20. Rose Parade (1997)
“Rose Parade” is the sixth track on Either/Or (1997), written, performed, and produced by Elliott Smith. Musically, the song features his signature lo-fi acoustic folk sound, with fingerpicked guitar, hushed double-tracked vocals, and a subtle, almost lullaby-like melody. Its deceptively gentle atmosphere contrasts with its cutting lyrical tone.
Lyrically, “Rose Parade” is a quietly scathing critique of superficiality, public spectacle, and emotional detachment. Set during a literal parade—possibly referencing Portland’s annual event—the song uses this setting to symbolize society’s hollow rituals and the performative nature of social life. Lines like “They asked me to come down and watch the parade” and “They marched down the street like the Duracell bunny” reflect Smith’s ironic distance and passive disillusionment.
Rather than delivering overt anger, the song conveys cynicism through resignation, capturing the feeling of being emotionally misaligned with one’s surroundings. “Rose Parade” is one of Smith’s most literary and observational works, blending melancholy with biting commentary.
Though not a single, it remains a fan favorite and critical highlight of Either/Or. It exemplifies Smith’s gift for disguising profound alienation in sweet, simple forms—and his ability to turn a local civic event into a haunting metaphor for the emptiness of performance.
「Rose Parade」は、1997年のアルバム『Either/Or』の6曲目に収録された楽曲で、作詞・作曲・プロデュースはすべてエリオット・スミス自身によるものです。音楽的には、ローファイなアコースティック・フォークのスタイルを基盤に、フィンガーピッキングのギター、ささやくような二重録音のボーカル、そして子守唄のように穏やかなメロディが展開されますが、その優しい響きとは裏腹に、鋭い皮肉を含んだ内容が描かれています。
歌詞は、表面的な華やかさ、儀式化された公共のイベント、そして感情の空虚さに対する静かな批判を描いています。実際の「ローズパレード（おそらくポートランドのイベント）」を舞台にしながら、それを社会の虚構性やパフォーマティブな人間関係の象徴として用いています。「彼らに誘われてパレードを見に行った」「デュラセルのうさぎのように行進してた」といったフレーズには、スミスらしい冷笑と距離感がにじみます。
怒りを露わにするのではなく、あきらめの中にある皮肉がこの曲の主調であり、周囲の世界と噛み合わない感覚を巧みに描いています。「Rose Parade」は、スミスの中でも特に文学的・観察的な楽曲であり、その哀愁と鋭い批評性でファンや批評家からも高く評価されています。小さな街のパレードを題材にしながら、それを空虚な社会の象徴として描き出すスミスの力量が際立つ一曲です。
18. King’s Crossing (2004)
“King’s Crossing” is one of the most emotionally intense and thematically dense tracks on From a Basement on the Hill (2004), Elliott Smith’s posthumous final album. Written by Smith and co-produced with David McConnell, the song blends psychedelic rock, lo-fi distortion, and orchestral flourishes, signaling his departure from earlier acoustic minimalism toward a more expansive, chaotic sonic palette.
Lyrically, “King’s Crossing” explores addiction, mental disintegration, self-destruction, and institutional betrayal. The song opens with eerie spoken word—“It’s not the same as being good”—and unfolds into a surreal, feverish landscape. Smith references electroshock therapy, the “clinic” (likely a rehab center or hospital), and a collapsing sense of identity. The haunting line, “Give me one good reason not to do it,” is often interpreted as a direct confrontation with suicidal thoughts, though it’s delivered with terrifying clarity rather than melodrama.
The track is widely considered a centerpiece of From a Basement on the Hill, praised for its emotional volatility, production complexity, and lyrical bluntness. For many, “King’s Crossing” feels like a final reckoning—an unfiltered portrait of a brilliant artist pushed to the brink. Its devastating power lies in its brutal honesty, delivered with the broken poetry only Smith could conjure.
「King’s Crossing」は、2004年に死後リリースされたエリオット・スミスのアルバム『From a Basement on the Hill』の中でも、最も感情的に激しく、テーマ的にも濃密な楽曲のひとつです。作詞・作曲はスミス、プロデュースはデヴィッド・マッコーネルとの共同で行われており、サイケデリック・ロック、ローファイな歪み、そして管弦的な装飾音が重なり合い、初期のアコースティックな作風から大きく飛躍した、混沌と拡張性に満ちたサウンドが展開されます。
歌詞では、薬物依存、精神の崩壊、自己破壊、制度による裏切りといった主題が重層的に語られます。「善良であることとは違う」と囁くように始まる冒頭のスポークンワードから、曲は幻覚的で熱にうかされたような世界へと進んでいきます。電気ショック療法や「クリニック（病院やリハビリ施設）」への言及、そして「やらない理由をひとつだけ教えて」という一節は、自殺衝動と正面から向き合う言葉として多くのリスナーに重く響きますが、感情に流されず、むしろ恐ろしいほど明晰に語られます。
「King’s Crossing」は『From a Basement on the Hill』の核となる楽曲として高く評価されており、その感情の爆発力、複雑な音響設計、率直すぎるほどの言葉が絶賛されています。これは、限界まで追い詰められた才能が遺した最終的な対峙の記録であり、スミスにしか書けない壊れた詩のような真実が刻まれた一曲です。
18. The Biggest Lie (1995)
“The Biggest Lie” is the closing track on Elliott Smith (1995), his self-titled second album. Written, performed, and self-produced by Smith, the song exemplifies his early lo-fi acoustic folk sound—intimate, understated, and emotionally bare. The sparse arrangement—just voice and guitar—highlights the vulnerability at the song’s core.
Lyrically, “The Biggest Lie” deals with emotional betrayal, disillusionment, and self-blame. The title refers not to deceit from another, but rather the lies we tell ourselves—especially the belief that love, hope, or healing will be simple or lasting. The line “I’m waiting for a bigger lie” suggests that even painful clarity feels preferable to delusion. It’s a quiet, devastating meditation on the moment when self-awareness becomes too sharp to bear.
As the final song on the album, it closes Elliott Smith with fragile resignation rather than resolution. While not a single, it has become a fan-favorite for its poetic economy and emotional honesty. “The Biggest Lie” distills Smith’s artistry to its essence: the ability to say something shattering in the softest possible voice. It stands as one of his most affecting compositions—simple in form, yet infinitely resonant in feeling.
「The Biggest Lie」は、エリオット・スミスの1995年のセルフタイトルアルバム『Elliott Smith』のラストを飾る楽曲です。作詞・作曲・プロデュースはすべてスミス自身が手がけており、ローファイなアコースティック・フォークの美学を体現した、親密で抑制された、そして感情的に剥き出しな1曲です。ギターとボーカルだけのシンプルな構成が、曲に込められたもろさと繊細さを引き立てています。
歌詞では、裏切り、幻滅、そして自己責任が主題となっており、「最大の嘘」とは他者による裏切りではなく、自分自身が信じてしまった嘘、つまり「愛や救いが簡単で持続するものだと思い込んでいたこと」への気づきが語られます。「もっと大きな嘘を待ってる」という一節には、もはや真実すら慰めにならず、幻想から目覚めた痛みのほうがましだという感覚が滲みます。
アルバムの終わりを飾るこの曲は、解決ではなく静かな諦念で幕を閉じます。シングルではなかったものの、その詩的な凝縮力と誠実さからファンの間で長く愛されている一曲です。スミスの本質を象徴する作品であり、最も静かな声で最も深い痛みを語る力を示しています。
17. Last Call (1995)
“Last Call” is the closing track on Elliott Smith’s 1995 self-titled second album. Written, performed, and produced by Smith, the song stretches over 7 minutes, making it one of his longest and most sprawling early compositions. It blends his signature lo-fi acoustic folk with shifts in tempo and mood, gradually intensifying from a hushed beginning to a raw, emotionally charged finale.
Lyrically, “Last Call” confronts addiction, disillusionment, and the futility of escape. The song feels like a conversation with oneself—or perhaps with a reflection of the self destroyed by drugs, regret, or internalized shame. Lines like “You start to drink, you just want to continue” express a grim cycle of dependency, while the shifting structure mirrors the destabilized inner state of the narrator.
While not as widely known as some of his shorter, melodic songs, “Last Call” is revered by fans for its emotional weight and slow-burning structure. As the final track on Elliott Smith, it functions as a quiet epic—both a personal reckoning and a reluctant farewell. It exemplifies his ability to extend emotional tension across a long narrative arc, combining simplicity with devastating psychological depth.
「Last Call」は、エリオット・スミスの1995年のセルフタイトル・アルバム『Elliott Smith』のラストを飾る楽曲です。作詞・作曲・プロデュースのすべてをスミス自身が手がけ、7分を超える長尺の構成で、彼の初期作品の中でも最も重厚かつ展開に富んだ曲のひとつです。ローファイなアコースティック・フォークを基調に、静かな導入から次第にテンポと感情を高めていく構成が特徴です。
歌詞では、依存、幻滅、逃避の空しさといったテーマが展開されます。これは自己との対話、あるいは薬物や後悔、自責によって崩れていった「もう一人の自分」との会話のようにも響きます。「飲み始めたら、やめることなんて考えない」という一節は、抜け出せない依存のループを暗示し、曲の構造もその不安定な心理状態を反映しています。
派手さはないものの、「Last Call」はファンの間で内面的な重みとドラマ性を評価されている楽曲です。アルバムの終曲として、私的な告白と静かな別れのような役割を果たしており、シンプルな音像の中に、深くねじれた感情の軌跡を描いています。
16. Baby Britain (1998)
“Baby Britain” appears on Elliott Smith’s 1998 major-label debut XO, and stands out for its bright, upbeat piano-pop arrangement—a notable shift from his earlier lo-fi acoustic sound. Written and co-produced by Smith with Rob Schnapf and Tom Rothrock, the song features bouncy piano, layered harmonies, and Beatles-esque chord changes, creating a deceptively cheerful sonic backdrop for a dark lyrical core.
The lyrics address themes of alcoholism, self-deception, and emotional escape, centering on a character named “Baby Britain” who’s drinking herself into oblivion. Beneath the lively rhythm and melodic charm lies a narrative of sadness and self-destruction. Lines like “She’s waking up to close the bar” and “Everyone’s a little bit in love with you” reveal both sympathy and detachment, as Smith subtly critiques the glamorization of self-destruction.
Despite its pop sheen, “Baby Britain” retains Smith’s signature emotional complexity, pairing catchy hooks with heavy themes. The track exemplifies how XO balances sonic polish with lyrical vulnerability, and it helped broaden Smith’s appeal without sacrificing his introspective essence. Today, the song remains a fan favorite, especially admired for the tension between its upbeat sound and the melancholy it masks beneath the surface.
「Baby Britain」は、エリオット・スミスが1998年にリリースしたメジャー初のアルバム『XO』に収録された楽曲で、明るくポップなピアノ・ポップのアレンジが際立っています。スミスがロブ・シュナップ、トム・ロスロックと共同でプロデュースしており、跳ねるようなピアノ、重ねられたハーモニー、ビートルズを思わせるコード進行が、陽気な表面を作り出していますが、その裏には重い主題が潜んでいます。
歌詞では、アルコール依存、自己欺瞞、感情からの逃避といったテーマが描かれており、“Baby Britain”という人物が酒に溺れ、自分を見失っていく様子が語られます。「バーを閉めるために目を覚ます」「誰もが少しずつ君に恋している」といったフレーズには、哀しみとともにある種の距離感も感じられ、自己破壊の美化に対する皮肉も込められています。
一見ポップで親しみやすいこの曲は、スミス特有の感情の複雑さを内包しており、キャッチーなメロディの下に痛みや喪失を隠し持っています。『XO』におけるサウンドの洗練と、内省的な歌詞のバランスを象徴する一曲であり、今もファンの間で高く評価されています。
15. Pretty (Ugly Before) (2004)
“Pretty (Ugly Before)” is one of Elliott Smith’s final singles released during his lifetime, first appearing in 2003 and later included on his posthumous 2004 album From a Basement on the Hill. Co-produced by Smith and David McConnell, the track blends psychedelic textures and lo-fi indie rock, marking a sonic evolution from his earlier acoustic style. The song features tape hiss, layered vocals, and a brief use of Mellotron, culminating in an ethereal and emotionally resonant soundscape.
Lyrically, the song explores transformation, regret, and fleeting clarity—a yearning for beauty or understanding before returning to emotional confusion. The central line, “I feel pretty, pretty enough for you,” is both tender and tragic, reflecting Smith’s recurring themes of self-worth and impermanence. The parenthetical title (“Ugly Before”) suggests that the feeling of beauty or love is temporary, possibly drug-induced or imagined.
“Pretty (Ugly Before)” became emblematic of Smith’s late-period work: emotionally intricate, sonically expansive, and haunted by a sense of impermanence. It has been praised for its haunting beauty and subtle, devastating emotional shifts. As one of his last major releases before his death, the song carries the weight of farewell—capturing a flicker of light before fading into shadow.
「Pretty (Ugly Before)」は、エリオット・スミスが生前に発表した最後期のシングルのひとつで、2003年にリリースされ、死後の2004年にアルバム『From a Basement on the Hill』にも収録されました。スミスとデヴィッド・マッコーネルの共同プロデュースによる本作は、ローファイ・インディーロックとサイケデリックな質感を融合させた音作りが特徴で、初期のアコースティックな作風からの進化を示しています。テープヒス、重ねられたボーカル、そして短く挿入されるメロトロンが、幽玄で感情豊かなサウンドスケープを構築しています。
歌詞は、変化、後悔、そして一瞬の明瞭さをテーマにしており、感情の混沌に戻る前の、束の間の美しさや理解への希求が描かれています。「君にとって十分に綺麗だと感じる」という核心のフレーズには、優しさと悲しさが同居しており、スミスの楽曲によく見られる自己価値と儚さのテーマがにじみ出ています。タイトルの括弧部分（Ugly Before＝以前は醜かった）は、その美しさや愛が一時的、または幻覚的なものである可能性を示唆しています。
この曲は、スミス晩年の特徴である感情の複雑さと音の広がり、そして無常感を象徴する作品として高く評価されています。その繊細な美しさと静かに胸を打つ感情の変化は、リスナーの心に深く残ります。生前最後の主要リリースのひとつであることから、別れの予感を内包した、光が陰へと移ろう瞬間を切り取ったような一曲です。
14. Somebody That I Used to Know (2007)
Elliott Smith’s “Somebody That I Used to Know” is an intimate, mid-tempo acoustic track featured on New Moon (2007), a posthumous compilation of unreleased recordings from the Either/Or era. Written and performed by Smith and recorded in the mid-1990s, the song showcases his signature lo-fi indie folk sound—fingerpicked guitar, double-tracked vocals, and a conversational, melancholic tone.
Lyrically, the song reflects on emotional disconnection, fading relationships, and internalized pain. Unlike the Gotye song of the same name, Smith’s version takes a quieter, more introspective route—addressing someone who has become distant and unrecognizable, not just externally, but also within the narrator’s emotional memory. The phrase “somebody that I used to know” becomes a meditation on estrangement, not dramatic rupture.
Though never intended as a hit, the song is beloved among fans for its quiet devastation and lyrical simplicity. It further cements Smith’s legacy as a master of understated emotional depth, where everyday language conceals profound sadness. As part of New Moon, it offers a glimpse into the private, unreleased corners of his catalog—adding texture to the emotional landscape he so delicately chronicled.
エリオット・スミスの「Somebody That I Used to Know」は、2007年に死後リリースされた未発表音源集『New Moon』に収録された、ミドルテンポのアコースティック曲です。1990年代半ば、アルバム『Either/Or』時代の録音であり、彼の代名詞であるローファイなインディーフォーク・スタイル——フィンガーピッキングのギター、二重録音のボーカル、内省的な語り口——が静かに息づいています。
歌詞では、感情的な断絶や関係の希薄化、心に沈んだ痛みが語られます。同名のGotyeによるヒット曲とは異なり、スミスのバージョンはより静かで内向的なアプローチをとっています。「かつて知っていた誰か」という表現は、激しい別れではなく、ゆっくりと他人になってしまった感覚——記憶の中でも薄れていく存在への寂しさ——を描いています。
商業的な成功を意図した曲ではありませんが、その静かな喪失感と詩的な簡素さにより、多くのファンから愛されています。日常的な言葉の中に深い感情を織り込む手腕は、スミスの抑制された情感表現の巧みさを際立たせています。『New Moon』の中でも特に私的で繊細な一曲であり、彼の未発表曲群が持つ豊かな内面世界を象徴しています。
13. Alameda (1997)
“Alameda” is the third track on Elliott Smith’s 1997 album Either/Or. Written, performed, and produced by Smith, the song blends hushed, double-tracked vocals with a hypnotic chord progression and understated rhythm guitar, typifying his lo-fi indie folk sound. The title refers to a street in Portland, Oregon—a city where Smith spent formative years—and evokes themes of urban isolation, emotional distance, and mistrust.
The lyrics explore how people hide behind routines or lies, and how even comfort can mask manipulation. “Nobody broke your heart / you broke your own ‘cause you can’t finish what you start” is one of Smith’s most quoted lines, encapsulating self-sabotage and the cyclical nature of emotional withdrawal. The refrain “You walk down Alameda / looking at the cracks in the sidewalk” paints a cinematic picture of solitude and introspection.
Though not released as a single, “Alameda” is a fan favorite and frequently cited as one of Smith’s most poetic and psychologically rich songs. It deepened his reputation as a chronicler of internal struggle and quiet despair. The track stands as a delicate balance of lyrical directness and sonic restraint—showcasing his unique ability to evoke profound emotional landscapes in deceptively simple forms.
「Alameda」は、1997年のアルバム『Either/Or』の3曲目に収録されている楽曲で、作詞・作曲・プロデュースはすべてエリオット・スミス自身が手がけています。ささやくような二重録音のボーカルと、繰り返される和音進行、控えめなリズムギターが特徴的で、彼のローファイなインディーフォーク・スタイルを体現しています。タイトルは、スミスが過ごしたオレゴン州ポートランドにある通り「アラメダ」を指しており、都市の孤独感や感情的距離、不信といったテーマを想起させます。
歌詞では、人々が日常や嘘の中に身を隠し、安心感の裏にある操作や自己破壊を描いています。「誰にも心を壊されてない／始めたことをやり遂げられないから、自分で壊したんだ」という一節は、スミスの中でも特に印象的で、自己妨害や感情の閉塞を端的に表現しています。「アラメダ通りを歩きながら、歩道のひび割れを見つめている」というリフレインは、孤独と内省の静かな情景を思わせます。
シングルとしてはリリースされなかったものの、「Alameda」はファンの間で高く評価されており、スミスの詩的で心理的に深いソングライティングを象徴する一曲です。率直な歌詞と抑制されたサウンドのバランスが絶妙で、簡素さの中に複雑な感情の風景を描き出す彼の才能が際立つ作品です。
12. Ballad of Big Nothing (1997)
“Ballad of Big Nothing” is one of the most upbeat-sounding tracks on Elliott Smith’s 1997 album Either/Or, though its message is anything but cheerful. Written, performed, and produced by Smith, the song features a full-band arrangement with electric guitar, bass, drums, and multi-tracked vocals—offering a driving, melodic contrast to the album’s more hushed acoustic moments. It showcases Smith’s gift for embedding despair inside catchy pop structures.
The lyrics critique hollow ambition, societal expectation, and performative success. Phrases like “You can do what you want to whenever you want to / though it doesn’t mean a thing” reflect a disillusionment with the illusion of freedom and control. The “Big Nothing” becomes a metaphor for life’s emptiness beneath surface achievement—a recurring theme in Smith’s writing. The tone is sarcastic, even mocking, directed toward both others and perhaps the self.
Though never a single, the song has become a fan favorite and a frequent entry point for new listeners. Its balance of energy and existential weight captures the core of Smith’s songwriting—a tension between form and feeling, melody and meaninglessness. “Ballad of Big Nothing” remains a quintessential example of his ability to sound bright while singing about collapse.
「Ballad of Big Nothing」は、1997年のアルバム『Either/Or』の中でも、最もポップで躍動感のあるサウンドを持つ楽曲のひとつですが、そのメッセージは決して明るくありません。作詞・作曲・プロデュースはすべてエリオット・スミス自身によるもので、エレキギター、ベース、ドラム、多重録音のボーカルを用いたフルバンド編成が、アルバムの静謐なアコースティック曲とは対照的な高揚感を生み出しています。スミスはここで、ポップなメロディの中に深い絶望を潜ませる才能を発揮しています。
歌詞では、空虚な野心、社会的期待、形だけの成功を痛烈に批判しています。「好きなことを好きなときにできる／でもそれが意味を持つわけじゃない」というフレーズには、自由や自己決定という幻想への幻滅がにじみます。「Big Nothing（大いなる無）」は、成果や見かけの背後にある空しさの比喩として機能しており、その語り口には皮肉や自己批判も感じられます。
シングルではなかったものの、この曲はファンの間で非常に人気が高く、エリオット・スミス入門編としても親しまれています。明るいサウンドと虚無的な歌詞の緊張関係こそが、スミスのソングライティングの核心であり、「Ballad of Big Nothing」はその象徴とも言える名曲です。
11. Everything Means Nothing to Me (2000)
“Everything Means Nothing to Me” appears on Elliott Smith’s 2000 album Figure 8, his final release before his death. Written and co-produced by Smith with Rob Schnapf and Tom Rothrock, the track diverges from his earlier acoustic minimalism, embracing a dreamy, piano-driven baroque pop sound. Its lush production, layered with Mellotron, piano arpeggios, and reverb-drenched vocals, creates a hypnotic yet emotionally hollow atmosphere.
Lyrically, the song expresses numbness, existential detachment, and inner collapse. The repeated refrain, “everything means nothing to me,” is not just despairing but almost eerily calm—a resignation to meaninglessness rather than a cry for help. Smith paints the image of someone disappearing into themselves, unable to find significance in anything, a mood enhanced by the floating, circular melody.
The track has become one of the most haunting representations of Smith’s inner world. It is often cited as a sonic embodiment of depression—not explosive or dramatic, but slow, surreal, and beautiful in its bleakness. For fans and critics alike, “Everything Means Nothing to Me” stands as a quiet masterpiece that encapsulates the emotional and sonic complexity of Figure 8, and a glimpse into Smith’s evolving musical ambitions and deteriorating mental state.
「Everything Means Nothing to Me」は、2000年に発表されたエリオット・スミスのアルバム『Figure 8』に収録された楽曲で、生前にリリースされた最後のアルバムの一部です。スミス自身がロブ・シュナップ、トム・ロスロックと共同でプロデュースしており、初期のアコースティックなローファイスタイルとは異なり、ピアノを基調としたドリーミーなバロック・ポップのアレンジが施されています。メロトロンやピアノのアルペジオ、リバーブの効いたボーカルが重なり合い、夢幻的ながらも空虚な雰囲気を醸し出しています。
歌詞では、無感覚、実存的な断絶、内面的な崩壊が描かれています。繰り返される「すべてが僕にとって無意味だ」というフレーズは、悲鳴ではなく、不思議と落ち着いた諦念のように響きます。すべてに意味を見出せず、自分の内側に静かに沈んでいく人物の姿が、円環的で浮遊感のあるメロディによって表現されています。
この曲は、スミスの内面世界をもっとも強く象徴する一曲とされており、鬱の音楽的表現としてしばしば語られます。劇的ではなく、静かで、幻のように美しく、しかし深く悲しい。「Everything Means Nothing to Me」は、『Figure 8』における彼の音楽的野心と精神状態の複雑さを同時に映し出す、静かな傑作です。
10. Christian Brothers (1995)
“Christian Brothers” is a standout track from Elliott Smith’s 1995 self-titled album Elliott Smith, released on the Kill Rock Stars label. Written, performed, and self-produced by Smith, the song begins with his signature acoustic guitar work but surprises listeners by adding electric guitar and full-band dynamics—making it one of the more aggressive and musically layered tracks from his early catalog.
Lyrically, “Christian Brothers” is scathing and confrontational, addressing themes of betrayal, false comfort, and emotional manipulation. The title may allude to a brand of inexpensive liquor or invoke religious hypocrisy, but it mainly serves as a metaphor for disillusionment with those who pretend to care. Lines like “No bad dream fucker’s gonna boss me around” show Smith’s rare outward-directed anger, challenging figures of authority or superficial kindness.
The song became a fan favorite for its raw emotional intensity and biting lyrics, and was later covered by Queens of the Stone Age—demonstrating its reach beyond indie circles. “Christian Brothers” remains significant for showcasing Smith’s ability to channel quiet rage and moral clarity through minimalist arrangements. It’s a powerful moment of resistance in a discography often defined by inward pain and resignation.
「Christian Brothers」は、1995年に発表されたセカンドアルバム『Elliott Smith』に収録された楽曲で、初期の作品の中でも特に存在感のある1曲です。作詞・作曲・プロデュースのすべてをスミス自身が手がけており、アコースティックギターから始まる構成ながら、中盤からはエレキギターとバンド編成が加わり、彼の初期作品としては珍しく攻撃的で厚みのあるサウンドが展開されます。
歌詞では、裏切り、偽りの優しさ、感情的な操作といったテーマが直截に表現されています。タイトルの「Christian Brothers」は、安価なウイスキーの銘柄を指すとも、宗教的偽善を皮肉るとも解釈されますが、本質的には「見せかけの思いやり」に対する幻滅のメタファーとして機能しています。「くだらない夢野郎には支配させない」といった一節には、スミスには珍しい外向的な怒りが込められており、表面的な善意や権威に対する抵抗の姿勢が見て取れます。
この曲はファンの間で人気が高く、後にQueens of the Stone Ageによってカバーされたことで、インディーを超えた影響力を示しました。内向的な痛みに満ちたディスコグラフィの中で、「Christian Brothers」は沈黙を破る怒りと抵抗を象徴する重要な作品です。
09. Angel in the Snow (2007)
“Angel in the Snow” is a posthumously released track by Elliott Smith, originally recorded during the early-to-mid 1990s and officially issued on the 2007 compilation New Moon, a collection of previously unreleased songs and demos. Written and performed by Smith, the track features his signature lo-fi acoustic sound: intimate fingerpicking, soft vocals, and minimal production, capturing a raw emotional atmosphere.
Lyrically, “Angel in the Snow” expresses tenderness, vulnerability, and quiet yearning. The “angel” in the snow may symbolize a fragile, unreachable love, or a fleeting moment of purity and solace in a cold, indifferent world. Lines like “I’ll be the one to protect you from a will to survive and a voice of doom” reflect Smith’s lyrical tendency to entwine care and melancholy, portraying love as both sanctuary and struggle.
While not a commercial single, the song holds deep significance for fans as a rare glimpse into Smith’s gentler, more affectionate lyrical side. Its posthumous release added further emotional weight, casting it as a soft echo from a voice that had already left the world. “Angel in the Snow” stands as a testament to Smith’s ability to convey intimacy and sorrow with subtle beauty and poetic restraint.
「Angel in the Snow」は、エリオット・スミスの死後に発表された楽曲で、1990年代前半から中盤にかけて録音されたとされ、2007年の未発表音源集『New Moon』に収録されました。スミスが作詞・作曲・演奏を手がけており、繊細なギターフィンガーピッキングとやわらかなボーカル、最小限のプロダクションで構成された、ローファイで親密な音世界が広がっています。
歌詞では、優しさ、もろさ、静かな憧れが描かれています。雪の中の「天使」は、壊れやすく届かない愛や、冷たく無関心な世界の中で一瞬だけ現れる純粋さの象徴とも読めます。「生き延びようとする意志と破滅の声から君を守るよ」といった一節には、スミスらしい「守りたい」という思いと「どうしようもなさ」が同時に表現されており、愛情と哀しみが織り交ぜられています。
商業的には目立たなかったものの、本曲はファンにとってスミスの穏やかで愛情深い一面を垣間見る貴重な作品として受け止められています。死後に発表されたことで、その穏やかな響きがより切実な余韻を伴っており、彼の静かな美しさと詩的な抑制の魅力をあらためて示す一曲です。
08. Roman Candle (1994)
“Roman Candle” is the title track of Elliott Smith’s 1994 debut album, released by Cavity Search Records. Entirely written, performed, and recorded by Smith at home on a four-track, the song exemplifies his early lo-fi, acoustic-driven sound—intimate, gritty, and emotionally exposed. The album was initially not intended for wide release, but its raw vulnerability quickly drew underground acclaim.
Musically, “Roman Candle” is sparse yet intense: fingerpicked guitar, ambient tape hiss, and Smith’s hushed, almost whispered vocals. Lyrically, it addresses themes of domestic abuse, powerlessness, and repressed rage, possibly reflecting Smith’s own troubled upbringing. The metaphor of a “Roman candle”—a firework that bursts destructively—suggests suppressed anger ready to explode. Lines like “I want to hurt him / I want to give you what you need” convey a tense mix of violence, protection, and helplessness.
Though not a commercial success, “Roman Candle” was a powerful introduction to Smith’s voice—both literal and artistic. It laid the foundation for his reputation as a master of confessional songwriting, with a style that felt unfiltered and emotionally immediate. The song’s stark honesty continues to resonate deeply, influencing countless indie and folk artists who follow in his emotionally raw footsteps.
「Roman Candle」は、エリオット・スミスが1994年に発表したデビューアルバム『Roman Candle』の表題曲です。この曲はスミスが自宅の4トラックで録音したもので、作詞・作曲・演奏すべてを自身で手がけています。ローファイでアコースティック主体のサウンドが特徴で、親密さとざらついたリアリティ、そして感情のむき出しさが際立っています。当初は広くリリースされる予定ではありませんでしたが、その生々しい誠実さにより、アンダーグラウンドで注目を集めました。
サウンドはシンプルながら緊張感に満ちており、指弾きギターとテープのノイズ、ささやくような歌声が印象的です。歌詞では、家庭内暴力や無力感、抑圧された怒りといったテーマが描かれており、スミス自身の複雑な家庭環境を反映している可能性もあります。「ローマンキャンドル（吹き上がる花火）」という比喩は、抑えきれない怒りが内側で燃え続けている状態を象徴しています。「彼を傷つけたい」「君に必要なものを与えたい」というフレーズには、暴力性と保護欲、そして無力さが同居しています。
商業的には成功しなかったものの、「Roman Candle」はスミスの告白的なソングライティングの原点として重要な位置を占めています。その飾らない表現と即時性のある感情描写は、今なお多くのインディー・フォークアーティストに影響を与え続けています。
07. Speed Trials (1997)
“Speed Trials” is the opening track of Elliott Smith’s 1997 breakthrough album Either/Or, written, performed, and produced by Smith himself. The song showcases his signature lo-fi indie folk-rock sound: delicately fingerpicked guitar, hushed double-tracked vocals, and minimalist percussion. It sets the emotional tone for the album—vulnerable, fragmented, and inward-looking.
Lyrically, “Speed Trials” evokes a sense of disconnection and inertia. The title metaphorically refers to life’s pressures—testing oneself under emotional or societal strain, while stuck in cycles of paralysis. Smith uses abstract yet resonant imagery to depict a narrator who is drifting through disillusionment and stagnation, with lines like “He’s pleased to meet you underneath the hearse” blending surrealism with dark irony.
Although not a commercial hit, “Speed Trials” was released as a single and became a cult favorite, helping establish Smith as a defining voice in 1990s indie music. The song’s intimacy, cryptic lyricism, and emotional opacity made it a touchstone for listeners seeking quiet yet piercing reflections on modern malaise. It remains a quintessential example of Smith’s ability to capture emotional complexity with poetic restraint and sonic subtlety—anchoring Either/Or as a milestone in confessional songwriting.
「Speed Trials」は、エリオット・スミスの1997年の出世作『Either/Or』のオープニングを飾る楽曲で、作詞・作曲・プロデュースすべてをスミス自身が手がけています。繊細なフィンガーピッキングのギター、囁くような二重録音のボーカル、ミニマルなパーカッションによって、彼のローファイなインディーフォーク・ロックのスタイルが際立っています。アルバム全体の雰囲気を象徴するような、内省的で断片的、そして壊れやすい感情の世界が広がります。
歌詞は明確なストーリーを持たないながらも、断絶感や停滞感、社会的・内面的な圧力を暗示しています。タイトルの「Speed Trials（スピード試験）」は、文字通りの意味だけでなく、人生における試練や焦燥感を象徴しており、「霊柩車の下で会えてうれしいよ」といった一節には、スミスらしいシュールさと皮肉がにじみます。
商業的成功には至らなかったものの、本作はシングルとしてもリリースされ、カルト的な人気を獲得しました。この曲の親密な音像と詩的な曖昧さ、そして感情の奥行きは、1990年代の内省的なソングライティングの象徴として、多くのリスナーに深い共鳴を与えました。『Either/Or』の世界観を象徴する、静かで力強い幕開けの一曲です。
06. Needle in the Hay (1995)
“Needle in the Hay” is one of Elliott Smith’s most stark and emotionally raw songs, released in 1995 as the opening track of his self-titled second album. Written, performed, and self-produced by Smith, the song exemplifies his minimalist aesthetic: fingerpicked acoustic guitar, deadpan vocal delivery, and no added instrumentation. The stripped-back sound mirrors the bleak emotional tone of the lyrics.
The song’s themes revolve around addiction, emotional numbness, alienation, and self-destruction. The “needle” in the title clearly alludes to heroin, and the lyrics paint a haunting portrait of someone trapped in a cycle of despair and detachment. Phrases like “Strung out and thin” and “You oughta be proud that I’m getting good marks” drip with irony and quiet agony.
“Needle in the Hay” gained wider attention when it was used in Wes Anderson’s film The Royal Tenenbaums during a suicide scene—a pairing that, while controversial, emphasized the song’s devastating emotional weight. The track has become one of Smith’s most iconic and oft-covered works, revered for its bleak honesty and unflinching look at inner turmoil. For many, it encapsulates the existential despair at the core of Elliott Smith’s artistry.
「Needle in the Hay」は、エリオット・スミスが1995年に発表したセルフタイトルの2ndアルバムの冒頭を飾る、最も陰鬱で赤裸々な楽曲のひとつです。作詞・作曲・プロデュースはすべてスミス自身によるもので、フィンガーピッキングのアコースティックギターと感情を抑えた歌声だけで構成された、極めてミニマルなサウンドが特徴です。その音の簡素さが、歌詞の重苦しさを際立たせています。
この曲の主題は、薬物依存、感情の麻痺、孤独、自己破壊です。タイトルにある「針」は明らかにヘロインを象徴しており、「やつれて痩せて」「いい点を取ってるんだから誇ってくれよ」といった皮肉と痛みを帯びたフレーズが、絶望のスパイラルを描いています。
この曲は、**ウェス・アンダーソン監督の映画『ザ・ロイヤル・テネンバウムズ』**で自殺シーンに使用されたことで広く知られるようになりました。その印象的な使われ方は議論を呼びましたが、曲の持つ感情の重みを強調しました。「Needle in the Hay」は、スミスの内面の闇と芸術性を象徴する一曲として、多くの人にとって忘れがたい存在です。
05. Angeles (1997)
“Angeles” is a standout track from Elliott Smith’s Either/Or (1997), written, performed, and produced by Smith himself. Known for its intricate fingerpicked guitar work and hushed, double-tracked vocals, the song exemplifies his stripped-down indie folk style. Despite its delicate sound, “Angeles” is one of his most cynical and thematically dense songs.
Lyrically, the song explores the seduction and danger of fame, consumerism, and the music industry—symbolized by “Angeles” (Los Angeles or metaphorical angels). Smith critiques the transactional nature of the industry, warning of the cost of ambition and compromise. Lines like “I could make you satisfied in everything you do” drip with irony, implying manipulation and self-betrayal. The song’s ambiguous tone blurs the line between personal confession and broader indictment.
“Angeles” has become a cult favorite among fans and musicians alike, admired for its technical precision and emotional complexity. It has been used in various films and TV shows, and remains one of the most analyzed songs in Smith’s discography. For many, it captures the tension between Elliott’s intimate authenticity and the pressures of a larger system—foreshadowing the struggles he would continue to face throughout his career.
「Angeles」は、1997年のアルバム『Either/Or』に収録された代表曲のひとつであり、作詞・作曲・プロデュースのすべてをエリオット・スミス自身が手がけています。繊細なフィンガーピッキングと囁くような多重録音のボーカルが特徴で、彼のミニマルなインディーフォークの美学を体現しています。しかし、音の柔らかさとは裏腹に、歌詞には皮肉と鋭さが満ちています。
この曲は、名声や音楽業界の誘惑、そしてその裏にある危うさをテーマにしています。”Angeles”（天使たち）という言葉はロサンゼルスや名声の象徴として機能し、自己の妥協や搾取の構造を示唆します。「君が何をしても満足させてあげられる」といった一節には、魅惑的でありながら皮肉な響きがあります。
「Angeles」は、ファンや音楽家の間でカルト的な人気を誇り、その技巧と複雑な感情表現で高く評価されています。映画やテレビでも使用されており、スミスの誠実な芸術性と、それに対峙する社会的圧力との間の緊張感を象徴する楽曲として語り継がれています。
04. Miss Misery (1997)
“Miss Misery” is one of Elliott Smith’s most widely recognized songs, composed for the Good Will Hunting (1997) soundtrack. Written and performed by Smith, the official studio version was produced with Rob Schnapf and Tom Rothrock. While maintaining his signature melancholic tone, this track is more polished than his earlier lo-fi works, featuring delicate instrumentation and subtle orchestration.
Lyrically, the song reflects themes of depression, self-sabotage, and emotional inertia. The narrator addresses “Miss Misery” as a personification of his own despair, hinting at romantic loss, personal stagnation, and the quiet resignation of a life lived at the margins. Lines like “Do you miss me, Miss Misery, like you say you do?” evoke ambivalence—yearning laced with sarcasm and sorrow.
“Miss Misery” garnered major cultural attention when it was nominated for Best Original Song at the 1998 Academy Awards. Smith’s shy and vulnerable live performance at the Oscars, in stark contrast to the evening’s glamour, became iconic—symbolizing his reluctant rise to mainstream visibility. The song introduced him to a broader audience while preserving the core of his introspective artistry. Even today, “Miss Misery” remains a haunting bridge between indie authenticity and Hollywood exposure.
「Miss Misery」は、1997年の映画『グッド・ウィル・ハンティング』のサウンドトラックのために書かれた、エリオット・スミスの代表曲のひとつです。作詞・作曲はスミス自身、スタジオ版のプロデュースはロブ・シュナップとトム・ロスロックが担当しています。ローファイな初期作の質感を残しつつも、より洗練された音作りがなされており、繊細な楽器使いやさりげないストリングスが印象的です。
歌詞では、憂鬱・自己破壊的な傾向・感情の停滞といったテーマが描かれています。語り手は「Miss Misery（悲しみ嬢）」というキャラクターを通して、自身の孤独や行き詰まりを仄めかします。「僕がいなくて寂しいって、君は本当に言ってるの？」というようなフレーズには、愛情と皮肉、そして痛みが混ざり合っています。
1998年のアカデミー賞で歌曲賞にノミネートされたことをきっかけに、スミスは広く注目される存在となりました。授賞式での内気で控えめなパフォーマンスは、その場の華やかさとは対照的で、彼の誠実さと孤高さを象徴する瞬間となりました。今でも「Miss Misery」は、インディーの誠実さとハリウッド的名声の間に架かる、象徴的な架け橋のような存在として語り継がれています。
03. Say Yes (1997)
“Say Yes” is the closing track of Elliott Smith’s 1997 album Either/Or, and one of his most deceptively hopeful songs. Written, performed, and produced by Smith himself, the song stands out for its simplicity—just his voice and a gentle acoustic guitar. This stripped-back approach enhances the emotional honesty of the lyrics and contrasts with the album’s more melancholic tone.
Unlike many of Smith’s works that explore addiction, self-doubt, and heartbreak, “Say Yes” offers a rare glimpse of romantic optimism. The narrator expresses cautious hope that a relationship might work out—”I’m in love with the world through the eyes of a girl”—while acknowledging vulnerability and uncertainty. The directness of the lyrics gives the song a raw intimacy that resonates deeply with listeners.
“Say Yes” has become one of Smith’s most beloved tracks, often performed in tribute concerts and featured in films like Good Will Hunting. Its soft vulnerability and tender mood have made it a gateway song for new listeners, introducing them to Smith’s ability to capture complex emotional states with disarming simplicity. As the final song on Either/Or, it leaves listeners with a fragile sense of hope—an emotional nuance that defines much of Smith’s enduring appeal.
「Say Yes」は、1997年のアルバム『Either/Or』のラストを飾る楽曲で、エリオット・スミス作品の中でも特に希望に満ちた雰囲気を持つ一曲です。作詞・作曲・プロデュースはすべてスミス自身によるもので、歌声とアコースティックギターだけのシンプルな構成が特徴です。この簡素なアレンジが、言葉の誠実さと親密さを際立たせています。
多くの楽曲が依存や自己嫌悪、失恋などの暗いテーマを扱う中で、「Say Yes」は珍しくロマンティックな希望を感じさせる内容となっています。「ある女の子の目を通して世界を愛している」と語る語り手は、関係がうまくいくかもしれないという小さな希望を抱きながらも、傷つきやすさや不安も滲ませています。その率直さが聴く者の心を深く打ちます。
この曲は映画『グッド・ウィル・ハンティング』にも使用され、今なお多くのファンに愛され続けています。シンプルでありながらも複雑な感情を伝えるスミスの力が最も端的に表れた曲として、新しいリスナーにとっての入り口にもなっています。
02. Waltz #2 (XO) (1998)
“Waltz #2 (XO)” is a centerpiece of Elliott Smith’s 1998 major-label debut XO, released under DreamWorks. Written and co-produced by Smith with Rob Schnapf and Tom Rothrock, the track blends lush baroque pop and waltz-inspired rhythm with his trademark melancholia. The arrangement is fuller than his earlier lo-fi works, featuring piano, strings, and layered vocals, signaling his shift toward more expansive production while retaining emotional intimacy.
The song narrates a story of heartbreak and familial dysfunction, likely referencing Smith’s complex relationship with his mother and stepfather. Through vivid yet oblique lyrics—like the line “I’m never gonna know you now, but I’m gonna love you anyhow”—Smith captures the ache of unresolved relationships and emotional alienation. The waltz tempo creates an ironic contrast, lending the track a bittersweet elegance.
Critically acclaimed, “Waltz #2 (XO)” became one of Smith’s most iconic songs and a fan favorite. It solidified his reputation as a songwriter capable of turning personal trauma into poignant, universally resonant art. As part of XO, it marked a pivotal moment in his career—bridging the indie authenticity of his earlier work with the orchestral ambition of his later sound, influencing generations of introspective artists.
「Waltz #2 (XO)」は、1998年にDreamWorksからリリースされたエリオット・スミスのメジャーデビュー作『XO』の中核をなす楽曲です。スミス自身が作詞・作曲し、ロブ・シュナップとトム・ロスロックとともに共同プロデュースしています。ワルツ調のリズムとバロック・ポップの要素が織り交ぜられ、ピアノやストリングス、重ねられたボーカルによって、それまでのローファイな作風から一歩進んだ壮麗なサウンドが展開されます。
歌詞は、スミス自身の母親や継父との複雑な関係を暗示するような、家庭内の断絶と心の痛みを描いています。「もうあなたのことを知ることはできないけど、それでも愛するよ」といった印象的な一節に、解決されない感情や孤独が滲み出ています。優雅なワルツのリズムは、内容の重さと対照的な皮肉を漂わせます。
この曲は批評家にもファンにも愛され、彼の代表作としての地位を確立しました。『XO』全体の中でも、インディー時代の誠実さと、よりスケールの大きな表現への転換点として重要な役割を果たし、多くの内省的なアーティストに影響を与え続けています。
01. Between the Bars (1997)
“Between the Bars” is one of Elliott Smith’s most haunting and beloved songs, released in 1997 on his breakthrough album Either/Or. Written, performed, and produced by Smith himself, the track exemplifies his lo-fi, melancholic indie folk style—stripped-down acoustic guitar, whispery double-tracked vocals, and raw emotional intimacy. The production is intentionally sparse, drawing the listener into the fragile emotional space the song occupies.
Lyrically, the song uses the metaphor of alcohol as both seduction and escape, voiced almost like a lover enticing the narrator to give in. However, beneath the surface lies a theme of addiction, emotional dependency, and self-destruction. It’s a deceptively gentle song that conveys deep pain with minimal flourish, a hallmark of Smith’s songwriting.
“Between the Bars” became one of his most enduring tracks, covered by artists like Madeleine Peyroux and used memorably in the film Good Will Hunting—cementing its place in pop culture. The song contributed to Smith’s rising reputation as a master of melancholy introspection in the late ’90s indie scene. Its emotional transparency, poetic economy, and stark vulnerability continue to influence singer-songwriters today and remain central to understanding Elliott Smith’s artistic legacy.
「Between the Bars」は、エリオット・スミスの代表曲であり、最も切ない楽曲のひとつです。1997年の名盤『Either/Or』に収録されており、作詞・作曲・プロデュースのすべてをスミス自身が手がけています。アコースティックギターと囁くような二重録音のボーカルが特徴的で、ローファイなインディーフォークのスタイルが際立っています。意図的にミニマルに抑えた音作りが、聴き手を壊れやすい感情の世界へと引き込みます。
歌詞では、アルコールを誘惑と逃避の象徴として描きつつ、それはやがて依存や自己破壊を暗示するものとなります。一見穏やかな曲調の中に、深い痛みが秘められており、これこそがスミスの作家性の真髄です。
この曲は後にマデリン・ペイルーなどにカバーされ、映画『グッド・ウィル・ハンティング』にも使用されるなど、文化的な影響力も大きく、彼の評価を決定づけた重要曲です。感情の透明さと詩的な凝縮力、そして脆さは、現在も多くのシンガーソングライターに影響を与え続けています。