20. U (Man Like) (2019)
“**U (Man Like)**” is a gospel-infused highlight from Bon Iver’s 2019 album *i,i*, co-produced by **Justin Vernon**, **Chris Messina**, **BJ Burton**, and **Brad Cook**, and featuring a powerful collaboration with **Moses Sumney**, **Jenn Wasner**, **Bruce Hornsby**, and **Wye Oak**. The track blends **piano balladry, choral harmonies, and sparse, soulful instrumentation** to create a contemplative, politically resonant spiritual that feels both ancient and modern.
The song critiques **systems of privilege, apathy, and inherited injustice**, posing a quiet but piercing question to those in power. Lyrics like “I could hear, I could hear, I could hear your heart / And I broke that” and “Man like you / You could make that change” are both **intimate and indicting**, calling out emotional and ethical disengagement. The use of **“man like”**—a phrase borrowed from UK colloquialism—universalizes the message, shifting it from a single figure to a collective mirror.
Musically, “U (Man Like)” recalls **classic soul and gospel traditions**, but filtered through Bon Iver’s **post-genre aesthetic**, with Moses Sumney’s and Wasner’s harmonies lending it celestial weight. It’s one of *i,i*’s most **overtly political and emotionally grounded** tracks, emblematic of the album’s broader focus on **communal reflection, accountability, and healing**. As part of Bon Iver’s increasingly collaborative and socially engaged output, the song stands as a quiet anthem of responsibility and change.
「**U (Man Like)**」は、Bon Iverの2019年のアルバム『*i,i*』に収録された、ゴスペルの影響を色濃く受けたハイライト曲です。**ジャスティン・ヴァーノン**、**クリス・メッシーナ**、**BJ・バートン**、**ブラッド・クック**によって共同プロデュースされ、**モーゼス・サムニー**、**ジェン・ワスナー**、**ブルース・ホーンズビー**、**ワイ・オーク**との力強いコラボレーションが実現しています。
この楽曲は、**ピアノによるバラード性、コーラスのハーモニー、抑制されたソウルフルな楽器構成**を融合させ、**古代的でありながら同時に現代的でもある、内省的で政治的な霊歌（スピリチュアル）**を生み出しています。
歌詞は、**特権や無関心、継承された不正義というシステム**を批判しており、静かでありながら鋭く、権力を持つ者たちに問いを投げかけます。
「*I could hear, I could hear, I could hear your heart / And I broke that*（君の心の声が聞こえた／それを壊してしまった）」
「*Man like you / You could make that change*（君みたいな人なら／その変化を起こせる）」といった歌詞は、**親密であると同時に告発的**でもあり、感情や倫理への無関与を静かに突きつけます。
また、「**man like**」という表現は、イギリスの口語表現から借用されたもので、対象を個人に限定せず、**集団的な鏡像として普遍化**する役割を担っています。
音楽的には、**クラシックなソウルやゴスペルの伝統**を想起させつつも、Bon Iver特有の**ポストジャンル的な美学**を通して再構築されており、モーゼス・サムニーとワスナーのハーモニーが**天上的な重み**を加えています。
本作は『*i,i*』の中でもとりわけ**政治性が強く、感情的にも地に足のついた楽曲**であり、アルバム全体に通底する**共同体的な内省・責任・癒し**といったテーマを象徴しています。
Bon Iverが近年強めている**コラボレーションと社会的関与**の姿勢の中で、この楽曲はまさに、**静かなる責任と変化のアンセム**として際立っています。
19. AUATC (2020)
“**AUATC**” (an acronym for *Ate Up All Their Cake*) is a politically and spiritually charged single released by Bon Iver in 2020 as a stand-alone track between the *i,i* era and ongoing collaborations. Co-produced by **Justin Vernon**, **Chris Messina**, and **BJ Burton**, the song brings together a remarkable list of collaborators, including **Bruce Springsteen**, **Jenny Lewis**, **Jenn Wasner (Wye Oak)**, and **Elsa Jensen**, forming a communal vocal ensemble. Musically, it fuses **gospel-inflected folk**, minimal percussion, and Bon Iver’s signature layered vocal textures, producing a warm yet insistent **acoustic-protest hymn**.
Lyrically, “AUATC” critiques **capitalist greed, systemic inequality, and moral complacency**. The cryptic acronym unfolds through lines like “Well, you’re up all night / At the Captain’s table,” referencing a society that continues to feast while others suffer. The title’s phrase—“ate up all their cake”—echoes Marie Antoinette’s infamous quote and acts as a **metaphorical indictment of the elite**. At the same time, Vernon weaves in biblical and philosophical allusions, encouraging introspection and collective reckoning.
Though not part of a full album, “AUATC” has had cultural resonance as a **politically conscious statement during a time of global upheaval**, including the COVID-19 pandemic and racial justice protests. It represents Bon Iver’s increasingly **collaborative, socially aware, and spiritually interrogative direction**, showing Vernon as not just a sonic innovator, but a participant in broader cultural discourse.
「**AUATC**」（*Ate Up All Their Cake*の略）は、Bon Iverが2020年に発表した**単独シングル**であり、『*i,i*』期と継続中のコラボレーションの間に位置する、**政治的かつ霊的な強度を持つ楽曲**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**、**クリス・メッシーナ**、**BJ・バートン**によって共同プロデュースされ、**ブルース・スプリングスティーン**、**ジェニー・ルイス**、**ジェン・ワスナー（Wye Oak）**、**エルサ・ジェンセン**といった面々が参加する**共同体的なボーカル・アンサンブル**を形成しています。
音楽的には、**ゴスペルの影響を受けたフォークサウンド**に、**最小限のパーカッション**とBon Iver特有の**重層的なボーカルテクスチャー**が融合しており、**温かみがありながらも訴求力のあるアコースティックな抗議の讃美歌**となっています。
歌詞は、**資本主義の貪欲さ、構造的な不平等、道徳的な無関心**を批判しており、「*Well, you’re up all night / At the Captain’s table*（一晩中起きて、キャプテンの食卓にいる）」といった一節が、**享楽を続ける支配層と苦しむ人々との格差**を示唆しています。
タイトルの「*Ate up all their cake*（彼らのケーキを食べ尽くした）」というフレーズは、マリー・アントワネットの有名な言葉を想起させる**支配層へのメタファー的告発**となっており、同時にヴァーノンは**聖書的・哲学的な言及**も織り交ぜながら、聴き手に**内省と集団的な問い直し**を促しています。
本作はアルバムには収録されていないにもかかわらず、**COVID-19パンデミックや人種正義を求める抗議運動など、世界的な動揺の時期**における**政治的ステートメントとしての文化的共鳴**を生み出しました。
Bon Iverの方向性として顕著になってきた**コラボレーション志向、社会的関心、精神的探究**を体現しており、ヴァーノンが単なる音の革新者にとどまらず、**広い文化的対話に参加する存在**であることを強く印象づける一曲です。
18. 715 – CRΣΣKS (2016)
“**715 – CRΣΣKS**” is one of the most arresting and emotionally raw tracks from Bon Iver’s *22, A Million* (2016), a project known for its radical sonic deconstruction and cryptic spiritual language. Produced by **Justin Vernon** and **BJ Burton**, the track stands out for its **entirely a cappella structure**, created using the **Messina**—a custom vocal processor built for Vernon. The song layers Vernon’s manipulated voice into a fractured, digital gospel, merging **Auto-Tune, harmony stacks, and vocal glitches** to create a haunting and deeply human sound from synthetic textures.
Despite the high-tech production, “715 – CRΣΣKS” is one of Bon Iver’s most **emotionally direct** songs. The lyrics touch on **heartbreak, dependence, and spiritual confusion**, as Vernon pleads, “God damn, turn around now, you’re my A-Team.” The “creeks” of the title likely refer to both **geographic memory** (possibly the Eau Claire region of Wisconsin) and **emotional undercurrents**, evoking themes of **home, rupture, and flow**. The line “I’m never gonna break / I’m never gonna break” becomes a kind of mantra of fragile resolve.
“715 – CRΣΣKS” became an immediate fan favorite and a critical highlight of the album, celebrated for its bold minimalism and **stripped-down emotional intensity**. It signaled a new kind of vulnerability in Vernon’s work—one that uses **digital distortion not to obscure, but to *reveal***. The song has since influenced a generation of artists blending voice, technology, and emotional honesty in radical new ways.
「**715 – CRΣΣKS**」は、Bon Iverの2016年作『*22, A Million*』に収録された中でも、**最も衝撃的かつ感情的に剥き出しの楽曲のひとつ**です。このアルバムは、**音響のラディカルな解体**と**暗示的なスピリチュアル言語**で知られていますが、その中でもこの楽曲は異彩を放っています。
**ジャスティン・ヴァーノン**と**BJ・バートン**によるプロデュースのもと、**完全アカペラ構成**で制作され、**Messina（メッシーナ）**と呼ばれるヴァーノン専用に設計された**ボーカル処理機器**を用いています。
この曲では、ヴァーノンの声が**Auto-Tune、ハーモニースタック、ボーカルのグリッチ（断片化）**によって層状に重ねられ、**デジタルでありながら魂のこもったゴスペル**として構築されています。
高度な技術的処理を施しながらも、その表現はむしろ**驚くほど感情的にストレート**で、ヴァーノンが「*God damn, turn around now, you’re my A-Team*」と叫ぶ場面では、**失恋、依存、霊的な混乱**が剥き出しに語られています。
タイトルの「**creeks（小川）**」は、ヴァーノンの故郷であるウィスコンシン州オークレア周辺の**地理的な記憶**を指すと同時に、**感情の深層にある流れや断絶**も象徴していると考えられます。
「*I’m never gonna break / I’m never gonna break*（俺は決して壊れない）」という繰り返しのフレーズは、**壊れそうな決意のマントラ**のように響きます。
「**715 – CRΣΣKS**」は、リリース直後からファンの間で高く支持され、アルバムの中でも特に批評家に評価されたトラックです。**大胆なミニマリズム**と**削ぎ落とされた感情の強度**によって、新たなBon Iver像を提示しました。それは、**デジタルによって隠すのではなく、むしろ“明らかにする”ための脆さ**をまとった表現です。
この楽曲は、以後の世代のアーティストたちにとっても、**声・テクノロジー・感情の誠実さを組み合わせた革新的表現の先駆け**となり続けています。
17. For Emma (2007)
“**For Emma**” is the title track of Bon Iver’s seminal debut album, *For Emma, Forever Ago* (2007), and one of its most stirring and cathartic moments. Written and produced by **Justin Vernon** during his now-mythologized winter retreat in a remote Wisconsin cabin, the song departs slightly from the album’s solo acoustic tone by incorporating a **fuller band arrangement**—with **horns, layered vocals, and slow-building instrumentation** that lend it a dramatic, almost **soulful indie-folk** quality.
Lyrically, “For Emma” confronts the aftermath of emotional rupture, disillusionment, and the search for release. Vernon sings, “So apropos / Saw death on a sunny snow,” capturing the jarring coexistence of beauty and grief. The “Emma” of the title remains elusive, more symbol than person—a stand-in for a lost relationship, a version of the past, or even the emotional architecture of longing itself. The lyrics suggest **betrayal, finality, and a reluctant letting go**, wrapped in ambiguity and poetic compression.
“For Emma” plays a crucial role in the album’s narrative arc: while *For Emma, Forever Ago* was largely recorded in isolation, this track was captured later with other musicians, signaling a kind of **re-entry into the world**. It stands as a **turning point**—sonically expansive, emotionally resolute—and helped solidify Bon Iver’s reputation for blending intimate vulnerability with quiet grandeur. The song’s restrained catharsis paved the way for the lush arrangements of *Bon Iver, Bon Iver* and Vernon’s increasing embrace of **emotional complexity through sonic layering**.
「**For Emma**」は、Bon Iverの記念すべきデビューアルバム『*For Emma, Forever Ago*』（2007年）の**タイトル曲**であり、その中でもとりわけ**感情的に揺さぶられる、カタルシスに満ちた瞬間**を描き出しています。
この楽曲は、**ジャスティン・ヴァーノン**がウィスコンシン州の人里離れた山小屋で、冬の間に自主的な**隠遁生活のなかで制作・録音**したという神話的な背景と深く結びついています。
アルバム全体がソロ・アコースティックを基調としている中で、「For Emma」は少し趣を変え、**ホーンや重ねられたボーカル、徐々に盛り上がるバンドアレンジ**が加わることで、**ドラマティックかつソウルフルなインディー・フォークの響き**を湛えています。
歌詞では、**感情の断絶、幻滅、そして解放を求める旅**が描かれており、「*So apropos / Saw death on a sunny snow*（なんとも皮肉に／晴れた雪の中に死を見た）」という一節に、**美しさと悲しみが共存する衝撃**が凝縮されています。
ここでの“**Emma**”は、**実在の人物というよりも象徴的存在**であり、失われた関係、過去のある瞬間、あるいは**“切望”という感情構造そのもの**を体現していると解釈できます。
その詩的で曖昧な表現には、**裏切り、終焉、そして不本意な手放し**がにじみ出ています。
「For Emma」はアルバムの物語的構成において**転換点**ともいえる位置づけにあり、多くの楽曲が孤独な山小屋で一人録音されたのに対し、この曲は**他のミュージシャンとともに後日録音されたもの**です。
つまりこれは、孤立からの**“世界への再接続”**を象徴する一曲でもあります。
**音の広がりと感情の決意**が同居するこの楽曲は、Bon Iverが持つ「内なる脆さと静かな壮大さ」の美学を確立する上で大きな役割を果たしました。
この**抑制されたカタルシス**こそが、後の『*Bon Iver, Bon Iver*』における**豊かなアレンジ**や、ヴァーノンの追求する**感情の多層性と音響の重層構造**へとつながっていく礎となったのです。
16. Faith (2019)
“**Faith**” is a standout track from Bon Iver’s 2019 album *i,i*, a project that represents the culmination of Justin Vernon’s sonic and emotional evolution. Co-produced by **Vernon**, **Chris Messina**, **BJ Burton**, and **Brad Cook**, the song blends **organic instrumentation** (piano, horns, subtle guitar) with **digitally processed vocals and ambient textures**, creating a warm, open, and gently psychedelic atmosphere. The sound bridges the experimental edges of *22, A Million* with the emotional clarity of *Bon Iver, Bon Iver*.
Lyrically, “Faith” explores the fragile yet persistent belief in connection, healing, and selfhood. Vernon sings, “Time and again / It’s just a game / Maybe I’ll find my faith,” evoking **existential uncertainty and the search for meaning**. The track navigates feelings of **loss, reorientation, and tentative hope**, culminating in the repeated affirmation: “I have faith.” It’s not blind conviction, but a **hard-won emotional stance**—a choice to keep believing amid ambiguity.
“Faith” was praised for its **emotional openness and sonic restraint**, reflecting the broader tone of *i,i* as Bon Iver’s most **collaborative and mature** album. It stands as a spiritual sibling to tracks like “Holocene” and “Hey, Ma,” offering a grounded, human counterpoint to Vernon’s earlier deconstructed experiments. In the context of the band’s arc, “Faith” embodies a kind of resolution: **peaceful, weathered, and deeply felt**.
「**Faith**」は、Bon Iverの2019年作『*i,i*』に収録された中でも**際立った存在感を放つ楽曲**であり、**ジャスティン・ヴァーノンの音楽的・感情的進化の集大成**とも言える作品です。
**ヴァーノン、クリス・メッシーナ、BJ・バートン、ブラッド・クック**によって共同プロデュースされた本作は、**ピアノやホーン、控えめなギターといった有機的な楽器群**に、**デジタル処理されたボーカルやアンビエントな音響**が溶け込むことで、**温かく開かれた、緩やかにサイケデリックな空気感**を醸し出しています。
その音像は、『*22, A Million*』の実験的なエッジと、『*Bon Iver, Bon Iver*』の感情的明晰さを架橋するようなものです。
歌詞では、「*Time and again / It’s just a game / Maybe I’ll find my faith*（何度も何度も／それはただの戯れ／たぶん、信じる心を見つけるかもしれない）」とヴァーノンが歌い、**実存的な不確かさと意味を探す旅**が静かに描かれます。
この楽曲は、**喪失、再定位、そしてかすかな希望**の感覚をたどりながら、「*I have faith*（僕には信じる心がある）」という繰り返しのフレーズで締めくくられます。
それは盲目的な信念ではなく、**曖昧さの中でもなお信じ続けるという、手に入れたばかりの感情の姿勢**──あえて選び取る“信”なのです。
「Faith」はその**感情の開示と音の節度**によって高く評価され、Bon Iverの中でも最も**成熟し、協働的なアルバム**である『*i,i*』のトーンを象徴する楽曲となりました。
「*Holocene*」や「*Hey, Ma*」といった過去の名曲と**精神的な姉妹関係**を築きつつ、初期の解体的なサウンドとは異なる、**より地に足のついた人間的な響き**を提供しています。
Bon Iverの軌跡の中で、「Faith」は**穏やかで、風雨を経て、深く心にしみるような“解”のような存在**です。
それは、混乱や複雑さを否定するのではなく、それらの中で**静かに信じることを選ぶ姿勢**そのものを体現しています。
15. 10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄ (Extended Version) (2016)
“**10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄ (Extended Version)**” is a longer, more expansive take on one of Bon Iver’s most sonically aggressive and experimental tracks from the *22, A Million* era (originally released in 2016). Co-produced by **Justin Vernon** and **BJ Burton**, the song is a visceral collision of **distorted bass, chopped vocals, warped brass, and glitch-infused electronic production**, pushing the boundaries of Bon Iver’s sound into **industrial, hip-hop, and experimental electronic** territories.
The extended version—which appeared on live sets and special releases—amplifies the **anxiety and propulsion** of the original, stretching its intensity while leaving space for more texture and nuance. Lyrically, it’s cryptic but emotionally charged, filled with Vernon’s now-signature fragmentation and cryptographic formatting. Lines like “It’s not for broader appeal / Fuckified dilation” feel like expressions of **internal chaos, resistance to commodification**, and spiritual crisis, filtered through a deeply personal code.
The song’s title, filled with symbolic stylization, suggests both **death and rebirth**, and the music mirrors that tension—collapsing and surging forward in equal measure. While polarizing, “10 d E A T h b R E a s T” (in both its original and extended forms) became a landmark in Bon Iver’s evolution, signaling a fearless leap into sonic dissonance and **post-genre experimentation**. It deeply influenced how artists think about form, fragmentation, and the emotional power of **digital distortion**—establishing Vernon as a pioneer of 21st-century avant-pop.
「**10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄ (Extended Version)**」は、Bon Iverの2016年作『*22, A Million*』期を代表する、**最も攻撃的かつ実験的なサウンド**を持つ楽曲のひとつを、**より拡張し深化させたバージョン**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**と**BJ・バートン**の共同プロデュースにより、**歪んだベース、切り刻まれたボーカル、ねじれたホーンセクション、グリッチを帯びた電子音響**がぶつかり合い、Bon Iverの音世界を**インダストリアル、ヒップホップ、実験電子音楽**の領域へと大胆に押し広げています。
ライブセットや特別リリースで登場したこの**Extended Version**では、原曲が持っていた**不安感と推進力**がさらに増幅されつつ、同時に**テクスチャーやニュアンスのための余白**も与えられています。
歌詞は暗号的かつ感情に満ちており、ヴァーノン独特の**断片的な言語構造と記号的表記**が特徴的です。
「*It’s not for broader appeal / Fuckified dilation*（大衆受けのためじゃない／歪んだ拡張）」といったフレーズは、**内面の混乱、商業化への抵抗、霊的危機**といったテーマを、個人的でコード化された言語を通して吐露しているように感じられます。
タイトルにちりばめられた記号や崩されたスペルは、**死と再生の象徴性**を孕んでおり、その音楽的展開もまた、**崩壊と前進が交互に訪れるような緊張感**を帯びています。
賛否を呼ぶ作品ではありますが、「10 d E A T h b R E a s T」はオリジナル版も拡張版もともに、Bon Iverの進化における**画期的な転機**であり、**音の不協和や形式の破壊を恐れない姿勢**を明確に示しました。
この楽曲は、アーティストたちに**“形式・断片性・デジタル歪曲の感情的力学”**について再考を促すものであり、ヴァーノンを**21世紀のアヴァン・ポップの先駆者**として確固たる存在に押し上げた象徴的な一曲となっています。
14. Beth/Rest (2011)
“**Beth/Rest**” is the closing track of Bon Iver’s Grammy-winning album *Bon Iver, Bon Iver* (2011), and perhaps the most polarizing and bold artistic statement in Justin Vernon’s career. Co-produced by **Vernon** and **Brad Cook**, the song breaks sharply from the acoustic and ambient textures that define much of the album, embracing a sound that draws heavily from **1980s soft rock, adult contemporary, and power ballads**, with prominent use of **synths, vocoder, saxophone**, and electric piano.
Initially surprising to many fans, “Beth/Rest” channels the spirit of artists like Bruce Hornsby or Peter Gabriel, pairing lush, retro-leaning instrumentation with Vernon’s cryptic, emotionally rich lyrics. Though hard to parse literally, the song seems to touch on themes of **redemption, companionship, and spiritual peace**. Lines like “We’re aligning stars” and “I ain’t living in the dark no more” suggest an **emergence from grief into clarity**, closing the album with an unexpected but sincere sense of resolution.
Upon release, “Beth/Rest” divided listeners—some mocked its throwback style, while others praised its **audacious sincerity and emotional transcendence**. Over time, it’s been reappraised as a cult favorite, symbolizing Vernon’s refusal to conform to indie folk expectations. It encapsulates the album’s ethos: a movement from isolation toward expansive, vulnerable openness. As a finale, “Beth/Rest” is a love-it-or-hate-it gesture that, in hindsight, paved the way for the genre-blending experimentation of *22, A Million* and beyond.
「**Beth/Rest**」は、Bon Iverがグラミー賞を受賞したアルバム『*Bon Iver, Bon Iver*』（2011年）の**ラストを飾る楽曲**であり、同時に**ジャスティン・ヴァーノンのキャリアにおける最も賛否の分かれる、大胆な芸術的ステートメント**でもあります。
**ヴァーノン**と**ブラッド・クック**の共同プロデュースによって制作された本作は、アルバムの多くを特徴づけるアコースティックやアンビエントな音響から大きく逸脱し、**1980年代のソフトロックやアダルト・コンテンポラリー、パワーバラード**の美学を全面的に取り入れています。
**シンセサイザー、ボコーダー、サックス、エレクトリック・ピアノ**といった要素が前面に押し出され、あえてレトロで感傷的なサウンドに振り切ったアプローチとなっています。
リリース当初は多くのファンに驚きをもって迎えられましたが、この曲は**ブルース・ホーンズビーやピーター・ガブリエル**のような80年代アーティストの精神を呼び起こし、**豊潤でノスタルジックな音像**の中に、ヴァーノン特有の**解釈の難しいが情感に満ちた歌詞**が漂います。
「*We’re aligning stars*（僕らは星を揃えている）」や「*I ain’t living in the dark no more*（もう闇の中にはいない）」といったフレーズからは、**喪失からの回復、誰かとの結びつき、霊的な安寧への到達**といったテーマが静かに浮かび上がります。
「Beth/Rest」は、当初その**懐古的で甘美なスタイル**が一部で揶揄された一方、**大胆な誠実さと感情の超越性**を称賛する声もあり、Bon Iverの中でも最も**評価が二極化**した楽曲の一つとなりました。
しかし時が経つにつれ、これは**カルト的な人気を誇る一曲**として再評価されるようになり、ヴァーノンが**インディーフォークの既成概念に従うことを拒んだ姿勢**を象徴する作品となりました。
本楽曲はアルバム全体の精神、すなわち**孤独から始まり、広がりと脆さに満ちた開かれた世界へ向かう運動**を端的に表現しています。
「Beth/Rest」は、**好きか嫌いかがはっきり分かれるフィナーレ**でありながら、今振り返れば、『*22, A Million*』以降の**ジャンルを越境する実験的表現**へと続く道を切り開いた、重要な一歩だったと言えるでしょう。
13. iMi (2019)
“**iMi**” is the second track on Bon Iver’s fourth studio album, *i,i* (2019), and one of the most collaborative and sonically layered songs in the band’s discography. Co-produced by **Justin Vernon**, **BJ Burton**, **Chris Messina**, and **Brad Cook**, “iMi” features contributions from an array of artists, including **James Blake**, **Velvet Negroni**, **Mike Noyce**, and **Wye Oak’s Jenn Wasner**, creating a sound that is at once intimate and expansive. The track blends **fragmented electronics, brass, soft falsetto harmonies**, and ambient textures into a genre-defying palette that feels **experimental yet warm**.
The song’s lyrics, like much of *i,i*, are elliptical but emotionally resonant, exploring themes of **self-doubt, intimacy, and identity**. The chorus—“I am, I am, I am, I am”—is both a mantra and a question of self-assertion, evoking the tension between presence and uncertainty. “iMi” functions as a spiritual meditation on **how one shows up in love and life**, laced with layered meanings and emotional ambivalence.
“iMi” reflects Bon Iver’s artistic maturity: it retains the emotional honesty of earlier work while embracing the collective, fractured beauty of *22, A Million*’s experimentation. It contributes to *i,i*’s broader thematic arc of **integration and acceptance**, and its sound—both glitchy and tender—continues to influence artists across **indie, R&B, and electronic** spheres. The song affirms Bon Iver’s role as a collaborative project rooted in vulnerability and sonic innovation.
「**iMi**」は、Bon Iverの4枚目のスタジオアルバム『*i,i*』（2019年）の**2曲目**に収録された楽曲であり、バンドのディスコグラフィにおいても**最もコラボレーション性が高く、音響的に層の厚い一曲**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**、**BJ・バートン**、**クリス・メッシーナ**、**ブラッド・クック**による共同プロデュースのもと、**ジェイムズ・ブレイク**、**Velvet Negroni**、**マイク・ノイス**、**ジェン・ワスナー（Wye Oak）**といった多彩なアーティストが参加し、**親密さと広がりを同時に感じさせるサウンド**を生み出しています。
音楽的には、**断片的なエレクトロニクス、ブラス、柔らかなファルセットハーモニー、アンビエントな音響要素**が融合し、ジャンルを超えた、**実験的でありながら温もりを感じさせる音像**が特徴です。
歌詞は、『*i,i*』全体に通じるように**省略的で詩的**ながらも、深い感情に触れるものであり、テーマとしては**自己疑念、親密さ、アイデンティティ**が浮かび上がります。
「*I am, I am, I am, I am*（僕は、僕は、僕は、僕は）」というコーラスは、**自己主張のマントラであり、同時に存在への問いかけ**でもあります。
「iMi」は、**愛や人生の中で、自分がどのように“現れる”か**という精神的な瞑想のような楽曲であり、**重層的な意味と感情的な曖昧さ**をたたえています。
この曲は、Bon Iverの**芸術的成熟**を示しており、初期作品に見られる**感情の誠実さ**を保ちつつも、『*22, A Million*』の**断片的でコラージュ的な実験性**を集団的な美として昇華させています。
『*i,i*』全体が目指す、**統合と受容**というテーマの中でも、「iMi」は中心的な役割を果たしており、その**グリッチーでありながら優しい音世界**は、インディー、R&B、エレクトロニカといった多くのジャンルのアーティストに影響を与え続けています。
「iMi」は、Bon Iverが**脆さを起点にした協働的プロジェクト**であり続けること、そして**音響的革新を通じて感情を言語化しようとする姿勢**を、力強く静かに提示する楽曲です。
12. Blood Bank (2009)
“**Blood Bank**” is the title track of Bon Iver’s 2009 *Blood Bank* EP, and represents a bridge between the sparse, acoustic intimacy of *For Emma, Forever Ago* and the more expansive, experimental sound of later albums. Written and produced by **Justin Vernon**, the song introduces subtle layers—**electric guitar, ambient textures, and a fuller band dynamic**—while retaining his signature falsetto and emotional transparency.
The lyrics unfold like a short story: a **wintry encounter outside a blood bank**, mixing physical coldness with emotional warmth. “That secret that you knew but don’t know how to tell / It fucks with your honor and it teases your head” reflects Vernon’s gift for expressing **the complexity of suppressed emotion and half-spoken truths**. There’s a delicate tension between desire and restraint, between momentary connection and the inability to articulate it.
“Blood Bank” gained popularity among fans and became a staple of Bon Iver’s live performances. It was one of the first signs that Vernon was moving beyond indie folk minimalism, experimenting with tone and narrative structure. Its influence is lasting—helping define the late 2000s **emotive indie rock aesthetic** and paving the way for the more abstract, layered expressions of *Bon Iver, Bon Iver* and *22, A Million*. Quiet and cinematic, “Blood Bank” remains a fan-favorite and an emotional anchor in Bon Iver’s catalog.
「**Blood Bank**」は、Bon Iverが2009年に発表したEP『*Blood Bank*』の**タイトル曲**であり、**『*For Emma, Forever Ago*』の静謐でアコースティックな親密さ**と、後の作品に見られる**広がりのある実験的な音世界**との間に橋をかけるような楽曲です。
**ジャスティン・ヴァーノン**によって書かれ、プロデュースされたこの曲では、**エレキギターやアンビエントな音のレイヤー、バンドとしてのダイナミズム**が導入されつつ、彼特有のファルセットと感情の透明性はしっかりと保たれています。
歌詞はまるで**短編小説のように物語的**で、舞台は**冬の寒さの中、献血センターの外での邂逅**。
「*That secret that you knew but don’t know how to tell / It fucks with your honor and it teases your head*（君が知っていながら伝え方がわからなかった秘密／それが君の誇りを揺さぶり、心をかき乱す）」という一節には、**抑えきれない感情や、言葉にできない真実のもどかしさ**が滲んでいます。
ここには、**欲望と抑制、つかの間のつながりと、それを語れない苦悩**の間にある繊細な緊張感が漂っています。
「Blood Bank」はファンの間で高い人気を誇り、**ライブでも定番の楽曲**となりました。そして何より、この曲はヴァーノンが**インディーフォーク的ミニマリズムの枠を超えていく初期の兆し**を示しており、**音色の実験や語りの構造に対する新たな意識**が芽生えていることが感じられます。
この楽曲は、**2000年代後半の“感情の露出と詩的な間接性”を特徴とするインディーロックの美学**を体現し、後の『*Bon Iver, Bon Iver*』や『*22, A Million*』に見られる**抽象的で多層的な表現**への道を静かに切り拓きました。
その**映画的で静かな佇まい**と、**感情の中核をそっと掬い上げるような表現**によって、「Blood Bank」は今なおBon Iverのカタログの中で**感情的な錨（いかり）**として、多くのリスナーに深く愛され続けています。
11. 29 #Strafford APTS (2016)
“**29 #Strafford APTS**” is a poignant and intricately layered track from Bon Iver’s third album, *22, A Million* (2016), co-produced by **Justin Vernon** and **BJ Burton**. The song marks a striking balance between the album’s experimental digital deconstruction and the **acoustic warmth** of Bon Iver’s earlier work. Built around a detuned acoustic guitar, auto-tuned vocals, subtle electronic textures, and bursts of synth and sax, it merges **folk, gospel, and glitchy electronica** into a haunting, melancholic meditation.
The title references both **Strafford, Vermont**—a quiet rural town—and Vernon’s personal memories, possibly tied to a former relationship. Lyrically, the song explores **nostalgia, disillusionment, and fragmented memory**, with lines like “I hold the note, you wrote and know / You wrote it all but that’s all wrong” capturing emotional miscommunication and loss. Religious and seasonal imagery (“Consecration to you / Autumn blew the quilt right off the perfect bed”) add a spiritual, cyclical weight to the narrative, even as it resists clarity.
“29 #Strafford APTS” stands out on *22, A Million* as one of its most emotionally direct and melodically grounded moments. Its blend of **acoustic vulnerability and digital distortion** reflects Vernon’s ongoing dialogue between the **personal and the abstract**, the sacred and the disintegrated. The track reaffirmed Bon Iver’s mastery of **emotional fragmentation**, influencing a generation of artists embracing imperfection, memory, and sonic hybridity.
「**29 #Strafford APTS**」は、Bon Iverの3作目『*22, A Million*』（2016年）に収録された、**繊細で深い情感を湛えた楽曲**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**と**BJ・バートン**による共同プロデュースのもと、**デチューンされたアコースティックギター、Auto-Tuneを施したボーカル、繊細な電子音、そして突如現れるシンセやサックス**が重なり合い、**フォーク、ゴスペル、グリッチ系エレクトロニカ**が混ざり合ったような、**幽玄で哀切な瞑想曲**が形作られています。
タイトルの「Strafford」は**バーモント州の小さな町**を指すと同時に、ヴァーノンの**個人的な記憶や過去の関係性**に由来しているとも言われています。
歌詞は、**ノスタルジー、幻滅、断片化された記憶**といったテーマを内包しており、「*I hold the note, you wrote and know / You wrote it all but that’s all wrong*（君が書いた手紙を持ってるけど、それは全部正しくない）」というフレーズには、**感情のすれ違いや伝達の失敗**がにじみ出ています。
また、「*Consecration to you / Autumn blew the quilt right off the perfect bed*（君に捧げる奉献／秋風が完璧なベッドから掛け布団を吹き飛ばした）」という**宗教的・季節的なイメージ**も織り込まれ、**明瞭さを拒みながらも、霊的で循環的な重み**を物語に与えています。
『*22, A Million*』の中でも、「29 #Strafford APTS」は**最もメロディーが明瞭で、感情的に直線的な瞬間**のひとつとして際立っており、**アコースティックな脆さとデジタルな歪みの共存**が、**個人的と抽象的、聖性と崩壊**のあいだで揺れるヴァーノンの探求を象徴しています。
この楽曲は、**不完全さや記憶の断片性、音のハイブリッド性を受け入れる表現**として、以後のアーティストたちにも大きな影響を与えました。
「29 #Strafford APTS」は、Bon Iverが持つ**“感情の断片化”における比類なき手腕**を再確認させる、静かで美しい証でもあります。
10. Flume (2007)
“**Flume**” is the opening track of Bon Iver’s debut album *For Emma, Forever Ago* (2007), and serves as an intimate, almost sacred introduction to Justin Vernon’s now-iconic musical voice. Written, performed, and self-produced during Vernon’s winter isolation in a remote Wisconsin cabin, the song epitomizes the album’s **raw, minimalist folk aesthetic**, built from delicate fingerpicked acoustic guitar and Vernon’s ethereal falsetto.
Lyrically, “Flume” is abstract and poetic, filled with surreal yet emotionally resonant imagery: “I am my mother’s only one / It’s enough.” These lines suggest themes of **familial weight, solitude, self-definition, and emotional inheritance**. The song avoids linear storytelling, instead offering a kind of **emotional mapping**—a fragile portrait of someone quietly trying to rebuild themselves after loss. The sparse arrangement amplifies the emotional immediacy, drawing listeners into a deeply private world.
Though not released as a single, “Flume” became a fan favorite and was later covered by artists like **Peter Gabriel**, underlining its enduring resonance. As the opening track, it sets the tone for *For Emma, Forever Ago*’s lo-fi intimacy and spiritual ache, establishing Bon Iver as a singular voice in 2000s indie folk. “Flume” helped catalyze a wave of **bedroom folk and emotional minimalism**, leaving a lasting imprint on the sound of that era.
「**Flume**」は、Bon Iverのデビューアルバム『*For Emma, Forever Ago*』（2007年）の**冒頭を飾る楽曲**であり、**ジャスティン・ヴァーノンの音楽的声が初めて神聖なかたちで立ち上がる瞬間**を刻んでいます。
この曲は、ヴァーノンがウィスコンシンの人里離れた山小屋で、**孤独な冬の期間に自ら作詞・作曲・録音・プロデュース**したという背景を持ち、アルバム全体に通底する**生々しくミニマルなフォークの美学**を象徴しています。
**繊細なフィンガーピッキングによるアコースティックギター**と、**幽玄なファルセット**だけで構成されたアレンジが、**内省的で親密な世界観**を際立たせています。
歌詞は抽象的かつ詩的で、「*I am my mother’s only one / It’s enough*（僕は母のたったひとりの子／それでいい）」といったフレーズに、**家族的な重み、孤独、自己定義、感情の継承**といったテーマが凝縮されています。
物語性よりも、**感情の地図のような断片的表現**が広がっており、喪失を経て静かに自分を再構築しようとする人間の、**壊れやすい肖像**が浮かび上がります。
「Flume」はシングルとしてはリリースされなかったものの、**ファンの間で長く愛される楽曲**となり、後に**ピーター・ガブリエル**によるカバーも発表されるなど、その**時代を越える共鳴力**が証明されました。
アルバムの幕開けとして、この曲は**ローファイな親密さと霊的な痛み**を基調としたトーンを設定し、Bon Iverを**2000年代インディーフォークの中でも特異で孤高な存在**として印象づけました。
「Flume」は、やがて広がっていく**ベッドルーム・フォークや感情のミニマリズム**の潮流に先駆ける存在として、同時代の音の風景に**深い影響を与えた静かな原点**です。
09. 22 (OVER S∞∞N) [Bob Moose Extended Cab Version] (2016)
“**22 (OVER S∞∞N) [Bob Moose Extended Cab Version]**” is a reimagined version of the opening track from Bon Iver’s *22, A Million* (2016), included as a bonus track on the *i,i* (2019) Japanese edition and the *Blood Bank (10th Anniversary Edition)* EP. Co-produced by **Justin Vernon**, **BJ Burton**, and **Chris Messina**, this version strips back the dense sonic manipulation of the original and recasts the song with more organic, spacious instrumentation—melding **minimalist piano**, **gentle saxophone flourishes**, and **ambient textures** into a meditative atmosphere.
The song retains the mantra-like refrain “It might be over soon,” a phrase Vernon has described as both **anxiety-inducing and liberating**—a recognition of impermanence and the possibility of change. In this extended cab version, the message feels even more intimate and contemplative, with the digital fragmentation of the original softened into a **warm, elegiac tone**. It becomes less of a sonic rupture and more of a **gentle farewell or quiet surrender**.
The “Bob Moose” reference is an inside nod to a deceased friend and musical collaborator, adding a layer of personal grief and homage. This version deepens the emotional range of Bon Iver’s catalog, illustrating Vernon’s ability to **reinterpret his own work through different emotional lenses**. It stands as a tender coda to an era of transformation, grief, and acceptance in his artistic journey.
「**22 (OVER S∞∞N) [Bob Moose Extended Cab Version]**」は、Bon Iverの2016年作『*22, A Million*』の冒頭を飾る名曲「**22 (OVER S∞∞N)**」の**再解釈バージョン**であり、**『*i,i*』の日本盤ボーナストラック**および**『Blood Bank (10th Anniversary Edition)』EP**に収録されています。
**ジャスティン・ヴァーノン**、**BJ・バートン**、**クリス・メッシーナ**による共同プロデュースのもと、このバージョンでは**原曲にあった密度の高いデジタル加工を取り除き**、より**有機的で空間的なアレンジ**へと生まれ変わっています。
**ミニマルなピアノ、やわらかなサックスの装飾、アンビエントな音響**が織りなす音像は、**静かな瞑想のような雰囲気**を醸し出しています。
原曲の中心にあるマントラ的なフレーズ「*It might be over soon*（もうすぐ終わるかもしれない）」はそのまま残されており、ヴァーノン自身が語るように、これは**不安と解放を同時に孕む言葉**であり、**無常の認識と変化の可能性**を示しています。
この「Extended Cab Version」では、デジタルの断片化が抑えられた分、メッセージはさらに**親密で内省的**に響き、**激しさよりも、静かであたたかい追悼や降伏のようなニュアンス**が際立っています。
タイトルに含まれる「**Bob Moose**」は、Bon Iverの親しい友人であり音楽仲間でもあった故人への**プライベートな追悼の意**が込められており、このバージョンに**個人的な喪失とオマージュのレイヤー**を与えています。
結果としてこの楽曲は、Bon Iverのカタログにおける**感情の幅をさらに深める存在**となり、ヴァーノンが**自らの楽曲を異なる感情のレンズで再解釈する力**を如実に示しています。
「22 (OVER S∞∞N) [Bob Moose Extended Cab Version]」は、**変化・喪失・受容**といったテーマを静かに見つめ直す**優しいコーダ（結び）**であり、ヴァーノンの創作旅路における**変容の時代をそっと締めくくる楽曲**でもあります。
08. Calgary (2011)
“**Calgary**” is a rich and mysterious track from Bon Iver’s second album, *Bon Iver, Bon Iver* (2011), co-produced by **Justin Vernon** and **Brad Cook**, with sonic contributions from **Sean Carey**, **Mike Noyce**, and **Matt McCaughan**. The song departs from the sparse acoustic style of *For Emma, Forever Ago*, embracing a more **expansive and layered sound**, blending **synth-driven textures, ambient rock, and chamber pop**. It opens with ghostly electronic tones before evolving into a cathartic crescendo of drums and harmony, showcasing the band’s growing sonic ambition.
Lyrically, “Calgary” is elliptical and dreamlike, filled with surreal imagery and intimate fragments. Phrases like “don’t you cherish me to sleep” and “I was told it was a good hotel” evoke **a narrative of longing, dislocation, and ambiguous intimacy**. The lyrics resist easy interpretation, mirroring the song’s shifting structure and Vernon’s interest in emotional rather than literal clarity. Despite the title, Vernon later admitted that the song has little to do with the Canadian city—its meaning lies more in its **emotional resonance than geographic specificity**.
Though not a mainstream hit, “Calgary” played a crucial role in the critical success of *Bon Iver, Bon Iver*, which won the **Grammy for Best Alternative Music Album** in 2012. It reflects a turning point in Bon Iver’s career—from confessional folk to ambitious, atmospheric storytelling—cementing Vernon’s reputation as a **genre-blurring innovator**.
「**Calgary**」は、Bon Iverのセカンドアルバム『*Bon Iver, Bon Iver*』（2011年）に収録された、**豊かで神秘的な魅力を放つ楽曲**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**と**ブラッド・クック**の共同プロデュースのもと、**ショーン・キャリー**、**マイク・ノイス**、**マット・マカフン**らの音楽的貢献によって形づくられたこの曲は、デビュー作『*For Emma, Forever Ago*』の**シンプルでアコースティックなスタイルから大きく飛躍**し、**シンセを中心としたテクスチャー、アンビエント・ロック、チェンバー・ポップ**が織り込まれた、**広がりのある多層的なサウンドスケープ**を展開しています。
冒頭では**幽玄な電子音**が漂い、そこから**ドラムとハーモニーによるカタルシス的なクレッシェンド**へと発展していく構成は、Bon Iverの音楽的野心の高まりを象徴しています。
歌詞は、**夢のように断片的で象徴的**な言葉に満ちており、「*don’t you cherish me to sleep*（眠りに導くように大切にしてくれないの？）」や「*I was told it was a good hotel*（いいホテルだと聞いてたんだけど）」といった一節からは、**渇望、居場所のなさ、曖昧な親密さ**がにじみ出ています。
その内容は明確な物語を伝えるというよりも、**感情の雰囲気や揺れを言葉と音で表現すること**に重点が置かれており、曲の構造とも呼応するように、**直線的な意味を拒む美学**が貫かれています。
タイトルの「Calgary」はカナダの都市名ですが、ヴァーノン自身が後に**「実際の地名とは関係がない」**と語っており、ここでの意味は**地理的な位置よりも、感情的な響きに重きを置いた象徴的存在**となっています。
「Calgary」はヒットチャートには登場しなかったものの、**アルバム『Bon Iver, Bon Iver』の批評的成功に大きく寄与**し、同作は**2012年グラミー賞「最優秀オルタナティブ・ミュージック・アルバム賞」**を受賞しました。
この曲は、Bon Iverが**内省的なフォークから、より壮大で空間的な物語表現へと進化していく重要な転機**を示しており、ヴァーノンが**ジャンルを横断する革新者**としての地位を確立する上で、欠かせない一曲となっています。
07. Re: Stacks (2007)
“**Re: Stacks**” is the closing track of Bon Iver’s debut album *For Emma, Forever Ago* (2007), and one of the most emotionally raw and intimate songs in Justin Vernon’s catalog. Written, performed, and self-produced by Vernon during his secluded winter stay in a Wisconsin cabin, the song exemplifies the album’s **lo-fi acoustic aesthetic** and **unfiltered vulnerability**. With just fingerpicked guitar, ambient room noise, and Vernon’s falsetto, the track creates a quiet, meditative space.
Lyrically, “Re: Stacks” is a reflection on **emotional exhaustion, self-deception, and quiet attempts at healing**. The “stacks” in the title may refer to debts—emotional, financial, or spiritual—and the “re:” hints at an ongoing, perhaps unresolved correspondence with the self. Vernon sings, “This is not the sound of a new man or a crispy realization / It’s the sound of the unlocking and the lift away,” signaling that the song isn’t about triumph, but about *release*—a gentle exhale after enduring.
Though understated, “Re: Stacks” has had deep cultural impact. It became a sleeper favorite among fans and has been featured in TV shows, emotional montages, and personal playlists for grief or reflection. The song helped solidify *For Emma, Forever Ago* as a **landmark in indie folk**, and introduced Vernon as an artist capable of expressing profound depth with the barest means.
「**Re: Stacks**」は、Bon Iverのデビューアルバム『*For Emma, Forever Ago*』（2007年）を締めくくる**ラストトラック**であり、ジャスティン・ヴァーノンの作品群の中でも**最も感情的にむき出しで、親密な楽曲**のひとつです。
この曲は、ヴァーノンがウィスコンシンの山小屋での**冬の隠遁生活中に、自ら作詞・演奏・録音**したものであり、アルバム全体に通じる**ローファイなアコースティック美学**と**濾過されていない感情の吐露**を凝縮したような一曲です。
**指でつま弾かれるギターの音、部屋の空気音、そしてヴァーノンの繊細なファルセット**だけで構成されたサウンドは、まるで**静かな瞑想空間**のように聴く者を包み込みます。
歌詞では、**感情的な消耗、自己欺瞞、そしてささやかな癒しの試み**が描かれており、タイトルの「**Stacks（積み重ね）**」は、**感情的・経済的・精神的な「負債」や重荷**を象徴しているとも解釈できます。また、「**Re:**」という書き出しは、**自分自身との継続的で未解決な対話**を暗示しています。
ヴァーノンが歌う「*This is not the sound of a new man or a crispy realization / It’s the sound of the unlocking and the lift away*（これは新しい自分や鮮やかな気づきの音じゃない／ただほどけて、解き放たれていく音だ）」という一節は、**勝利ではなく、耐え抜いた末の“解放”**を描いており、**静かに息を吐くような感情の解放**を伝えています。
派手さはないものの、「Re: Stacks」は**リスナーの心に深く浸透するスリーパー的名曲**となり、数多くのテレビ番組やモンタージュ、喪失や内省のためのプレイリストに使用されてきました。
この曲は、アルバム『*For Emma, Forever Ago*』を**インディーフォークの金字塔**として確立させ、**最小限の手段で最大限の深みを表現するアーティスト**としてのヴァーノンの才能を世に知らしめました。
「Re: Stacks」は、**静けさの中にある痛みと解放、そして語られないままに抱え続けた感情との和解**を象徴する、Bon Iverの魂そのものとも言える楽曲です。
06. 8 (circle) (2013)
“**8 (circle)**” is a soulful and introspective track from Bon Iver’s third album, *22, A Million* (2016), a project that marked a radical shift in Justin Vernon’s musical direction. Co-produced by **Vernon** and **BJ Burton**, the song contrasts with the album’s otherwise glitch-heavy, experimental textures by offering a moment of emotional and sonic clarity. Built around warm synth chords, a steady gospel-tinged rhythm, and Vernon’s layered falsetto and baritone vocals, the song leans into a **soul-inflected ambient pop** sound, infused with subtle **R&B and gospel** influences.
Lyrically, “8 (circle)” centers on themes of **cyclical love, emotional surrender, and transcendence through repetition and connection**. The title itself references both infinity and the circularity of patterns—both in relationships and spiritual experience. Lines like “I’m standing in your street now / And I carry his guitar” evoke a sense of haunted presence and emotional lineage, while “I’m walking in circles” reflects a search for meaning within those loops.
Though understated, “8 (circle)” became a fan favorite for its emotional accessibility amid the cryptic landscape of *22, A Million*. It exemplifies Vernon’s ability to **fuse the sacred and the personal**, offering a quiet epiphany that helped bridge his experimental impulses with deep emotional resonance—further securing Bon Iver’s place as a boundary-pushing force in 21st-century music.
「**8 (circle)**」は、Bon Iverのサードアルバム『*22, A Million*』（2016年）に収録された、**魂に触れるような内省的な楽曲**であり、同作における**ジャスティン・ヴァーノンの音楽的転換**を象徴しながらも、他のトラックとは異なる**感情的・音響的な明快さ**をもたらす一曲です。
**ヴァーノン**と**BJ・バートン**による共同プロデュースのもと、**暖かなシンセコード、ゴスペルの香りを帯びたリズム、ファルセットとバリトンが折り重なるボーカル**によって、**ソウルフルなアンビエント・ポップ**のサウンドが静かに広がります。
そこには、さりげないながらも**R&Bやゴスペルのエッセンス**が溶け込んでいます。
歌詞のテーマは、**循環する愛、感情の降伏、反復とつながりによる超越**。タイトルの「8」は、横に倒すと**無限大（∞）**を表す記号となるように、**関係性や精神的体験の円環性**を象徴しています。
「*I’m standing in your street now / And I carry his guitar*（今、君の通りに立っている／彼のギターを抱えて）」というフレーズからは、**失われた存在の記憶と感情的な継承**が滲み出ており、
「*I’m walking in circles*（円を描くように歩いている）」という言葉には、**同じ場所をめぐりながら意味を探し続ける心の動き**が静かに映し出されています。
「8 (circle)」はアルバム内では控えめな存在ですが、**『*22, A Million*』の難解で断片的な音世界の中において、リスナーにとって最も親しみやすい“感情の入口”**として、ファンの間で根強い人気を誇っています。
それは、ヴァーノンが得意とする**“神聖さ”と“個人的な感情”の融合**を見事に体現した楽曲であり、**静かな啓示のような瞬間**として、彼の実験性と感情性の架け橋となっています。
結果として「8 (circle)」は、Bon Iverが**21世紀の音楽において境界を押し広げる存在であること**、そして**“意味”の解体と再構築を通じて、深く人の心に触れる力を持っていること**を改めて証明する一曲となりました。
05. Hey, Ma (2019)
“**Hey, Ma**” is a poignant single from Bon Iver’s fourth album, *i,i* (2019), showcasing Justin Vernon’s continued evolution toward **genre fusion and emotional abstraction**. Co-produced by **Vernon**, **Chris Messina**, **BJ Burton**, and **Brad Cook**, the track weaves together **soft synths, gentle guitar arpeggios, and layered harmonies**, embodying a lush yet restrained **indie-electronic ballad** with hints of R&B and ambient pop.
Lyrically, “Hey, Ma” is elliptical and tender, a meditation on **memory, care, and unspoken familial intimacy**, especially the complex relationship between a son and his mother. The refrain—“I waited outside / I was tokin’ on dope / I hoped it all won’t go in a minute”—blends youthful missteps with longing for connection and grace. The title phrase, “Hey, Ma,” is disarmingly simple, yet it carries emotional weight as a quiet invocation of vulnerability and affection.
The song was widely praised for its warmth and emotional subtlety, becoming one of Bon Iver’s most accessible tracks since “Holocene.” It earned a **Grammy nomination for Record of the Year in 2020** and helped solidify *i,i* as a culmination of the project’s sonic arc—balancing the experimental fragmentation of *22, A Million* with a return to **melodic clarity and emotional grounding**. “Hey, Ma” stands as a mature, quietly devastating entry in Bon Iver’s catalog, resonating across generations and genres.
「**Hey, Ma**」は、Bon Iverの4枚目のアルバム『*i,i*』（2019年）に収録された**繊細で胸を打つシングル**であり、**ジャンルの融合と感情の抽象化へと進化し続けるジャスティン・ヴァーノンの姿勢**を示す楽曲です。
**ヴァーノン**、**クリス・メッシーナ**、**BJ・バートン**、**ブラッド・クック**による共同プロデュースのもと、**柔らかなシンセ、穏やかなギターアルペジオ、多層的なハーモニー**が織りなすサウンドは、**控えめながら豊潤なインディー・エレクトロニック・バラード**として仕上がっており、そこには**R&Bやアンビエント・ポップの要素**も繊細に溶け込んでいます。
歌詞は**省略的でありながら深い情感をたたえており**、とくに**記憶、ケア、そして口に出されない親子の親密さ**──とりわけ**息子と母の複雑な関係性**が静かに描かれています。
リフレインである「*I waited outside / I was tokin’ on dope / I hoped it all won’t go in a minute*（外で待ってた／ドラッグを吸ってた／すぐに全部が壊れないよう願ってた）」という一節は、**若さゆえの過ちと、それでも繋がっていたいという切なる願い**を重ね合わせるように響きます。
そして、タイトルの「**Hey, Ma**」というたった一言の呼びかけには、**無防備な愛情や深い脆さ**が込められており、そのシンプルさゆえに**強い感情の余韻**を残します。
この楽曲は、リリース当初から**その温かみと感情の微細さ**が高く評価され、「**Holocene**」以来の**親しみやすさと普遍的な響き**を持つ楽曲として多くのリスナーに受け入れられました。
さらに、「Hey, Ma」は**2020年グラミー賞「年間最優秀レコード（Record of the Year）」にノミネート**され、『*i,i*』というアルバムが示す**音楽的な円環の完成——実験的な『*22, A Million*』の断片性と、メロディーへの回帰、感情の地に足の着いた表現**とのバランス——を象徴する一曲となりました。
「Hey, Ma」は、Bon Iverのカタログの中でもとりわけ**成熟した、静かに心をえぐるような名曲**であり、**世代やジャンルを越えて共鳴しうる、深い普遍性**を宿した作品として位置づけられています。
04. Holocene (2011)
“**Holocene**” is one of Bon Iver’s most celebrated songs, released in 2011 as part of the album *Bon Iver, Bon Iver*. Written and produced by **Justin Vernon**, with contributions from **Sean Carey**, **Matt McCaughan**, and **Mike Noyce**, the song showcases a more expansive, textured sound than his earlier acoustic work. Its instrumentation—subtle electric guitar lines, delicate percussion, soft horns, and ambient layering—embodies a refined **chamber folk** and **post-rock** aesthetic, drifting between warmth and melancholy.
Lyrically, “Holocene” is poetic and introspective, capturing moments of smallness and transcendence. The line “And at once I knew I was not magnificent” distills the song’s theme: **recognizing one’s insignificance within the vastness of the world**, while still finding beauty and meaning in that realization. The title refers both to the geological epoch and a bar in Portland, Oregon, merging the cosmic and the personal—an emblem of Vernon’s writing style.
“Holocene” received widespread critical acclaim and was nominated for **Record and Song of the Year at the 2012 Grammys**. Its quiet profundity and emotional precision helped solidify Bon Iver’s place in modern music. The song has since become a touchstone of **21st-century indie folk**, often cited in films, playlists, and personal moments of reflection around the globe.
「**Holocene**」は、Bon Iverの2011年作『*Bon Iver, Bon Iver*』に収録された、**最も高く評価されている楽曲のひとつ**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**による作詞・作曲・プロデュースのもと、**ショーン・キャリー**、**マット・マカフン**、**マイク・ノイス**らの繊細な演奏が重なり、前作『*For Emma, Forever Ago*』のアコースティックな質感とは異なる、**より広がりのある音響と精緻な構築美**が際立ちます。
**穏やかなエレキギター、繊細なパーカッション、柔らかなホーン、そしてアンビエントなレイヤー**が折り重なることで、**チェンバー・フォークとポストロック**を行き来するような、**温かさと憂いのあいだを漂う音世界**が広がっています。
歌詞は**詩的で内省的**であり、**「自分の小ささを認めながらも、その中にある美しさや意味に気づく」**というテーマが貫かれています。
なかでも「*And at once I knew I was not magnificent*（その瞬間、自分が壮大ではないことを知った）」という一節は、この曲の核心を鋭く突く言葉として多くのリスナーに深く響いています。
タイトルの「**Holocene**」は、**地質学的な年代名**であると同時に、**オレゴン州ポートランドにあるバーの名前**でもあり、**宇宙的なスケールと個人的な記憶を重ね合わせる**という、ヴァーノン特有の表現スタイルが色濃く反映されています。
「Holocene」は**批評家からも絶賛され**、**2012年のグラミー賞において「年間最優秀レコード」と「年間最優秀楽曲」の両方にノミネート**されました。その**静かな深遠さと感情の精度**は、Bon Iverを**現代音楽の重要な存在**として確固たるものにし、この曲自体も**21世紀インディーフォークの金字塔的存在**として、多くの映画やドキュメンタリー、個人の回想や癒しの場面で引用され続けています。
「Holocene」は、**ささやかな瞬間の中にある壮大さ**を描き出す名曲であり、Bon Iverの持つ**静けさの中に広がる宇宙的な感性**を、最も象徴的に体現した楽曲といえるでしょう。
03. 33 ‘GOD’ (2016)
“**33 ‘GOD’**” is a standout track from Bon Iver’s third album, *22, A Million* (2016), marking a bold departure from the acoustic introspection of earlier works. Produced by **Justin Vernon** alongside **BJ Burton**, the song exemplifies the album’s experimental, **glitchy, genre-defying sound**, blending elements of **electronic, gospel, hip-hop sampling**, and **avant-folk**. It’s built from warped piano loops, pitched vocal layers, and obscure samples, including snippets from Paolo Nutini, Sharon Van Etten, and the soul group The Supreme Jubilees.
The lyrics are **fragmented and spiritual**, rich with biblical references (the title nods to Psalm 33 and Vernon’s age at the time) and emotional contradiction. Vernon sings, “I’d be just fine—no offense,” and “I find God and religion too,” oscillating between faith, doubt, and existential searching. The song functions more as a collage of impressions than a linear narrative, embodying Vernon’s shift toward **deconstruction as expression**.
“33 ‘GOD’” was pivotal in expanding Bon Iver’s sonic universe and challenging indie music conventions. It resonated with artists across genres and cemented Vernon’s reputation as a sonic innovator. The track’s blend of vulnerability and digital abstraction reflects a broader cultural moment—one of disorientation, self-reinvention, and the search for meaning in fractured times.
「**33 ‘GOD’**」は、Bon Iverのサードアルバム『*22, A Million*』（2016年）の中でも特に異彩を放つトラックであり、それまでの**アコースティックで内省的な表現からの大胆な脱却**を示す楽曲です。
**ジャスティン・ヴァーノン**と**BJ・バートン**によるプロデュースのもと、曲全体は**グリッチーでジャンルの境界を超えた実験的な音像**で構成されており、**エレクトロニカ、ゴスペル、ヒップホップのサンプリング、アヴァン・フォーク**といった多様な要素が混在しています。
サウンド面では、**歪んだピアノループ、ピッチを操作されたボーカルのレイヤー、不明瞭なサンプル音**が緻密に重ねられています。使用されているサンプルには、**パオロ・ヌティーニ**や**シャロン・ヴァン・エッテン**、**The Supreme Jubilees**といったアーティストの楽曲断片が含まれており、曲全体が**音のコラージュ**として構築されています。
歌詞は**断片的で霊的**な印象を持ち、「*Psalm 33（詩篇33篇）*」やヴァーノンが曲を書いた当時の年齢「33歳」に由来するタイトルの通り、**信仰・疑念・存在の問い**をめぐる**精神的な揺らぎ**を内包しています。
「*I’d be just fine—no offense*（気にしないで、大丈夫だから）」や「*I find God and religion too*（神や宗教にも出会った）」といった一節では、**強がりと信仰のあいだを行き来するような矛盾**が描かれ、明確なストーリーよりも**感情の印象や構造そのもの**が前面に出ています。
「33 ‘GOD’」は、Bon Iverの**音楽的宇宙を一気に拡張**させたターニングポイントであり、同時に**インディーミュージックの常識を揺さぶる革新**でもありました。この曲は**ジャンルを超えたアーティストたちに影響を与え**、ジャスティン・ヴァーノンが**21世紀の音響表現における先駆者**であることを強く印象づけました。
**脆さとデジタルの抽象性の融合**がもたらすこの楽曲は、**方向感を失いながらも再構築を模索する時代の感覚**をそのまま映し出しており、**自己再発見と意味の探求**を描く、深く文化的な共鳴を持った一曲です。
02. Skinny Love (2007)
“**Skinny Love**” is one of Bon Iver’s most iconic songs, originally released in 2007 as part of the debut album *For Emma, Forever Ago*. Written and produced solely by **Justin Vernon**, the song was famously recorded during a self-imposed retreat in a remote Wisconsin cabin, following a period of personal upheaval—including illness, a breakup, and band dissolution. The sparse production—just **fingerpicked acoustic guitar and raw, multi-tracked vocals**—became a blueprint for the late 2000s **indie folk revival**.
The term “skinny love” refers to a relationship starved of real nourishment—fragile, worn, and unsustainable. Vernon’s falsetto quivers with **pain, longing, and emotional vulnerability**, as he sings lines like “And I told you to be patient / And I told you to be fine,” evoking the slow unraveling of connection. Despite—or perhaps because of—its ambiguous lyrics, the song became a vessel for heartbreak and reflection.
Though modest in production, “Skinny Love” had an outsized cultural impact. It became Bon Iver’s breakout song, widely covered (most famously by **Birdy** in 2011), and often featured in film and TV. It helped define a generation’s aesthetic of **intimate melancholy**, establishing Justin Vernon as a major figure in indie music and paving the way for the expansive experimentation of his later work.
「**Skinny Love**」は、Bon Iverのデビューアルバム『*For Emma, Forever Ago*』（2007年）に収録された、**最も象徴的で広く知られる楽曲のひとつ**です。
**ジャスティン・ヴァーノン**が、病気・バンドの解散・恋愛の破綻という**個人的な混乱の時期を経て、ウィスコンシン州の人里離れた山小屋での孤独な滞在中に自ら作詞・作曲・録音**したものであり、**指弾きのアコースティックギターと多重録音された生々しいボーカルだけ**というミニマルな構成が、**2000年代後半のインディーフォーク・リバイバル**のスタイルを定義するものとなりました。
「**Skinny love**」という言葉は、**十分な滋養を得られていない痩せ細った関係性**を指し、**壊れかけで持続不可能な愛**のあり方を象徴しています。
ヴァーノンの**震えるようなファルセット**は、**痛み、渇望、感情の脆さ**をむき出しにしながら、「*And I told you to be patient / And I told you to be fine*（我慢してほしいって言ったよね／大丈夫でいてほしいって言ったよね）」と歌い、**ゆっくりと解けていく関係の哀しみ**を静かに浮かび上がらせます。
歌詞の内容はあえて曖昧にされており、それゆえにリスナー自身の**失恋や内省の感情を重ねやすい“器”**として多くの人の共感を呼びました。
その**簡素で内省的なプロダクション**にもかかわらず、「Skinny Love」はBon Iverの**飛躍のきっかけとなる代表曲**となり、**Birdyによる2011年のカバー**をはじめとして数多くのアーティストにカバーされ、映画やドラマでも頻繁に使用されています。
この楽曲は、**親密な哀しみを美学とする世代の感性**を象徴し、ジャスティン・ヴァーノンを**インディー音楽界の重要人物**として広く知らしめました。
また、その静謐で個人的な語り口は、のちの『*Bon Iver, Bon Iver*』や『*22, A Million*』に見られる**音響的実験と抽象性の地盤**ともなり、Bon Iverというプロジェクトの深い芸術性と革新性の原点として、今なお多くの人にとって特別な一曲となっています。
01. Perth (2011)
“**Perth**” is the opening track of Bon Iver’s critically acclaimed second album *Bon Iver, Bon Iver* (2011), and marks a stylistic evolution for the project led by singer-songwriter Justin Vernon. Co-produced by Vernon and longtime collaborator **Brad Cook**, with contributions from **Matt McCaughan** and **Mike Noyce**, the song blends **indie folk** roots with **post-rock and baroque pop** sensibilities. It opens with militaristic drums and builds with layered guitars and haunting harmonies, creating a cinematic soundscape both intimate and grand.
Lyrically, “Perth” is oblique and poetic, dealing with **loss, separation, and the elusive nature of connection**. Vernon’s falsetto glides through abstract imagery—“still alive who you love” and “you’re breaking your ground”—inviting emotional interpretation rather than narrative clarity. The track’s title and emotional core were influenced by actor **Heath Ledger’s death**, as Vernon was collaborating on a film project with Ledger’s friend **Matt Amato** during that time. The grief and sudden absence sparked the creative energy behind the song.
“Perth” was instrumental in redefining Bon Iver’s sound and positioning Vernon as a boundary-pushing artist. Its grand yet fractured aesthetic has inspired a wave of atmospheric indie music in the 2010s and deepened Bon Iver’s cultural impact beyond the folk revival he helped spark with *For Emma, Forever Ago*.
「**Perth**」は、Bon Iverのセカンドアルバム『*Bon Iver, Bon Iver*』（2011年）の**オープニングトラック**であり、ジャスティン・ヴァーノン率いるプロジェクトが見せた**スタイルの進化と再定義**の象徴とも言える楽曲です。
**ヴァーノン**と長年の共同制作者である**ブラッド・クック**による共同プロデュースのもと、**マット・マカフン**（ドラム）や**マイク・ノイス**（ギター／ボーカル）らが参加し、**インディーフォークの根幹**を保ちつつも、**ポストロックやバロックポップ**の感性を取り入れた**壮麗で映画的なサウンドスケープ**が展開されています。
冒頭を飾る**軍隊的な規律を思わせるドラムパターン**と、そこに重ねられる**多層的なギターと幽玄なハーモニー**は、**親密さと壮大さを同時に感じさせる空間**を作り上げ、以降のアルバム全体の美学的方向性を強く印象づけています。
歌詞は**抽象的で詩的**な構成となっており、明確な物語というよりは、**喪失や別離、そしてつながりの儚さ**をめぐる**感情的な風景**が描かれています。
「*still alive who you love*（愛する人がまだ生きている）」や「*you’re breaking your ground*（君は地面を割っている）」といったフレーズは、**聴き手自身の解釈に委ねられるイメージの断片**として機能し、**意味の明瞭さよりも感情の共鳴**を重視した表現が際立ちます。
「Perth」のタイトルとその感情の中核は、俳優**ヒース・レジャーの死**に影響を受けており、ヴァーノンがレジャーの友人であり映像作家の**マット・アマート**と映画プロジェクトを進めていた際に、この曲の構想が生まれました。
**突如として訪れた喪失と不在**が、この楽曲の創作を駆動する原動力となったのです。
「Perth」は、Bon Iverの音楽的方向性を**内省的なフォークから、よりダイナミックで空間的なアートフォームへと押し広げた**重要な転換点であり、ヴァーノンを**ジャンルの枠にとらわれない革新的アーティスト**として位置づけることに貢献しました。
その**壊れかけでありながら壮麗な美学**は、2010年代の**アトモスフェリックなインディー音楽の潮流**にも多大な影響を与え、デビュー作『*For Emma, Forever Ago*』が象徴するフォーク・リバイバルを越えて、Bon Iverの文化的影響力をさらに深める一曲となりました。