cemented its cultural impact.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Cosmic Love」は、彼らのデビューアルバム『Lungs』（2009年）からの魅惑的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとイザベラ・サマーズによって書かれ、ポール・エプワースがプロデュースし、サマーズが追加プロデュースを行いました。音楽的には、アートポップ、ビッグミュージック、インディーロックを融合させ、幻想的でありながらも陰鬱な音景を作り出しています。
「Cosmic Love」の歌詞は、愛と心の痛みをテーマにしており、失敗した関係の感情的な混乱を伝えるために天体のイメージを使用しています。ウェルチの力強いボーカルは、「星も月もすべて吹き飛ばされた」というようなラインを届け、愛がもたらす暗闇と盲目さを描写しています。この曲は、愛の高揚と低迷の強烈さ、そして感情的な暗闇の中で光を見つけるための闘いを捉えています。
文化的には、「Cosmic Love」は批評家から高い評価を受け、アルバムの中でも最高の曲の一つと見なされています。UKシングルチャートで51位にランクインし、アイルランドではバンドの最高位の曲となりました。この曲の成功は、フローレンス・アンド・ザ・マシーンが壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すという評判を確立するのに役立ちました。さまざまなテレビ番組やメディアへの収録も、その文化的な影響をさらに強固なものにしました。
19. Mermaids (2023)
“Mermaids” by Florence + The Machine is a haunting track from the Complete Edition of their fifth studio album, *Dance Fever* (2023). The song was written and produced by Florence Welch and Dave Bayley. Musically, “Mermaids” blends elements of art pop and art rock, creating a rich and immersive soundscape.
The lyrics of “Mermaids” explore themes of nightlife, transformation, and the darker aspects of society. Welch uses the metaphor of mermaids to depict women of the English nightlife, with lines like “You crawled from the sea to break that sailor’s heart” and “The dance floor is filling up with blood”. The song captures the bittersweet sensation of pleasure and pain, reflecting on Welch’s own experiences and memories.
Culturally, “Mermaids” received praise for its powerful themes and composition. The song’s release marked a significant moment for Florence + The Machine, as it was part of the “Dance Fever Universe” and showcased their ability to blend emotional depth with grand, orchestral soundscapes. The track’s success further solidified their reputation for creating emotionally resonant music and contributed to their continued influence in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Mermaids」は、彼らの5枚目のスタジオアルバム『Dance Fever』のコンプリートエディション（2023年）からの魅惑的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとデイヴ・ベイリーによって書かれ、プロデュースされました。音楽的には、「Mermaids」はアートポップとアートロックの要素を融合させ、豊かで没入感のある音景を作り出しています。
「Mermaids」の歌詞は、ナイトライフ、変身、そして社会の暗い側面をテーマにしています。ウェルチは人魚のメタファーを使って、イギリスのナイトライフの女性たちを描写し、「海から這い上がってその船乗りの心を壊した」とか「ダンスフロアが血で満たされている」といったラインを届けています。この曲は、快楽と痛みの甘苦しい感覚を捉え、ウェルチ自身の経験や記憶を反映しています。
文化的には、「Mermaids」はその強力なテーマと構成で称賛を受けました。この曲のリリースは、フローレンス・アンド・ザ・マシーンにとって重要な瞬間となり、「Dance Fever Universe」の一部として、感情的な深みと壮大なオーケストラのような音景を融合させる彼らの能力を示しました。このトラックの成功は、感情的に共鳴する音楽を作り出す彼らの評判をさらに確固たるものにし、音楽業界での影響力を持続させるのに貢献しました。
18. Spectrum (2011)
“Spectrum” by Florence + The Machine is a vibrant track from their second studio album, *Ceremonials* (2011). The song was written by Florence Welch and Paul Epworth, with Epworth also handling the production. Musically, “Spectrum” blends baroque pop, art pop, indie pop, orchestral pop, dance-pop, and disco, creating a rich and dynamic soundscape.
The lyrics of “Spectrum” explore themes of identity and empowerment, using the metaphor of light and color to convey a journey from darkness to radiance. Welch’s powerful vocals deliver lines like “Say my name, and every color illuminates,” emphasizing the transformative power of self-acceptance and love.
Culturally, “Spectrum” received critical acclaim and became the band’s first single to reach number one on the UK Singles Chart. The song’s success was further amplified by a remix by Calvin Harris, which brought a dance-pop twist to the track. The accompanying music video, directed by David LaChapelle, features surreal and colorful imagery, enhancing the song’s vibrant message.
“Spectrum” played a significant role in solidifying Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes. It showcased their ability to blend introspective themes with powerful, anthemic compositions, contributing to their continued influence in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Spectrum」は、彼らの2枚目のスタジオアルバム『Ceremonials』（2011年）からの鮮やかなトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとポール・エプワースによって書かれ、エプワースがプロデュースも担当しました。音楽的には、「Spectrum」はバロックポップ、アートポップ、インディーポップ、オーケストラポップ、ダンスポップ、ディスコの要素を融合させ、豊かでダイナミックな音景を作り出しています。
「Spectrum」の歌詞は、アイデンティティとエンパワーメントをテーマにしており、光と色のメタファーを使用して、暗闇から輝きへの旅を伝えています。ウェルチの力強いボーカルは、「私の名前を呼んで、すべての色が輝く」というようなラインを届け、自己受容と愛の変革力を強調しています。
文化的には、「Spectrum」は批評家から高い評価を受け、バンドの最初のシングルとしてUKシングルチャートで1位を獲得しました。この曲の成功は、カルヴィン・ハリスによるリミックスによってさらに増幅され、トラックにダンスポップのひねりを加えました。デヴィッド・ラシャペルが監督したミュージックビデオは、シュールでカラフルなイメージを特徴としており、曲の鮮やかなメッセージを強調しています。
「Spectrum」は、壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判を確固たるものにする上で重要な役割を果たしました。内省的なテーマと力強いアンセム的な作曲を融合させる彼らの能力を示し、音楽業界での影響力を持続させるのに貢献しました。
17. My Love (2022)
“My Love” by Florence + The Machine is a vibrant track from their fifth studio album, *Dance Fever* (2022). The song was written and produced by Florence Welch and Dave Bayley of Glass Animals. Musically, “My Love” blends elements of disco, house, electropop, and dance-pop, creating an energetic and infectious sound.
The lyrics of “My Love” reflect Florence Welch’s struggles with writer’s block during the COVID-19 pandemic and her search for a creative outlet. Welch uses the metaphor of love to express her frustration and longing for inspiration, with lines like “So tell me where to put my love, do I wait for time to do what it does?”. The song captures the emotional turmoil of feeling creatively stifled and the eventual breakthrough that comes with perseverance.
Culturally, “My Love” received critical acclaim for its shimmering production and festival-sized chorus. It was praised as one of the band’s best singles, showcasing their ability to blend emotional depth with danceable energy. The song’s success further solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music and contributed to their continued influence in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「My Love」は、彼らの5枚目のスタジオアルバム『Dance Fever』（2022年）からの鮮やかなトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとグラス・アニマルズのデイヴ・ベイリーによって書かれ、プロデュースされました。音楽的には、「My Love」はディスコ、ハウス、エレクトロポップ、ダンスポップの要素を融合させ、エネルギッシュで感染力のある音景を作り出しています。
「My Love」の歌詞は、COVID-19パンデミック中のフローレンス・ウェルチの作家のブロックとの闘いと、創造的な出口を探す彼女の試みを反映しています。ウェルチは愛のメタファーを使って、インスピレーションを求める彼女のフラストレーションと切望を表現し、「私の愛をどこに置けばいいのか教えて、時間が何をするかを待つのか？」というようなラインを届けています。この曲は、創造的に行き詰まった感情的な混乱と、忍耐によって得られる最終的な突破口を捉えています。
文化的には、「My Love」はその輝くプロダクションとフェスティバルサイズのコーラスで批評家から高い評価を受けました。バンドの最高のシングルの一つとして称賛され、感情的な深みとダンス可能なエネルギーを融合させる彼らの能力を示しました。この曲の成功は、感情的に共鳴する音楽を作り出すフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにし、音楽業界での影響力を持続させるのに貢献しました。
16. Patricia (2018)
“Patricia” by Florence + The Machine is a heartfelt track from their fourth studio album, *High As Hope* (2018). The song was written by Florence Welch, Emile Haynie, and Thomas Bartlett, with production handled by Welch and Haynie. Musically, “Patricia” blends elements of indie rock and alternative rock, featuring a rich orchestral arrangement with strings and piano.
The lyrics of “Patricia” are a tribute to the American artist Patti Smith, whom Welch refers to as her “North Star”. The song explores themes of admiration, guidance, and the impact of Smith’s work on Welch’s life and career. Lines like “Oh Patricia, you’ve always been my North Star” and “You make this cold world beautiful” highlight the deep respect and inspiration Welch draws from Smith.
Culturally, “Patricia” received praise for its lyrical depth and emotional resonance. The song’s homage to Patti Smith underscores the influence of Smith’s artistry on Welch’s creative journey. Although it did not achieve significant commercial success, “Patricia” stands out as a meaningful and personal piece in Florence + The Machine’s discography.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Patricia」は、彼らの4枚目のスタジオアルバム『High As Hope』（2018年）からの心のこもったトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチ、エミール・ヘイニー、トーマス・バートレットによって書かれ、ウェルチとヘイニーがプロデュースを担当しました。音楽的には、「Patricia」はインディーロックとオルタナティブロックの要素を融合させ、弦楽器とピアノを特徴とする豊かなオーケストラアレンジを持っています。
「Patricia」の歌詞は、アメリカのアーティスト、パティ・スミスへの賛辞であり、ウェルチは彼女を「北極星」と呼んでいます。この曲は、スミスの作品がウェルチの人生とキャリアに与えた影響、尊敬、ガイダンスのテーマを探求しています。「ああ、パトリシア、あなたはいつも私の北極星だった」と「あなたはこの冷たい世界を美しくする」といったラインは、ウェルチがスミスから引き出す深い尊敬とインスピレーションを強調しています。
文化的には、「Patricia」はその歌詞の深さと感情的な共鳴で称賛を受けました。パティ・スミスへのオマージュは、スミスの芸術性がウェルチの創造的な旅に与えた影響を強調しています。商業的な成功はそれほど大きくありませんでしたが、「Patricia」はフローレンス・アンド・ザ・マシーンのディスコグラフィーの中で意味深く個人的な作品として際立っています。
15. Never Let Me Go (2011)
“Never Let Me Go” by Florence + The Machine is a poignant track from their second studio album, *Ceremonials* (2011). The song was written by Florence Welch and Paul Epworth, with Epworth also handling the production. Musically, it is a downtempo baroque pop and indie pop ballad, featuring piano and drums, with backing vocals that repeatedly sing “never let me go” throughout the song.
The lyrics of “Never Let Me Go” explore themes of surrender and salvation, using water as a metaphor for overwhelming emotions and the desire to be carried away by the ocean’s embrace. Welch’s powerful vocals convey a sense of longing and release, with lines like “And the arms of the ocean are carrying me” and “Never let me go” capturing the song’s emotional depth.
Culturally, the song received critical acclaim for its balladry nature and Welch’s vocals. It reached the top 10 in Israel and Australia, where it was certified multi-platinum. The accompanying music video, directed by Tabitha Denholm, features a dark and gothic atmosphere, further enhancing the song’s emotional impact. “Never Let Me Go” solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes, and contributed to their continued success in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Never Let Me Go」は、彼らの2枚目のスタジオアルバム『Ceremonials』（2011年）からの感動的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとポール・エプワースによって書かれ、エプワースがプロデュースも担当しました。音楽的には、ダウントンポのバロックポップとインディーポップのバラードで、ピアノとドラムを特徴とし、バックボーカルが曲全体で「never let me go」と繰り返し歌っています。
「Never Let Me Go」の歌詞は、降伏と救済のテーマを探求しており、水を圧倒的な感情と海の抱擁に運ばれたいという願望のメタファーとして使用しています。ウェルチの力強いボーカルは、「海の腕が私を運んでいる」と「私を離さないで」といったラインで、切望と解放の感覚を伝え、曲の感情的な深みを捉えています。
文化的には、この曲はそのバラード性とウェルチのボーカルで批評家から高い評価を受けました。イスラエルとオーストラリアでトップ10に入り、マルチプラチナ認定を受けました。タビサ・デンホルムが監督したミュージックビデオは、暗くゴシックな雰囲気を特徴としており、曲の感情的なインパクトをさらに強化しています。「Never Let Me Go」は、壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判を確固たるものにし、音楽業界での成功を持続させるのに貢献しました。
14. Big God (2018)
“Big God” by Florence + The Machine is a striking track from their fourth studio album, *High As Hope* (2018). The song was written by Florence Welch and Jamie xx, with production handled by Florence Welch and Emile Haynie. Musically, “Big God” blends elements of indie rock and jazz, featuring a low, plaintive piano melody, sparse percussion, and a haunting tenor saxophone played by Kamasi Washington.
The lyrics of “Big God” address the modern phenomenon of “ghosting” and the emotional void it creates. Welch uses the metaphor of needing a “big god” to fill the cavernous emptiness left by unrequited love and unanswered messages. Lines like “You need a big god, big enough to hold your love” capture the song’s theme of longing and the search for something greater to fill the void.
Culturally, “Big God” received praise for its powerful themes and composition. The accompanying music video, directed by Autumn de Wilde, features intricate choreography and visually striking imagery inspired by Francisco Goya’s painting “Witches’ Flight”. The song’s release further solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Big God」は、彼らの4枚目のスタジオアルバム『High As Hope』（2018年）からの印象的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとジェイミーxxによって書かれ、フローレンス・ウェルチとエミール・ヘイニーがプロデュースを担当しました。音楽的には、「Big God」はインディーロックとジャズの要素を融合させ、低く哀愁を帯びたピアノメロディ、まばらなパーカッション、カマシ・ワシントンが演奏する幽玄なテナーサックスを特徴としています。
「Big God」の歌詞は、現代の「ゴースティング」現象とそれが生み出す感情的な空虚さに対処しています。ウェルチは、片思いや未返信のメッセージによって生じる広大な空虚さを埋めるために「大きな神」が必要だというメタファーを使用しています。「あなたの愛を抱えるのに十分な大きな神が必要だ」というラインは、切望と空虚を埋めるための何か大きなものを探すテーマを捉えています。
文化的には、「Big God」はその強力なテーマと構成で称賛を受けました。オータム・デ・ワイルドが監督したミュージックビデオは、フランシスコ・ゴヤの絵画「魔女の飛翔」に触発された複雑な振り付けと視覚的に印象的なイメージを特徴としています。この曲のリリースは、壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにしました。
13. Dog Days Are Over (2009)
“Dog Days Are Over” by Florence + The Machine is a vibrant track from their debut album, *Lungs* (2009). The song was written by Florence Welch and Isabella Summers, and produced by James Ford. Musically, it blends indie pop and alternative rock, featuring a powerful combination of harp, drums, and Welch’s ethereal vocals.
The lyrics of “Dog Days Are Over” convey themes of liberation and the end of difficult times. Welch uses vivid metaphors to describe the sudden arrival of happiness and the need to embrace it, with lines like “Happiness hit her like a train on a track” and “The dog days are over, the dog days are done”. The song encourages listeners to leave behind their past struggles and move forward with renewed hope.
Culturally, “Dog Days Are Over” received critical acclaim and became one of Florence + The Machine’s most iconic tracks. It charted in the top 30 in several countries and was certified multi-platinum in the US and UK. The song’s success helped propel the band’s career, establishing them as a significant force in the music industry. Its inclusion in various media, such as the finale of *Guardians of the Galaxy Vol. 3*, further cemented its cultural impact.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Dog Days Are Over」は、彼らのデビューアルバム『Lungs』（2009年）からの鮮やかなトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとイザベラ・サマーズによって書かれ、ジェームズ・フォードがプロデュースしました。音楽的には、インディーポップとオルタナティブロックを融合させ、ハープ、ドラム、ウェルチの幻想的なボーカルの強力な組み合わせを特徴としています。
「Dog Days Are Over」の歌詞は、解放と困難な時期の終わりをテーマにしています。ウェルチは、生き生きとしたメタファーを使って、突然の幸福の到来とそれを受け入れる必要性を描写し、「幸福が彼女に列車のように襲いかかった」と「犬の日々は終わった、犬の日々は終わった」というラインを届けています。この曲は、過去の苦難を乗り越え、新たな希望を持って前進することをリスナーに促しています。
文化的には、「Dog Days Are Over」は批評家から高い評価を受け、フローレンス・アンド・ザ・マシーンの最も象徴的なトラックの一つとなりました。いくつかの国でトップ30にランクインし、米国と英国でマルチプラチナ認定を受けました。この曲の成功は、バンドのキャリアを後押しし、音楽業界での重要な存在としての地位を確立しました。『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー Vol. 3』のフィナーレなど、さまざまなメディアへの収録も、その文化的な影響をさらに強固なものにしました。
12. Drumming Song (2009)
“Drumming Song” by Florence + The Machine is a captivating track from their debut album, *Lungs* (2009). The song was written by Florence Welch, James Ford, and Crispin Hunt, with Ford also handling the production. Musically, it blends indie rock and art rock, featuring a powerful combination of drums, organ, piano, and strings.
The lyrics of “Drumming Song” explore the intense emotions and physical sensations experienced in the presence of someone who sparks deep feelings. Welch describes the overwhelming drumming noise inside her head that starts when this person is around, with lines like “Louder than sirens, louder than bells, sweeter than heaven and harder than hell”. The song captures the electrifying and almost incapacitating effect of intense attraction.
Culturally, “Drumming Song” received critical acclaim and was nominated for Best Music Video at the Q Awards in 2009. Although it did not achieve significant commercial success, peaking at number 54 on the UK Singles Chart, it became a favorite among fans and a staple in the band’s live performances. The song’s success helped solidify Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally charged and artistically ambitious music, contributing to their rise in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Drumming Song」は、彼らのデビューアルバム『Lungs』（2009年）からの魅力的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチ、ジェームズ・フォード、クリスピン・ハントによって書かれ、フォードがプロデュースも担当しました。音楽的には、インディーロックとアートロックを融合させ、ドラム、オルガン、ピアノ、弦楽器の強力な組み合わせを特徴としています。
「Drumming Song」の歌詞は、深い感情を引き起こす誰かの存在によって引き起こされる強烈な感情と身体的な感覚を探求しています。ウェルチは、その人が近くにいるときに頭の中で始まる圧倒的なドラムの音を、「サイレンよりも大きく、鐘よりも大きく、天国よりも甘く、地獄よりも厳しい」といったラインで描写しています。この曲は、強烈な魅力の電撃的でほとんど無力化するような効果を捉えています。
文化的には、「Drumming Song」は批評家から高い評価を受け、2009年のQアワードでベストミュージックビデオにノミネートされました。UKシングルチャートで54位にピークを迎えたものの、商業的な成功はそれほど大きくありませんでしたが、ファンの間で人気があり、バンドのライブパフォーマンスの定番となりました。この曲の成功は、感情的に充実し、芸術的に野心的な音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判を確固たるものにし、音楽業界での台頭に貢献しました。
11. No Light, No Light (2011)
“No Light, No Light” by Florence + The Machine is a powerful track from their second studio album, *Ceremonials* (2011). The song was written by Florence Welch and Isabella Summers, with production handled by Paul Epworth. Musically, it falls within the art rock and indie rock genres, featuring a dramatic soundscape with rich orchestral elements and a driving drum beat.
The lyrics of “No Light, No Light” explore themes of emotional turmoil and the struggle to maintain a fragile relationship. Welch’s powerful vocals convey a sense of desperation and longing, with lines like “No light, no light in your bright blue eyes, I never knew daylight could be so violent” highlighting the intensity of the emotions involved.
Culturally, the song received positive reviews from critics, who praised Welch’s vocals and the song’s instrumentation. It was placed on several critics’ year-end lists of best singles and peaked at number 50 on the UK Singles Chart. The accompanying music video, directed by Icelandic duo Arni & Kinski, featured dramatic shots and religious and voodoo references, though it received mixed reviews due to its controversial imagery.
“No Light, No Light” further solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes, and showcased their ability to tackle complex themes through their art.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「No Light, No Light」は、彼らの2枚目のスタジオアルバム『Ceremonials』（2011年）からの力強いトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとイザベラ・サマーズによって書かれ、ポール・エプワースがプロデュースを担当しました。音楽的には、アートロックとインディーロックのジャンルに属し、豊かなオーケストラ要素と力強いドラムビートを特徴とするドラマチックな音景を持っています。
「No Light, No Light」の歌詞は、感情的な混乱と壊れやすい関係を維持するための闘いをテーマにしています。ウェルチの力強いボーカルは、絶望と切望の感覚を伝え、「あなたの明るい青い目には光がない、昼間がこんなに暴力的だとは知らなかった」というラインで、関わる感情の強烈さを強調しています。
文化的には、この曲は批評家から好意的なレビューを受け、ウェルチのボーカルと曲の楽器編成が称賛されました。いくつかの批評家の年間ベストシングルリストに掲載され、UKシングルチャートで50位にピークを迎えました。アイスランドのデュオ、アルニ＆キンスキが監督したミュージックビデオは、宗教的およびブードゥーのリファレンスを含むドラマチックなショットを特徴としていましたが、その物議を醸すイメージのために混合レビューを受けました。
「No Light, No Light」は、壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにし、彼らが複雑なテーマに取り組む能力を示しました。
10. Hunger (2018)
“Hunger” by Florence + The Machine is a poignant track from their fourth studio album, *High as Hope* (2018). The song was written by Florence Welch, Emile Haynie, Thomas Bartlett, and Tobias Jesso Jr., with Welch and Haynie handling the production. Musically, “Hunger” is an uptempo alternative pop and soul song, featuring a blend of powerful vocals, driving rhythms, and lush instrumentation.
The lyrics of “Hunger” delve into themes of vulnerability, self-discovery, and the search for love. Welch reflects on her teenage struggles with an eating disorder and alcoholism, using the metaphor of hunger to describe the emptiness she felt. Lines like “At seventeen, I started to starve myself” and “We all have a hunger” highlight the song’s exploration of inner turmoil and the human need for connection.
Culturally, “Hunger” received positive reviews for its personal lyrics and radio-friendly sound. The song became the band’s fifth number one single on the Billboard Adult Alternative Songs chart in June 2018. Its success further solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music and showcased their ability to address deeply personal issues through their art.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Hunger」は、彼らの4枚目のスタジオアルバム『High as Hope』（2018年）からの感動的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチ、エミール・ヘイニー、トーマス・バートレット、トビアス・ジェッソ・ジュニアによって書かれ、ウェルチとヘイニーがプロデュースを担当しました。音楽的には、「Hunger」はアップテンポのオルタナティブポップとソウルの曲で、力強いボーカル、ドライビングリズム、豊かな楽器編成を特徴としています。
「Hunger」の歌詞は、脆弱性、自己発見、そして愛の探求をテーマにしています。ウェルチは、10代の頃の摂食障害やアルコール依存症との闘いを振り返り、空虚さを表現するために飢えのメタファーを使用しています。「17歳の時、自分を飢えさせ始めた」と「私たちは皆、飢えを持っている」といったラインは、内面的な混乱と人間のつながりの必要性を探求しています。
文化的には、「Hunger」はその個人的な歌詞とラジオ向けのサウンドで好意的なレビューを受けました。この曲は、2018年6月にビルボードのアダルトオルタナティブソングチャートでバンドの5番目のナンバーワンシングルとなりました。その成功は、感情的に共鳴する音楽を作り出すフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにし、彼らが深く個人的な問題に取り組む能力を示しました。
09. Girl With One Eye (2009)
“Girl With One Eye” by Florence + The Machine is a haunting track from their debut album, *Lungs* (2009). The song was originally written by the punk band The Ludes, and Florence Welch used to perform it with them before recording it with her band. The track was produced by Steve Mackey. Musically, it blends indie rock, alternative, and jazz-rock elements, creating a dark and brooding atmosphere.
The lyrics of “Girl With One Eye” tell a sinister tale of revenge and violence, with Welch’s powerful vocals delivering lines like “I took a knife and cut out her eye” and “I’ll cut your little heart out ‘cause you made me cry”. The song’s themes of betrayal and retribution are conveyed through vivid and unsettling imagery.
Culturally, “Girl With One Eye” has been praised for its raw emotion and dark lyrical content. It showcases Florence Welch’s fascination with gothic and macabre themes, which have become a signature aspect of her music. The song’s inclusion on *Lungs* helped establish Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally intense and artistically ambitious music.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Girl With One Eye」は、彼らのデビューアルバム『Lungs』（2009年）からの不気味なトラックです。この曲は元々パンクバンドThe Ludesによって書かれ、フローレンス・ウェルチは彼女のバンドで録音する前に彼らと一緒に演奏していました。このトラックはスティーブ・マッキーがプロデュースしました。音楽的には、インディーロック、オルタナティブ、ジャズロックの要素を融合させ、暗く陰鬱な雰囲気を作り出しています。
「Girl With One Eye」の歌詞は、復讐と暴力の不気味な物語を語っており、ウェルチの力強いボーカルが「ナイフを取り出して彼女の目を切り取った」と「泣かせたからあなたの小さな心臓を切り取る」といったラインを届けています。この曲の裏切りと報復のテーマは、生々しく不安を感じさせるイメージを通じて伝えられています。
文化的には、「Girl With One Eye」はその生々しい感情と暗い歌詞の内容で称賛されています。この曲は、ゴシックやマカブレなテーマに対するフローレンス・ウェルチの魅力を示しており、彼女の音楽の特徴的な側面となっています。この曲の『Lungs』への収録は、感情的に強烈で芸術的に野心的な音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判を確立するのに役立ちました。
08. Ship to Wreck (2015)
“Ship to Wreck” by Florence + The Machine is a standout track from their third studio album, *How Big, How Blue, How Beautiful* (2015). The song was written by Florence Welch and Kid Harpoon, and produced by Markus Dravs and Kid Harpoon. Musically, it blends folk rock, pop rock, and soft rock, featuring an upbeat, bouncy sound that contrasts with its introspective lyrics.
The lyrics of “Ship to Wreck” explore themes of self-destruction and personal accountability. Welch reflects on her own self-destructive tendencies, using vivid metaphors to depict the cyclical nature of building and ruining, with lines like “Did I build this ship to wreck?”. The song captures the emotional turmoil of creating something only to tear it down.
Culturally, “Ship to Wreck” received critical acclaim and was praised for its production and Welch’s powerful vocals. It was nominated for Best Rock Video at the 2015 MTV Video Music Awards and Best Pop Duo/Group Performance at the 58th Annual Grammy Awards. The song’s success further solidified Florence + The Machine’s reputation for blending emotional depth with grand, orchestral soundscapes, and showcased their ability to create compelling narratives through music.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Ship to Wreck」は、彼らの3枚目のスタジオアルバム『How Big, How Blue, How Beautiful』（2015年）からの際立ったトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとキッド・ハープーンによって書かれ、マーカス・ドラヴスとキッド・ハープーンがプロデュースを担当しました。音楽的には、フォークロック、ポップロック、ソフトロックを融合させ、内省的な歌詞と対照的なアップビートで弾むようなサウンドを特徴としています。
「Ship to Wreck」の歌詞は、自己破壊と個人的な責任をテーマにしています。ウェルチは、自身の自己破壊的な傾向を振り返り、「この船を壊すために作ったのか？」というような鮮やかなメタファーを使って、作っては壊すという循環的な性質を描写しています。この曲は、何かを作り上げてはそれを壊すという感情的な混乱を捉えています。
文化的には、「Ship to Wreck」はそのプロダクションとウェルチの力強いボーカルで批評家から高い評価を受けました。この曲は、2015年のMTVビデオミュージックアワードでベストロックビデオにノミネートされ、第58回グラミー賞でベストポップデュオ/グループパフォーマンスにノミネートされました。この曲の成功は、感情的な深みと壮大なオーケストラのような音景を融合させるフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにし、音楽を通じて魅力的な物語を作り出す彼らの能力を示しました。
07. Free (2022)
“Free” by Florence + The Machine is a dynamic track from their fifth studio album, *Dance Fever* (2022). The song was written and produced by Florence Welch and Jack Antonoff. Musically, “Free” is an urgent pop song with elements of indie rock and pop rock, driven by synths and guitar.
The lyrics of “Free” delve into Florence Welch’s struggles with anxiety and how she finds liberation through music and dance. Welch candidly reflects on her internal battles, with lines like “Sometimes, I wonder if I should be medicated” and “But I hear the music, I feel the beat, and for a moment, when I’m dancing, I am free”. The song captures the push-and-pull of anxiety and the fleeting moments of freedom that music provides.
Culturally, “Free” was praised for its anthemic character and emotional depth. The music video, directed by Autumn de Wilde and filmed in Kyiv, Ukraine, features British actor Bill Nighy portraying Welch’s anxiety. The song’s release marked a significant moment for Florence + The Machine, as it resonated with many fans dealing with similar struggles and further solidified the band’s reputation for creating emotionally resonant music.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Free」は、彼らの5枚目のスタジオアルバム『Dance Fever』（2022年）からのダイナミックなトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとジャック・アントノフによって書かれ、プロデュースされました。音楽的には、「Free」はシンセサイザーとギターを駆使した、インディーロックとポップロックの要素を持つ緊迫感のあるポップソングです。
「Free」の歌詞は、フローレンス・ウェルチの不安との闘いと、音楽とダンスを通じて見つける解放感を掘り下げています。ウェルチは内なる闘いを率直に反映し、「時々、薬を飲むべきかどうか考える」と「でも音楽を聴いて、ビートを感じて、踊っているときは一瞬だけ自由になる」といったラインで表現しています。この曲は、不安の押し引きと音楽がもたらす一瞬の自由を捉えています。
文化的には、「Free」はそのアンセム的な性格と感情的な深みで称賛されました。オータム・デ・ワイルドが監督し、ウクライナのキエフで撮影されたミュージックビデオには、ウェルチの不安を演じる英国の俳優ビル・ナイが登場します。この曲のリリースは、同様の闘いを抱える多くのファンに共感を呼び、感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにしました。
06. You've Got The Love (2009)
“You’ve Got The Love” by Florence + The Machine is a cover of the 1986 single “You Got the Love” by The Source featuring Candi Staton. The Florence + The Machine version was produced by Charlie Hugall and released as part of their debut album, *Lungs* (2009). The song falls within the indie rock genre, with a soulful and anthemic sound that features strong vocals and a powerful instrumental arrangement.
The lyrics of “You’ve Got The Love” convey themes of resilience and unwavering support. It speaks to the struggles and challenges of life, and the comforting presence of love that helps one persevere. Lines like “Sometimes I feel like throwing my hands up in the air, I know I can count on you” highlight the song’s message of finding strength in love.
Culturally, the song received critical acclaim and became one of Florence + The Machine’s most iconic tracks. It charted at number five on the UK Singles Chart and was included in President Obama’s 2012 official Spotify campaign playlist. The song’s success helped solidify the band’s reputation for creating emotionally resonant music and contributed to their rise in the music industry.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「You’ve Got The Love」は、The Sourceが1986年に発表したシングル「You Got the Love」（キャンディ・ステイトンをフィーチャー）のカバーです。フローレンス・アンド・ザ・マシーンのバージョンはチャーリー・ヒューガルがプロデュースし、デビューアルバム『Lungs』（2009年）の一部としてリリースされました。この曲はインディーロックのジャンルに属し、ソウルフルでアンセム的なサウンドを特徴とし、力強いボーカルとパワフルな楽器編成が特徴です。
「You’ve Got The Love」の歌詞は、レジリエンス（回復力）と揺るぎないサポートをテーマにしています。人生の苦難や挑戦に立ち向かい、愛の存在が助けとなることを歌っています。「時々、手を挙げたくなることがあるけれど、あなたを頼りにできると知っている」というラインは、愛の中に強さを見つけるというメッセージを強調しています。
文化的には、この曲は批評家から高い評価を受け、フローレンス・アンド・ザ・マシーンの最も象徴的なトラックの一つとなりました。UKシングルチャートで5位にランクインし、オバマ大統領の2012年公式Spotifyキャンペーンプレイリストにも収録されました。この曲の成功は、感情的に共鳴する音楽を作り出すバンドの評判を確固たるものにし、音楽業界での台頭に貢献しました。
05. Queen of Peace (2015)
“Queen of Peace” by Florence + The Machine is a captivating track from their third studio album, *How Big, How Blue, How Beautiful* (2015). The song was written by Florence Welch and Markus Dravs, with Dravs also handling the production. Musically, “Queen of Peace” falls within the rock genre and features a blend of orchestral elements, including strings, brass, and flute, creating a grand and dramatic soundscape.
The lyrics of “Queen of Peace” explore themes of conflict and resolution, depicting the struggles within a relationship through the metaphor of a king and queen who have lost their son in battle. Welch’s powerful vocals convey the emotional depth of the song, with lines like “Oh, the queen of peace always does her best to please” highlighting the futility of trying to maintain harmony in the face of inevitable loss.
Culturally, “Queen of Peace” received critical acclaim for its lyrical depth and composition. Although it did not achieve significant commercial success, peaking at number 133 on the UK Singles Chart, the song’s artistic impact was notable. The accompanying 10-minute double-feature music video for “Queen of Peace” and “Long & Lost” further showcased the band’s ability to create visually and emotionally compelling narratives.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Queen of Peace」は、彼らの3枚目のスタジオアルバム『How Big, How Blue, How Beautiful』（2015年）からの魅力的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとマーカス・ドラヴスによって書かれ、ドラヴスがプロデュースも担当しました。音楽的には、「Queen of Peace」はロックのジャンルに属し、弦楽器、ブラス、フルートなどのオーケストラ要素を融合させ、壮大でドラマチックな音景を作り出しています。
「Queen of Peace」の歌詞は、対立と解決のテーマを探求しており、戦いで息子を失った王と女王のメタファーを通じて関係の中の葛藤を描写しています。ウェルチの力強いボーカルは、曲の感情的な深みを伝え、「平和の女王はいつも最善を尽くして喜ばせようとする」といったラインで、避けられない喪失に直面して調和を保とうとする無駄さを強調しています。
文化的には、「Queen of Peace」はその歌詞の深さと構成で批評家から高い評価を受けました。UKシングルチャートで133位にピークを迎えたものの、商業的な成功はそれほど大きくありませんでしたが、曲の芸術的な影響は注目に値します。「Queen of Peace」と「Long & Lost」の10分間のダブルフィーチャーミュージックビデオは、バンドが視覚的および感情的に魅力的な物語を作り出す能力をさらに示しました。
04. What the Water Gave Me (2011)
“What the Water Gave Me” by Florence + The Machine is a hauntingly beautiful track from their second studio album, *Ceremonials* (2011). The song was written by Florence Welch and Francis “Eg” White, and produced by Paul Epworth. Musically, it blends pop rock, alternative rock, and soul, featuring harps, guitars, and a rich orchestral arrangement.
The lyrics of “What the Water Gave Me” are inspired by the works of Frida Kahlo and Virginia Woolf. The title references Kahlo’s 1938 painting, while the lyrics evoke Woolf’s tragic death by drowning. Welch uses water as a metaphor for overwhelming emotions and the struggle to save loved ones, with lines like “Pockets full of stones” symbolizing the weight of despair.
Culturally, the song received critical acclaim for its depth and composition. It charted at number 24 on the UK Singles Chart and made its way onto the US Billboard Hot 100. The song’s success further solidified Florence + The Machine’s reputation for creating emotionally resonant music with grand, orchestral soundscapes. It also marked a significant moment in their career, showcasing their ability to blend art, literature, and music into a cohesive and powerful narrative.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「What the Water Gave Me」は、彼らの2枚目のスタジオアルバム『Ceremonials』（2011年）からの美しくも不気味なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとフランシス「エグ」ホワイトによって書かれ、ポール・エプワースがプロデュースしました。音楽的には、ポップロック、オルタナティブロック、ソウルを融合させ、ハープ、ギター、豊かなオーケストラアレンジを特徴としています。
「What the Water Gave Me」の歌詞は、フリーダ・カーロとヴァージニア・ウルフの作品に触発されています。タイトルはカーロの1938年の絵画に言及しており、歌詞はウルフの悲劇的な溺死を想起させます。ウェルチは水を圧倒的な感情と愛する人を救うための闘いのメタファーとして使用し、「ポケットに石がいっぱい」というラインで絶望の重さを象徴しています。
文化的には、この曲はその深さと構成で批評家から高い評価を受けました。UKシングルチャートで24位にランクインし、米国ビルボードホット100にも登場しました。この曲の成功は、壮大でオーケストラのような音景を持つ感情的に共鳴する音楽を作り出すというフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにしました。また、彼らのキャリアにおいて重要な瞬間を示し、芸術、文学、音楽を統合して強力な物語を作り出す能力を示しました。
03. What Kind of Man (2015)
“What Kind of Man” by Florence + The Machine is the lead single from their third studio album, *How Big, How Blue, How Beautiful* (2015). The song was written by Florence Welch, Kid Harpoon, and John Hill, and produced by Markus Dravs with co-production by John Hill. The track is characterized by its garage rock and pop sound, featuring loud guitars, heavy brass arrangements, and a powerful beat.
Lyrically, “What Kind of Man” delves into the emotional turmoil of a toxic relationship. Welch uses vivid metaphors to describe the pain and confusion caused by an indecisive partner, with lines like “Trying to cross a canyon with a broken limb” and “What kind of man loves like this?”. The song’s intense and raw emotion is mirrored in its dynamic musical composition.
Culturally, “What Kind of Man” received critical acclaim and was nominated for Best Rock Performance and Best Rock Song at the Grammy Awards. The song’s success helped solidify Florence + The Machine’s reputation for blending emotional depth with grand, orchestral soundscapes. It also marked a significant moment in their career, showcasing a new guitar-driven sonic direction.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「What Kind of Man」は、彼らの3枚目のスタジオアルバム『How Big, How Blue, How Beautiful』（2015年）からのリードシングルです。この曲はフローレンス・ウェルチ、キッド・ハープーン、ジョン・ヒルによって書かれ、マーカス・ドラヴスがプロデュースし、ジョン・ヒルが共同プロデュースを担当しました。このトラックは、ガレージロックとポップのサウンドを特徴とし、大音量のギター、重厚なブラスアレンジメント、力強いビートを備えています。
「What Kind of Man」の歌詞は、有害な関係の感情的な混乱を掘り下げています。ウェルチは、優柔不断なパートナーによって引き起こされる痛みと混乱を鮮やかなメタファーで描写し、「折れた肢で峡谷を渡ろうとしている」と「こんな風に愛する男はどんな男だ？」というラインで表現しています。曲の強烈で生々しい感情は、そのダイナミックな音楽構成に反映されています。
文化的には、「What Kind of Man」は批評家から高い評価を受け、グラミー賞でベストロックパフォーマンスとベストロックソングにノミネートされました。この曲の成功は、感情的な深みと壮大なオーケストラのような音景を融合させるフローレンス・アンド・ザ・マシーンの評判をさらに確固たるものにしました。また、ギター主導の新しい音の方向性を示す重要な瞬間となりました。
02. King (2022)
“King” by Florence + The Machine is a compelling track from their fifth studio album, *Dance Fever* (2022). The song was written and produced by Florence Welch and Jack Antonoff. Musically, “King” is a pop rock ballad with elements of alternative rock, indie pop, and baroque pop. It features a strong bassline, restrained vocals, and an orchestral crescendo that builds up to a monumental drum break.
The lyrics of “King” explore themes of gender expectations and the sacrifices women make when choosing between their careers and family life. Florence Welch poignantly expresses her inner conflict with lines like “I am no mother, I am no bride, I am king,” challenging traditional gender roles and asserting her identity as an artist.
Culturally, “King” was praised by critics for its powerful themes and composition, with some calling it a career highlight for the band. The song’s release marked a significant moment for Florence + The Machine, as it was their first new music since their 2018 album, *High As Hope*. The track’s success further solidified their reputation for blending emotional depth with grand, orchestral soundscapes.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「King」は、彼らの5枚目のスタジオアルバム『Dance Fever』（2022年）からの魅力的なトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとジャック・アントノフによって書かれ、プロデュースされました。音楽的には、「King」はポップロックのバラードで、オルタナティブロック、インディーポップ、バロックポップの要素を持ち、強力なベースライン、抑制されたボーカル、そして壮大なドラムブレイクに向かって盛り上がるオーケストラのクレッシェンドを特徴としています。
「King」の歌詞は、性別に対する期待と、キャリアと家庭生活の間で選択を迫られる女性が犠牲にするものをテーマにしています。フローレンス・ウェルチは、「私は母でも花嫁でもない、私は王だ」というラインで、伝統的な性別役割に挑戦し、アーティストとしての自分のアイデンティティを主張しています。
文化的には、「King」はその強力なテーマと構成で批評家から称賛され、バンドのキャリアのハイライトと呼ばれることもありました。この曲のリリースは、2018年のアルバム『High As Hope』以来の新曲として、フローレンス・アンド・ザ・マシーンにとって重要な瞬間となりました。このトラックの成功は、感情的な深みと壮大なオーケストラのような音景を融合させる彼らの評判をさらに確固たるものにしました。
01. Shake It Out (2011)
“Shake It Out” by Florence + The Machine is a powerful track from their second studio album, *Ceremonials* (2011). The song was written by Florence Welch and Paul Epworth, with Epworth also handling the production. The sound of “Shake It Out” is a blend of baroque pop, gothic pop, and gospel, featuring organs, bells, and tambourines.
The lyrics of “Shake It Out” revolve around themes of regret, self-forgiveness, and renewal. Welch describes the song as a way to shake off the regrets and things that haunt you, likening it to a hangover cure. The chorus, “It’s hard to dance with a devil on your back, so shake him off,” encapsulates the song’s message of overcoming personal demons and moving forward.
Culturally, “Shake It Out” received critical acclaim for its anthemic nature and Welch’s powerful vocals. It was nominated for Best Pop Duo/Group Performance at the 55th Annual Grammy Awards and won the NME Award for Best Track in 2012. The song’s success solidified Florence + The Machine’s place in the music industry, showcasing their ability to blend emotional depth with grand, orchestral soundscapes.
フローレンス・アンド・ザ・マシーンの「Shake It Out」は、彼らの2枚目のスタジオアルバム『Ceremonials』（2011年）からの力強いトラックです。この曲はフローレンス・ウェルチとポール・エプワースによって書かれ、エプワースがプロデュースも担当しました。「Shake It Out」のサウンドは、バロックポップ、ゴシックポップ、ゴスペルのブレンドで、オルガン、ベル、タンバリンを特徴としています。
「Shake It Out」の歌詞は、後悔、自己許し、そして再生のテーマを中心にしています。ウェルチはこの曲を、後悔や自分を悩ませるものを振り払う方法として説明し、二日酔いの治療法に例えています。コーラスの「悪魔を背負って踊るのは難しいから、振り払ってしまえ」というラインは、個人的な悪魔を克服し、前進するという曲のメッセージを要約しています。
文化的には、「Shake It Out」はそのアンセム的な性質とウェルチの力強いボーカルで批評家から高い評価を受けました。この曲は、第55回グラミー賞でベストポップデュオ/グループパフォーマンスにノミネートされ、2012年のNMEアワードでベストトラックを受賞しました。この曲の成功は、感情的な深みと壮大なオーケストラのような音景を融合させるフローレンス・アンド・ザ・マシーンの地位を音楽業界で確固たるものにしました。